Изобразительное искусство, фотография читать онлайн


Анатомия архитектуры. Семь книг о логике, форме и смысле

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Сергей Кавтарадзе
Цель книги искусствоведа Сергея Кавтарадзе – максимально простым и понятным языком объяснить читателю, что такое архитектура как вид искусства. Автор показывает, как работают механизмы восприятия архитектурного сооружения, почему зритель получает от него эстетическое удовольствие. Книга учит самостоятельно видеть и анализировать пластические достоинства формы и бесконечные слои смыслового наполнения архитектурных памятников, популярно излагая историю европейских стилей и логику их развития. Книга адресована широкому кругу читателей, интересующихся архитектурой и историей искусства.

Гомбрих, или Наука и иллюзия. Очерки текстуальной прагматики

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Степан Ванеян
Книга представляет собой собрание эссе на тему насущных проблем истории искусства как практики возобновления смысла применительно к визуальной реальности прошлого. Ориентиром в этом начинании служит предельно монументальная фигура Эрнста Гомбриха – историка, но прежде всего теоретика истории искусства, достигшего в своей научной дискурсивности уровня подлинного творчества и обнажившего перформативные корни научного знания как такового. В лице Гомбриха и в сюжетах его взаимоотношений с иными личностями – Поппером, Варбургом, Панофским, Митчеллом, Прециози, Виндом и многими другими – обнаруживаются и сущностные аспекты науки как межличностной коммуникации внутри и по краям разнообразных концептуальных контекстов, что дает специфические иллюзорные эффекты, родственные эффектам достоверности, на которые, как обычно считается, способны лишь изобразительные искусства. Книга будет полезна специалистам в области эстетики, психологии и философии, а равно и всем, интересующимся искусством и его интерпретацией.

Золотой век глины. Скульптурные группы из раскрашенной терракоты в художественной культуре раннего итальянского Возрождения

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Елена Кукина
Традиционно и вполне обоснованно считается, что лучшие достижения итальянской ренессансной скульптуры связаны с «благородными» материалами – камнем и бронзой. Между тем, среди любимых, распространенных и, что особенно важно, – характерных для Италии скульптурных материалов, начиная с античного периода, была глина. О замечательных памятниках «золотого века» глины XV столетия увлекательно рассказывает автор этой книги, кандидат искусствоведения. Для всех, кто интересуется эпохой Возрождения и итальянским искусством.

Любовь и искусство

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Евгений Яковлевич Басин
Оставляя читателя антологии наедине с яркими и глубокими высказываниями теоретиков и мастеров искусства о любви (и как в творческом акте, и в содержании произведений, во впечатлении от подлинных шедевров), автор-составитель ставит главной задачей обоснование своей гипотезы об энергийной природе изучаемого феномена. Эта цель и определяет характер отбора материалов, составивших книгу. Антология может привлечь внимание тех, кого интересуют экстрасенсорные (телепатические) аспекты любви, как в искусстве, так и в жизни. В текст книги включена статья С. С. Ступина, дополняющая авторскую концепцию с позиций аналитики антропологически значимых характеристик художественных языков.

Мода и искусство

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Коллектив авторов
Сборник включает в себя эссе, посвященные взаимоотношениям моды и искусства. В XX веке, когда связи между модой и искусством становились все более тесными, стало очевидно, что считать ее не очень серьезной сферой культуры, не способной соперничать с высокими стандартами искусства, было бы слишком легкомысленно. Начиная с первых десятилетий прошлого столетия, именно мода играла центральную роль в популяризации искусства, причем это отнюдь не подразумевало оскорбительного для искусства снижения эстетической ценности в ответ на запрос массового потребителя; речь шла и идет о поиске новых возможностей для искусства, о расширении его аудитории, с чем, в частности, связан бум музейных проектов в области моды.

Супермодель и фанерный ящик. Шокирующие истории и причудливая экономика современного искусства

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Дональд Томпсон
Известный знаток и ценитель произведений искусства Дон Томпсон погружает читателя в мир аукционов и маркетинга на арт-рынке. Откровенно, остроумно и жестко он рассказывает о том, как благодаря шумихе и скандалам имена современных художников становятся брендами и почему по меньшей мере странные, а вернее сказать, жуткие, антиэстетические произведения продаются по заоблачным ценам, о том, кто их покупает и какова мотивация покупателей. Томпсон обращает внимание на растущее влияние супердилеров и дуополии крупнейших аукционных домов, размышляет о проблемах установления подлинности художественных произведений, о том, как создаются и рушатся репутации, о закулисной возне в мире искусства. Среди его источников информации – дилеры, бывшие и настоящие сотрудники аукционных домов и галерей от Нью-Йорка и Лондона до Абу-Даби и Пекина.

Точка и линия на плоскости

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Василий Кандинский
Автобиографическая повесть «Ступени» и теоретическое исследование глубинных основ художественного языка «Точка и линия на плоскости» написаны В. Кандинским, одним из крупнейших художников XX века, открывшим историю русского авангарда. Эти тексты составляют важную часть теоретического исследования мастера, позволяют глубже и полнее понять суть его художественного творчества.

100 шедевров русских художников

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор:
В альбоме представлены самые прославленные, пользующиеся неизменной популярностью у зрителя произведения русского изобразительного искусства XII – начала XX века, от замечательных образцов древнерусской иконописи до работ мастеров модерна и авангарда. Для широкого круга читателей. [b][i]В формате pdf A4 сохранен издательский дизайн.[/i][/b]

500 сокровищ русской живописи

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор:
В альбоме представлены выдающиеся произведения русского изобразительного искусства XII – начала XX века, от драгоценных образцов древнерусской иконописи до новаторских работ мастеров модерна и авангарда. Обзорные статьи и краткие содержательные пояснения к картинам помогут читателю составить представление о разных этапах развития русской живописи, о всем многообразии ее жанров, а также творчестве художников, чьи произведения составляют гордость и славу не только отечественной, но и мировой культуры. Для широкого круга читателей. [b][i]В формате pdf A4 сохранен издательский дизайн.[/i][/b]

С помощью дизайна

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Ральф Каплан
Эта книга – сборник увлекательных очерков, в которых под разными углами рассматриваются природа дизайна и суть работы дизайнера. Автор рассказывает о дизайне в промышленности и моде, о графическом и интерьерном дизайне, а также о дизайне, или «конструировании», ситуаций в бизнесе и социуме. Издание адресовано студентам, профессиональным дизайнерам, а также всем, кто стремится понять глубинный смысл дизайна.

Живая цифра

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Павел Косенко
Эта книга о цвете в цифровой фотографии. Она написана фотографом-колористом, который в своей практике опирается на художественные знания о цвете и использует возможности современных средств компьютерной обработки. Автор рассматривает все аспекты работы с цветом комплексно - от особенностей цветовосприятия человека, взаимосвязи цвета и композиции, критериев оценки колористической выразительности до процессов съемки, Raw-конвертации и цветокоррекции в Adobe Photoshop. Технические аспекты работы с цифровой фотографией рассматриваются с точки зрения художественного восприятия, чтобы читатель мог понять, как поставить инструменты на службу творческой идее. Книга адресована широкому кругу фотографов, а также может оказаться полезной цветокорректорам, дизайнерам и другим специалистам, работающим с цифровой фотографией. Ее цель - помочь всем, кто хочет добиться колористической гармоничности и выразительности в цифровой фотографии.

Рисуйте свободно! Найти себя с помощью художественного дневника

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Барбара Дайан Берри
Перед вами книга о том, как раскрыть творческое начало, преодолеть с его помощью жизненные трудности и лучше узнать самого себя. В этом вам помогут ведение художественного дневника и техника спонтанного рисования. Автор предлагает серию упражнений, которые развивают умение импровизировать и творить свободно. В результате вы почувствуете смелость и готовность экспериментировать не только на бумаге, но и в жизни. Барбара Дайан Берри написала эту книгу, основываясь не только на многолетнем опыте преподавания, но и на исследованиях в области психологии и нейробиологии. [i]На русском языке публикуется впервые.[/i]

Шедевры европейских художников

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор:
В издании представлены произведения изобразительного искусства с XIII по XX век, от реформатора живописи Джотто ди Бондоне, открывшего период европейского Возрождения, до сюрреалиста Сальвадора Дали. Обзорные статьи и краткие пояснения к картинам дают полное представление о разных этапах развития живописи, многообразии жанров и творчестве художников, чьи произведения составили гордость и славу мировой культуры. Для широкого круга читателей.

Беседы об искусстве (сборник)

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Огюст Роден
Бронзовые и мраморные создания великого французского скульптора Огюста Родена находятся в крупнейших мировых музеях, и даже далекие от искусства люди представляют, как выглядят «Мыслитель», «Поцелуй», «Вечная весна», «Граждане Кале». Однако мастер оставил нам не только скульптуры, но также интереснейшие литературные работы. В настоящем издании, кроме знаменитого «Завещания», представлены его «Беседы об искусстве» и «Французские соборы».

Философия дизайна Германа Цапфа

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Герман Цапф
В книгу вошли избранные статьи и лекции выдающегося дизайнера Германа Цапфа о каллиграфии, шрифтовом дизайне и типографике, а также подробный каталог его шрифтов. Автор охватывает широкий круг творческих и практических вопросов, связанных с разработкой и применением шрифта в прошлом, настоящем и будущем. Издание прекрасно иллюстрировано каллиграфическими и шрифтовыми работами автора и адресовано шрифтовикам, дизайнерам, оформителям и художникам книги.

Vincent van Gogh

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
Incarnation du mythe de l artiste maudit, Vincent van Gogh (1853-1890) est devenu une reference de l art contemporain. Expressionniste pendant le courant postimpressioniste, son art fut incompris tout au long de sa vie. Vincent van Gogh realisa plus de 2000 ?uvres mais n en vendra qu une seule tout au long de sa vie. Peintre autodidacte, sa peinture est reconnue pour sa beaute a la fois sensible et apre. Il est aujourd hui l un des artistes les plus en vogue sur le marche de l art.

Vincent van Gogh

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
The incarnation of the myth of a cursed artist, Vincent van Gogh (1853-1890) is a legend who became a reference for modern art. An Expressionist during the Post-Impressionist movement, his art was misunderstood during his lifetime. In Holland, he partook in the Dutch realist painting movement by studying peasant characters. Anxious and depressed, Vincent van Gogh produced more than 2000 artworks, yet sold only one in his lifetime. A self-made artist, his work is known for its rough and emotional beauty and is amongst the most popular in the art market today.

Смотрим на чужие страдания

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Сьюзен Сонтаг
«Смотрим на чужие страдания» (2003) – последняя из опубликованных при жизни книг Сьюзен Сонтаг. В ней критик обращается к своей нашумевшей работе «О фотографии» (1977), дописывая, почти тридцать лет спустя, своего рода послесловие к размышлениям о природе фотографического изображения. На этот раз в центре внимания – военная фотография, документальные и постановочные снимки чужих страданий, их смысл и назначение.

Pissarro

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
„Vater Pissaro“, wie seine Freunde ihn gern nannten, war wohl der nuchternste der Impressionisten. Vielleicht lag es an seinem Alter (welches weitaus fortgeschrittener war, als das seiner Kollegen Monet, Sisley, Bazille und Renoir) oder vielmehr an seiner Lebenserfahrung, die seine Werke sowohl in ihren Themen als auch in ihrer Komposition durchaus ruhig und schlicht erscheinen lassen. Ein Mann mit einfachem Geschmack, der es genoss, die Landbevolkerung in den Stra?en zu malen, auch wenn er spater mit seinen Stadtansichten Beruhmtheit erlangen sollte, die er mit derselben Leidenschaft fertigte, die in ihm aufkam, wenn er wieder einen sturmischen Himmel oder den vom Frost gezeichneten Morgen auf die Leinwand bannte.

Botticelli

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
Sein Vater war ein wohlhabender Burger, der darauf bestand, dass er "in allem unterrichtet wurde, was man Kinder lehrt”. Doch der Junge hatte nicht viel fur Lesen, Schreiben oder Mathematik ubrig, so dass sein Vater die Hoffnung aufgab, ihn zu einem Gelehrten zu machen, und ihn stattdessen zum Goldschmied Botticelli in die Lehre gab, unter dessen Namen ihn die Welt kennt. Doch Sandro, ein eigenwillig blickender Junge mit gro?en, neugierigen Augen und einem blonden Haarschopf bestand darauf, Maler zu werden und kam deshalb schlie?lich zu dem Karmelitermonch Fra Lippo Lippi in die Lehre. Dem Frate lag Sandros Ausbildung besonders am Herzen, da er ihm auch personlich sehr zugetan war. Wie dies inzwischen unter den Malern Mode geworden war, wandte sich der junge Maler nicht religiosen Motiven zu, sondern dem Studium der Schonheit und des menschlichen Charakters. Sandro machte schnelle Fortschritte, liebte und verehrte seinen Meister und brachte spater dessen Sohn, Filippino Lippi, das Malen bei. Trotz seines realistischen Ansatzes war Sandro ein Traumer und Poet, nicht ein Maler von Fakten, sondern von Ideen. Deshalb sind auch seine Bilder weniger eine Darstellung von bestimmten Objekten, als von Mustern und Formen. Auch seine Farbgebung ist weder reich noch lebensnah, sondern untersteht immer der Form und bleibt oft nur eine Andeutung. Er interessierte sich fur die abstrakten Moglichkeiten der Kunst, weniger fur das Konkrete. So sind seine Kompositionen eher Muster; seine Gestalten besetzen nicht wohl definierte Platze im Raum, sie wirken nicht durch massige Korperhaftigkeit, sondern eher flachig. Die Linien, die seine Konturen umgeben, verfolgen wohl einen dekorativen Zweck. Man sagt Botticelli nach, dass er “...obwohl einer der schlechtesten Anatomen, so doch einer der gro?ten Zeichner der Renaissance” gewesen sei. Ein Beispiel fehlerhafter anatomischer Wiedergabe ist die unmogliche Art und Weise, in der der Kopf der Madonna am Hals befestigt ist und verschiedene merkwurdige Gelenke sowie eigentumlich geformte Glieder. Trotzdem gilt er als einer der gro?ten Zeichner, weil er es nicht nur verstand, blo?e au?ere, sondern auch innere Schonheit wiederzugeben. Mathematisch ausgedruckt, loste er die Bewegung der Figur in ihre Faktoren – die einfachsten Ausdrucksformen – auf und kombinierte diese verschiedenen Formen in ein Muster, das durch rhythmische und harmonische Linien auf unsere Einbildung die poetischen Gefuhle des Kunstlers projiziert. Diese Fertigkeit, jeder Linie eine Bedeutung zu verleihen, unterscheidet den gro?en Zeichenkunstler von den vielen, die die Linie nur als ein notwendiges Mittel zur Darstellung von konkreten Gegenstanden nutzen. Zu seinen wichtigsten Werken gehoren: Der Fruhling (1478), Madonna mit Kind (1480), Geburt der Venus (1485), Madonna della Melagrana (1487)

Velazquez

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Klaus H. Carl
Das vorliegende Werk zeichnet Velazquez’ Leben sowohl anhand seiner Werke als auch anhand seiner Reisen nach und berucksichtigt dabei neben der kunstlerischen auch die konigliche Szenerie im Spanien des 17. Jahrhunderts. Von seinen Anfangen bei Pacheco bis zu den letzten Jahren als Hofmaler portratiert der mit einer unglaublichen Energie und Hingabe ausgestattete Maler die einflussreichsten Personlichkeiten seiner Zeit und amtiert gleichzeitig als Reformer der prachtigen spanischen Palaste. So wie Velazquez durch sein Leben und seine erstaunliche Technik unvergessen bleibt, ist es ebenso eindrucksvoll, wie viele Portrats er hinterlassen hat. Mit dem Anspruch, seinen Text von den sonst ublichen Monographien abzugrenzen, behandelt Professor Carl Justi die Werke Velazquez’ in einem historischen Kontext, der das Goldene Zeitalter der Spanischen Malerei beschreibt. Durch die Fulle und Vielseitigkeit der Illustrationen ist Velazquez und sein Jahrhundert auf dem besten Wege, das Standardwerk auf seinem Gebiet zu werden.

Sisley

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Alfred Sisley (1839-1899) gilt als der Schuchternste unter den Impressionisten und obwohl er kunstlerisch immer im Schatten von Pierre-Auguste Renoir und Claude Monet stand, verband ihn mit beiden eine lebenslange Freundschaft. In Sisleys Landschaftsbildern ist stets ein Gefuhl aufrichtiger Bewunderung fur die Natur zu spuren, eine gro?e Zartlichkeit und zugleich ein wenig Trauer. Die Natur wird nicht einfach auf der Leinwand wiedergegeben. Vielmehr steht die Farbe im Dienst des Ausdrucks einer ganzen Skala von Gefuhlen, die die Natur im Menschen erweckt. Mit dieser umfangreich bebilderten Ebook-Monografie wird der Versuch unternommen, Sisley zu der kunstlerischen Beachtung zu verhelfen, die ihm zu Lebzeiten verwehrt blieb.

Pollock

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Donald Wigal
„Am Anfang die wei?e Leinwand, leer, dann ein vorsichtiger Beginn, die Farbe ergie?t sich aus dem Topf auf die wei?e Flache...“ Hans Namuth. Jackson Pollock wird 1912 in einem kleinen Dorf in Wyoming geboren. Er verkorpert alle sich um das entstehende Amerika rankenden Mythen, das sich mit der Realitat des ausgehenden 19. und des beginnenden 20. Jahrhunderts, dessen Modernitat alle Bezugspunkte zerstort, auseinandersetzt. Wie in einem Roman erobert Pollock New York und hat, dank des Federal Art Projekt, schnell Erfolg und einen guten Ruf. Nach dem Zweiten Weltkrieg wird er zum ersten gro?en Star der amerikanischen Malerei. Hofiert und umschmeichelt, wird Pollock, wie es De Kooning ausgedruckt hat, zum Symbol des „Eisbrechers“. Fur Max Ernst und Masson war er ein Weggefahrte der europaischen Surrealisten, fur Motherwell ein Thronanwarter fur den Meister der Amerikanischen Schule. Aber in der sturmischen Zeit des New York der 1950er und 60er Jahre verliert Pollock alle seine Bezugspunkte. Durch seinen zu schnellen Erfolg verfallt er dem Alkoholismus und zerstort seine Ehe mit Lee Krasner. Um seinen Mythos vollkommen zu machen, musste er, wie der andere Star dieser Epoche, James Dean, nach einem Saufgelage mit seinem Oldtimer todlich verunglucken. Das vorliegende Ebook betrachtet Pollocks Personlichkeit unter einem neuen Licht, dem seines Werkes, das ihn unbestritten zu einem Meister des abstrakten amerikanischen Expressionismus macht.

Leonard Da Vinci

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Gabriel Seailles
“War Leonardos deutliche Berufung zur wissenschaftlichen Forschung eine Hilfe oder ein Hindernis fur seine Arbeit als Kunstler? Er wird gewohnlich als ein Beispiel fur die Moglichkeit eines Bundnisses von Kunst und Wissenschaft angefuhrt. In ihm, so hei?t es zumeist, erhielt das schopferische Genie durch die analytische Fahigkeit zusatzlichen Antrieb; der Verstand verstarkte die Vorstellungskraft und die Gefuhle. […] Leonardo war ein tiefgrundiger Gelehrter und unvergleichlicher Schopfer und ist der einzige Mensch in unserer Geschichte, der in die geheimnisvollsten Verstecke der Wahrheit eingedrungen ist und gleichzeitig Visionen der strahlendsten Schonheit heraufbeschworen hat, der die Wissenschaft des Aristoteles mit der Kunst des Phidias verbunden hat." “Dadurch, dass er die Natur und alle fur ihre vollkommene Wiedergabe wichtigen Wissenschaften – Anatomie, Perspektive, Physiognomie – leidenschaftlich studierte und klassische Modelle konsultierte, sich gleichzeitig allerdings die fur ihn typische Unabhangigkeit bewahrte, konnte er bei der Kombination von Prazision mit Freiheit und von Wahrheit mit Schonheit nicht fehl gehen. Die raison d’etre und der Ruhm des Meisters beruhen auf dieser endgultigen Emanzipation, dieser perfekten Meisterschaft der Modellierung, der Lichtgebung und des Ausdrucks, dieser Weite und Freiheit. Auch andere mogen neue Wege gebahnt haben, aber niemand reiste weiter oder stieg hoher als er."

Klee

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Donald Wigal
Paul Klee gehort zu den Kunstlern, die sich nur schwerlich einer bestimmten kunstgeschichtlichen Bewegung zuordnen lassen. In engem Kontakt mit Wassily Kandinsky und Franz Marc gehorte er wie diese der expressionistischen Kunstlergruppe Der Blaue Reiter an. Spater knupfte er Verbindungen zum Bauhaus und unterrichtete sogar Malerei an der Dessauer Schule. Seiner Ansicht nach ging es bei der Kunst keineswegs um die Produktion, sondern vielmehr darum, die Dinge au?erst sichtbar werden zu lassen. In seinen Gemalden vereinte Klee geschickt die zu Beginn des 20. Jahrhunderts vorherrschenden Tendenzen. Er fuhrte kubistische und orphistische Elemente in den deutschen Expressionismus ein und verlieh seinen eigenen Werken eine surrealistische und melancholische Poesie. Der Autor fuhrt uns hier die Wunder der Klee’schen Welt vor Augen, in der jeder Pinselstrich die Macht der Farben bestatigt.

Durer

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Klaus H. Carl
Der vielfach talentierte Albrecht Durer nimmt einen bedeutenden Platz in der Geschichte der deutschen Kunst ein. In einer Zeit, in der die italienischen Kunstler die klassischen Techniken der Olmalerei, Bildhauerei und Architektur zu neuen Hohen perfektionierten und dadurch glaubten, dass sie das wahre Kunstmonopol besa?en, widmete Durer sich einem eher vernachlassigten Medium, dass nur im Buchdruck zur Anwendung kam. Er befreite Holzschnitt und Kupferstich von dieser einseitigen Rolle, fuhrte beide Techniken zur Perfektion und raumte ihnen einen Platz im Olymp der angesehenen kunstlerischen Techniken ein. Eine Leistung, die sogar Giorgio Vasari in seinen Biographien beruhmter Kunstler wurdigte. In diesem Buch werden nicht nur die bekanntesten seiner Meisterstiche und Stichzyklen aufgefuhrt, sondern auch seinen weniger beachteten Aquarellen die notige Aufmerksamkeit gewidmet.

OKeeffe

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Gerry Souter
Am Zeitraum zwischen Geburt und Tod der Georgia O’Keeffe (1887-1986) streift die gesamte moderne Geschichte der Vereinigten Staaten vorbei wie ein Hollywood-Film. Aus einer kleinen Stadt stammend, schafft sich Georgia O’Keeffe erst in New York einen Namen; jenes New York, das Mitte des 20. Jahrhunderts Paris als Welthauptstadt der Kunst ablost. Sie wurde vor allem durch ihre komplexen Naturbeschreibungen wie beispielsweise der Zartheit eines Herbstblattes, den subtilen Nuancen einer Blute oder der Symmetrie eines Tierschadels bekannt. Heute assoziiert man Georgia O’Keeffe mit kraftvollen Farben und der wilden Schonheit der Wuste Neu Mexikos, wo sie bis zu ihrem Tod im Jahr 1986 gelebt hat. Das vorliegende Ebook zeichnet den Lebensweg der modernen Frau Georgia O’Keeffe sowie ihre Art und Weise, Kunst zu schaffen, nach und betrachtet nicht zuletzt ihr Erbe fur die Nachwelt. Es hebt auch die Aspekte der Weiblichkeit und des Schaffens hervor.

Munch

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Elisabeth Ingles
Der Name „Edvard Munch“ ruft bei den meisten Menschen eine bestimmte visuelle Assoziation hervor: Ein schadelhaftes Gesicht, angstverzerrt, einen stummen, durchdringenden Schrei des Grauens aussto?end, wahrend im Hintergrund eine feurige, blutrote Sonne untergeht. Der Schrei hat sich im letzten Jahrhundert zu einem ikonischen Sinnbild fur die Existenzangst des modernen Menschen entwickelt. Der Schopfer dieses Kunstwerks war, trotz des immer wiederkehrenden Wahnsinns, der Exzesse, selbstzerstorerischer Beziehungen und einer lebenslang unerfullten Sehnsucht, ein sanftmutiger und introvertierter Mensch, der immer darauf bedacht war, sich selbst zu reflektieren. Mehr als fur viele andere Kunstler, war fur Munch das Malen ein therapeutischer Prozess, eine Ubertragung des Zustands seiner Seele auf Leinwand und Papier. Umso trostlicher muss es gewesen sein, dass er die internationale Anerkennung seiner Kunst noch miterleben konnte: von der fur Furore sorgenden Secessions-Ausstellung in Berlin bis hin zur allgemeinen Wertschatzung des Expressionismus – dessen Kunstler er entscheidend mitgepragt hatte. Dennoch waren auch seine letzten Lebensjahre nicht frei von Kummer: Er musste miterleben wie seine Kunst als „entartet“ gebrandmarkt und seine Heimat von den Streitkraften des dritten Reichs besetzt wurde. Dieses Ebook prasentiert Munchs aufwuhlende Lebensgeschichte und eine kompakte Auswahl an Kunstwerken, die mehr sind als nur die Darstellung einer kunstlerischen Entwicklung; Sie sind ein Blick in die Seele und den Geist eines genialen und vielfaltigen Kunstlers.

Mucha

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Patrick Bade
Alfons Mucha ist der ungekronte Konig der Jugendstil-Illustration. Fur viele Menschen sind Muchas uberirdisch schone, von floralen Ornamentgeflechten umgegebene Frauen, die erste Assoziation mit der beliebten Kunstrichtung der Wende zum 20. Jahrhundert. Muchas Kunst, die sich uber die Jahrzehnte immer wieder neuer Beliebtheit erfreuen durfte, ist vor allem seit den 1960er Jahren nicht mehr aus dem Sortiment von Plakat- und Reproduktionsanbietern wegzudenken. Das vorliegende Werk bemuht sich nicht nur darum, einen umfassenden Uberblick uber Muchas Schaffen zu geben, sondern auch, dem Mann hinter der Kunst gerecht zu werden: seinem Leben, seiner Entwicklung als Kunstler und seinem leidenschaftlichen Patriotismus fur sein Vaterland, der damaligen Tschechoslowakei.

Michelangelo

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Eugene Muntz
Michelangelo war, genau wie Leonardo, ein “universeller” Kunstler: Maler, Baumeister, Bildhauer und Dichter. Er war der Hauptmeister der italienischen Hochrenaissance und Wegbereiter des Manierismus. Seine Vorliebe galt der als Ausdruck der Leidenschaft angesehenen Skulptur. Nach Landschaften sucht man bei ihm vergeblich. Alles, was den Menschen ausmacht, seine Gefuhle, Leidenschaften, seinen Intellekt, wollte Michelangelo durch den nackten Korper zum Ausdruck bringen, den er kaum einmal in einer Ruhestellung, ohne Bewegung zeigte. Die Malkunst war fur ihn nur ein anderes, leichter zu handhabendes Mittel, um das in kunstlerische Worte zu fassen, was seine Seele bewegte. So gestaltete er, der sich selbst in erster Linie als Bildhauer sah, ein Deckengemalde, wie es lyrischer und epischer in der gesamten Geschichte der Malkunst nicht zu finden ist: die Decke der Sixtinischen Kapelle. Uber die riesige Flache von 1000 m? entfaltete er hier seine ganze Genialitat. Als er die Arbeit im Auftrag von Papst Klemens VII. (1478 bis 1534) aufnahm, war er gerade mal 34 Jahre alt. In seinem letzten Gemalde, dem Jungsten Gericht an der Wand der Sixtinischen Kapelle, lie? er seinen eigenen Qualen freien Lauf. Was bedeuteten kunstlerische Gesetze und Konventionen im Vergleich zu dem Schmerz, der in seinem Inneren tobte und ein Ventil brauchte? Kein Wunder, dass seine Zeitgenossen den Ausdruck terribilita auf seinen Stil anwandten. Seine Figuren entfuhren uns in Gefilde der Phantasie, die weit uber das hinausgehen, was wir normalerweise mit ihrem Namen verbinden.

Kahlo

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Gerry Souter
In die Portrats der Frida Kahlo sind sowohl ihr Leben als auch ihr Wirken selbst eingeflossen. Genau diese Mischung zieht den Betrachter in ihren Bann. Kahlos Werk lauft wie der Film ihres Lebens vor dem Auge des Betrachters ab, und nur selten lasst sich in Bilderrahmen mehr uber Kunstler erfahren, als es bei ihren Werken der Fall ist. Mit achtzehn Jahren veranderte ein Busungluck, das ihr lebenslange Schmerzen verursachen sollte, ihr Dasein. Doch harte Arbeit und ihre Verbissenheit halfen bei der Entwicklung ihres kunstlerischen Talents. Ihr malerischer und schriftlicher Nachlass stellen den mutigen Lebensbericht einer Frau dar, die auch an der Seite des beruhmten Diego Rivera fortwahrend auf der Suche nach sich selbst war.

Constable

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
John Constable ist der erste englische Landschaftsmaler, der den Hollandern in nichts nachsteht. Er ubernimmt zwar einiges von Rubens Landschaften, doch sein eigentliches Vorbild ist Gainsborough. Constable bringt einen frischen Wind in die Malerei, zum einen, was die Technik, zum anderen, was das Gefuhl anbelangt. Mit Ausnahme der Franzosen war Constable der erste Landschaftsmaler, der es als wichtigste Aufgabe erachtete, zunachst in einer einzigen Sitzung in der Natur eine erste Skizze anzufertigen. Diese Idee ist der Keim fur die Entwicklung der modernen Landschaftsmalerei – ja vielleicht sogar der modernen Malerei uberhaupt. Es ist diese spontane Momentaufnahme, das fluchtigste, personlichste und am wenigsten reproduzierbare Element, das dem zukunftigen Bild seine Seele gibt. Beim spateren gemachlichen Arbeiten an der Leinwand kann die Absicht des Kunstlers nur darin bestehen, diese erste Skizze zu bereichern und zu vervollkommnen, ohne jedoch die jungfrauliche Frische zu verlieren. Diesen zwei Prozessen widmete sich Constable mit dem Ziel, die Fulle des Lebens in den landlichen Gegenden zu entdecken.

Whistler

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Whistler taucht zu einem entscheidenden Zeitpunkt der Kunstgeschichte auf und ubernimmt die Rolle eines Vorlaufers. Den Impressionisten gleich hat er den Willen, seine Ideen durchzusetzen. In einer ersten Schaffensphase wird der Kunstler vom Realismus Courbets und vom Japonismus beeinflusst. Whistler findet mit den Nocturnes und der Cremorne Gardens-Serie zu kunstlerischer Eigenstandigkeit, und stellt sich dem Akademismus entgegen. Das Portrait seiner Mutter nennt er Arrangement in Grau und Schwarz, was fur seine asthetischen Theorien sehr bezeichnend ist. Wenn er die Lustgarten von Cremorne darstellt, so nicht, um identifizierbare Personen darauf abzubilden, sondern um eine Stimmung zu erfassen. Die Ufernebel der Themse, bleiche Lichter, Fabrikschlote haben es ihm angetan. Wahrend dieses Zeitabschnitts schockiert er seine Zeitgenossen mit seinen abstrakt anmutenden Bildern. Die Portraits (Ganzfiguren) beherrschen seine nachste Phase, in der er Beruhmtheit erlangt. Die portraitierten Personen werden in ihrer naturlichen Umgebung dargestellt, was ihnen eine merkwurdige Prasenz verleiht. Oscar Wilde (1854 bis 1900) lasst sich von den Portraits zur Niederschrift des Bildnis des Dorian Gray inspirieren. Seine Launen, seine Eleganz und seine Personlichkeit geben Anlass zu Neugierde und Bewunderung. Enger Freund von Mallarme (1842 bis 1898), bewundert von Marcel Proust (1871 bis 1922), provozierender Dandy, empfindlicher Weltmann, anspruchsvoller Kunstler: Whistler war ein wagemutiger Erneuerer.

Turner

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Eric Shanes
J.M.W. Turner wurde 1775 in Covent Garden als Sohn eines Barbiers geboren und starb 1851 in Chelsea. Es bedarf der Erfahrung eines Spezialisten, Gemalde auszusuchen,um ein Werk uber diesen Maler zu verfassen, denn mit einem Gesamtwerk von uber 19000 Gemalden und Zeichnungen kann Turner als ein au?erst produktiver Maler bezeichnet werden. Sein Name wird einerseits mit einer gewissen Vorstellung der Romantik in den Landschaften und einer bewundernswerten Gewandtheit in der Ausfuhrung seiner Seegemalde verbunden. Andererseits erinnert er aber auch an einen Vorreiter im Umgang mit Farben: an Goethes Theorie der Farben. Man braucht das Talent des gro?en englischen Kritikers John Ruskin, um Turners Malerei zu interpretieren. Mit Gemalden wie dem Brand des Ober- und Unterhauses, seiner ergreifenden Sicht des Schlachtfeldes von Waterloo und vielen anderen gibt Turner aber auch einen Zeitzeugenbericht ab. Seine Werke werden in zahlreichen Museen ausgestellt, z.B. im British Museum in London sowie in New York, Washington und Los Angeles.

Toulouse-Lautrec

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Toulouse-Lautrec begann noch wahrend seines Studiums das Pariser Nachtleben zu erkunden; es sollte ihm zur wichtigsten Quelle der Inspiration werden und schlie?lich auch zur Beeintrachtigung seiner Gesundheit fuhren. Das Paris der 1890er Jahre mit seinen schillernden Charakteren kann man nur durch die Augen Lautrecs wahrnehmen. Die erste bedeutende Personlichkeit des Pariser Nachtlebens, der Lautrec begegnete, war der beruhmte Cabaretsanger Aristide Bruant (1851 bis 1925), ein Mann, der Lautrec ganz wesentlich darin unterstutzte, seine eigene kunstlerische Vision zu entwickeln. In den 1890er Jahren inspirierten Lautrec zahlreiche Buhnenkunstler: die auf dem beruhmten Plakat des Moulin Rouge zu sehenden Tanzerinnen La Goulue und Jane Avril oder Loie Fuller, die Sangerinnen May Belfort, Yvette Guilbert und Marcelle Lender sowie die Schauspielerin Rejane. Lautrecs Aufrichtigkeit, mit der er viele Aspekte des Lebens abbildete, die die meisten seiner hoher geachteten Zeitgenossen lieber unter den Teppich kehrten, erregte erwartungsgema? Ansto?. Der deutsche Kunstkritiker Gensel schrieb: “Von Verehrung kann naturlich bei diesem Meister in der Darstellung alles Gemeinen und Perversen von vornherein nicht die Rede sein. Dass man Schweinereien – es gibt keinen milderen Ausdruck dafur – wie Elles offentlich ausstellen darf, ohne einen Schrei der Entrustung zu horen, erklart sich nur daraus, dass ein Teil des gro?en Publikums den Sinn dieses Zyklus gar nicht versteht und ein anderer sich schamt, sein Verstandnis einzugestehen!”

Schiele

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Patrick Bade
Pornografisch, unsittlich, amoralisch und letztendlich sogar „entartet“ wurde die Kunst des Egon Schiele genannt. Lange Zeit verkannt und verunglimpft, hat der geniale, von Selbstobsession getriebene Kunstler dennoch unbeirrt seine kunstlerische Suche nach der Essenz der weiblichen Sexualitat und nach einer neuen, ausgeglichenen Selbstwahrnehmung fortgesetzt; eine Suche, die in einer Vielzahl von Selbstportrats und Aktzeichnungen zum Ausdruck gebracht wurde. Dieser Band bemuht sich darum, die volle kunstlerische Bandbreite des Kunstlers zu erfassen, seine bekannten Portrats, Akte und Selbstportrats mit seinen weniger bekannten Landschafts –und Stadtebildern zu kontrastieren und einen Einblick in die Seele des umstrittenen Osterreichers zu bieten.

Rodin

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Rainer Maria Rilke
Auguste Rodin (1840-1917) intensiviertseine zeichnerische Tatigkeit als etwa 10-Jahriger und besucht ab 1854 in der Zeichen- und Mathematikschule La Petite EcoleKurse von Henri Lecoq de Boisbaudran (1802-1897) und des MalersJean-Hilaire Belloc (1786-1866). Dort entdeckt er fur sich die Bildhauerei. Er verlasst 1857diese Schule und versucht, an der beruhmten Ecole nationale superieure des beaux-artsaufgenommen zu werden, scheitert aber dreimal.Ab 1864 beginnt eineachtjahrige Zusammenarbeit mit dem Bildhauer Albert-Ernest Cartier-Belleuse (1824-1887), der sich eine 1873 Kooperation mit dem belgischen Bildhauer Antoine-Joseph van Rasbourgh (1831-1902) anschlie?t. Zu seinen ersten gro?en Werken zahlen u. a. Der Mann mit der gebrochenen Nase(1864), die spater vom franzosischen Staat angekauftelebensgro?e Figur Das eherne Zeitalter(1875/1876), der auch fur das zukunftige Museum der dekorativen Kunsteein nie fertiggestelltes Portalbestellte. Diesen Arbeiten folgten im Lauf der Jahreu. a. Der Kuss (1886),die Burger von Calais(1889) und Der Schreitende(1877-1880 und 1900). Seine Hauptarbeit ist wohl Das Hollentor(1880-1817), an dem er 37 Jahre lang und bis kurz vor seinem Tod arbeitete und aus dem seine bekannteste andere Figur, Der Denker, stammt, dessen Kopie uber dem Grab der ebenfalls 1917 gestorbenen, spat geheirateten Rose Beuret steht.

Mondrian

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Der insgesamt der Kunstrichtung der Klassischen Moderne zuzurechnende Piet Mondrian (1872-1944) wurde im niederlandischen Amersfort geboren. Nach seinem Studium in Amsterdam begann ers eine Kunstlerkarriere im impressionistischen Stil als Figuren- und Landschaftsmaler. Seine Arbeiten aus jenen Jahren zeigen den Einfluss Vincent van Goghs (1853-1890) und des Fauvismus, einer franzosischen Stilrichtung aus dem Anfang des 20. Jahrhunderts. Auf seiner Reise des Jahres 1911 nach Paris entdeckte er Pablo Picassos (1881-1973) Arbeiten, damit fur sich den Kubismus und wurde aufgrund dessen nach seiner Ruckkehr zum Pionier der abstrakten Malereiin den Niederlanden. Seine Gemalde weisen ab den 1920er Jahren – er lebte zu dieser Zeit und fur etwa zwanzig Jahre wieder in Paris - einen auf das Senkrechte und Waagerechte zuruckgehenden Aufbau und damit strenge geometrische Formen auf, die, zusammen mit den Gegensatzen blauer, gelber, roter und nichtfarbiger Flachen, zu seinem Markenzeichen wurden. In New York, wo er seine letzten Jahre verbrachte, fand seine Kunst gro?en Anklang. Mondrian war nicht nur Maler, sondern auch Kunsttheoretiker und Mitbegrunder der Kunstrichtung De Stijl.

Modigliani

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
Amedeo Modigliani wurde 1884 in Livorno (Italien) geboren und starb im Alter von 35 Jahren in Paris. Die einzigartige visionare Kraft des Kunstlers speiste sich aus drei Quellen: Neben seiner Aufgeschlossenheit gegenuber seinem italienischen und klassischen Erbe zeigte er Verstandnis fur franzosischen Stil und franzosisches Feingefuhl – besonders fur die dichte kunstlerische Atmosphare im Paris des ausgehenden 19.?Jahrhunderts – und ein von der judischen Tradition inspiriertes intellektuelles Problembewusstsein. Modigliani malte vor allem Portraits, die er in seinem ganz eigenen, melancholischen Stil verfremdete und in die Lange zog, sowie Akte von erhabener Schonheit und fremdartiger Erotik. Im Jahre 1906 zog es Modigliani nach Paris, dem Zentrum der kunstlerischen Innovation und des internationalen Kunsthandels. Schon bald schloss er Freundschaft mit dem neoimpressionistischen Maler Maurice Utrillo (1883 bis 1955) und dem deutschen Maler Ludwig Meidner (1844 bis 1966). Bereits fruh interessierte sich Modigliani fur Aktstudien und das klassische Konzept der idealen Schonheit. Seine verwundenen Kompositionen und uberdehnten Figuren wurden mit denen der Manieristen der Renaissance verglichen, besonders mit Parmigianino (1503 bis 1540) und El Greco (1541 bis 1614). Fur seine Aktreihen ubernahm Modigliani den Aufbau vieler beruhmter Akte der Hochrenaissance, darunter solche von Giorgione (etwa 1477 bis 1510), Tizian (etwa 1488 bis 1576), Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780 bis 1867) und Velazquez (1599 bis 1660), vermied aber deren Romantisierung und kunstvoll dekorativen Charakter. Daruber hinaus war Modigliani auch mit den Arbeiten von Francisco de Goya (1746 bis 1828) und Edouard Manet (1832 bis 1883) vertraut – Kunstler, die Kontroversen entfacht hatten, weil sie weibliche Akte realistisch malten und damit die kunstlerische Konvention brachen, nach der Akte in mythologische, allegorische oder historische Szenen einzuordnen seien.

Klimt

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Patrick Bade
Gustav Klimt (1862-1918) war zum Ende des 19. Jahrhunderts nicht nur einer der einflussreichsten Kunstler, sondern grundete zudem die Bewegung der Wiener Secession. Mithilfe dieser Bewegung ubte er Kritik an der traditionellen Kunst, die sich durch ihren Widerstand gegen Veranderungen sowie Intoleranz gegenuber bestimmten modernen Vorstellungen auszeichnete. Klimt lie? sich durch den langsamen aber sicheren Niedergang sowie die Vielfalt der Kulturen der Osterreichisch-Ungarischen Monarchie inspirieren. Bei Klimt spielten Erotik und Sinnlichkeit eine sehr gro?e Rolle, und neben Schiele und Kokoschka zahlte er zu den gro?en Meistern des Expressionismus. Das vorliegende Buch vereint eine erlesene Auswahl Klimts bekanntester Gemalde und einen Text, der den au?ergewohnlichen Eklektizismus dieses gro?en Kunstlers zu vermitteln vermag.

Goya

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
Goya ist einer der zuganglichsten Maler. Seine Kunst ist wie sein Leben ein offenes Buch und es ist nicht die Kunst einer idealen, sondern einer garstigen und unheimlichen Welt. Er kam als Sohn eines Vergolders in einem kleinen Bergdorf mit hundert Einwohnern zur Welt. Als Kind arbeitete er zusammen mit seinen Geschwistern auf dem Feld, bis sein Zeichentalent entdeckt wurde. Dank der Vermittlung eines Gonners kam er als 14-Jahriger zu einem Hofmaler in Saragossa in die Lehre und zog als 19-Jahriger nach Madrid. Abgesehen von wunderbar dekorativen Kartons fur die Gobelinmanufaktur und funf kleinen Bildern malte Goya bis zu seinem 37. Jahr nichts Bedeutendes, doch nach seiner Bestellung zum Hofmaler entfaltet er eine Produktivitat, die der von Rubens nicht nachsteht. Es folgt ein zeitweise von Krankheit getrubtes Jahrzehnt unglaublichen Schaffens und der Skandale. In seinen Radierungen zeigt er sich als herausragender Zeichenkunstler. In seiner Malerei ist er stark von Velasquez beeinflusst und wie dieser von seinem Modell abhangig, wobei er sich einer rucksichtslosen Wirklichkeitstreue beflei?igt, die gelegentlich auch in die Karikatur umschlagt. Hasslichkeit wird genau so dramatisiert wie Liebreiz und Schonheit. Seine Grafikzyklen, die Kaprizen und die Kapriolen sind aufs Sorgfaltigste durchdacht und psychologische Meisterwerke. Seine “fantastischen Figuren” erfullen uns mit einer hamischen Freude, regen unsere diabolischen Instinkte an und lassen uns erschauern. Am deutlichsten offenbar wird sein Genie in seinen Radierungen uber die Schrecken des Krieges. Neben diesen Darstellungen wirkt jedes andere Kriegsbild blass und sentimental. Er konzentriert sich auf vereinzelte Szenen der Grausamkeit. Nirgendwo sonst zeigt er eine solche Beherrschung von Form und Bewegung, so dramatische Gesten und eine so gekonnte Wirkung von Licht und Dunkel wie in diesem Aufbegehren gegen die Gewalt. Doch malte er auch volksnahe Vergnugungen sowie Portraits. Vergessen wir nicht, dass dieser au?erordentlich vielseitige Kunstler auch das schonste spanische Aktbild, die Nackte Maja, schuf.

Degas

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Degas bezog seine wichtigsten Motive aus dem lebendigen Paris der Epoche und lernte die kunftigen Impressionisten wahrscheinlich erst im Cafe Guerbois kennen. Im Jahr 1852 erhielt er ein Juradiplom, und 1853 begann er eine Malerausbildung bei Louis-Ernest Barrias. Ab 1854 reiste Degas regelma?ig nach Italien, zunachst nach Neapel, dann nach Rom und Florenz, wo er sich intensiv dem Studium der Alten Meister widmete. In den sechziger und siebziger Jahren wurde er zum Maler von Jockeys, Pferden und Pferderennen. Sein fabelhaftes Malergedachtnis merkte sich die Besonderheiten ihrer Bewegungen, wo immer er sie beobachten konnte. Das Pferd wurde fur ihn zur Inkarnation der Geschwindigkeit. Um die Mitte der 1860-Jahre machte Degas eine neue Entdeckung: Ballett und Oper. Diese Institutionen entwickelten sich fur ihn nun zum beherrschenden Thema. Er zeigt das erste, ganz dem Tanz gewidmete Bild: Ballettsaal der Oper in der Rue Le Peletier. Die Komposition ist sorgfaltig ausgewogen, die Personengruppen links und rechts erganzen einander, aber jede einzelne Tanzerin ist ganz in ihre eigenen Ubungen versunken, jede bewegt sich unabhangig von allen anderen. In diesen Institutionen fand er die zweite Domane seines kunstlerischen Schaffens, die ihn bis an sein Lebensende faszinieren sollte.

Bosch

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Virginia Pitts Rembert
Lang vor der Erfindung von neuen, mit exotischen Monstern gespickten Medien wie Comics und Computerspielen zeigte der niederlandische Maler Hieronymus Bosch in seinen Gemalden, oft mit einer Prise Humor verbunden, eine gro?e Anzahl von schrecklichen, wahrlich Furcht einflo?enden Fantasiewesen, wie sie ausgefallener nicht hatten sein konnen. Aus seiner Malerei resultiert eine lange Diskussion uber den Wahnsinn der vom rechten Weg abgekommenen Menschen, die die Weisungen Christi ignoriert hatten. Hieronymus Bosch (ca. 1450-1516) lebte in einer Welt, die sich durch den immer gro?eren Einfluss der Renaissance und der Religionskampfe grundlegend verandert hat. In bildhafter Form werden das Paradies und die Holle dargestellt, zwischen denen oft nur ein kleiner Abstand liegt, und es liegt am Menschen, ihn zu uberwinden oder sich zu verweigern. Diese Entscheidung war es, die Bosch mit seinen fantastischen Metaphern illustrieren und versinnbildlichen wollte. Virginia Pitts Rembert interpretiert das Werk des Malers und zeigt uns das ?uvre des Hieronymus Bosch aus einer neuen Perspektive und dechiffriert in Kleinstarbeit die geheime Symbolik des niederlandischen Kunstlers.

Van Gogh

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Jenseits der Sonnenblumen, der Schwertlilien und des Portrats von Doktor Gachet befindet sich ein Mensch, Vincent van Gogh (geboren 1853; gestorben 1890) mit all seiner Begabung und Zerbrechlichkeit. Der Post-Impressionist van Gogh ubte mit seiner Kreativitat und seiner Technik einen enormen Einfluss auf das Verstandnis der Malerei des 19. Jahrhunderts aus. Er war Vorlaufer der Expressionisten, der Fauvisten und der modernen Kunst uberhaupt. Heute jedoch wird van Gogh vor allem als das Symbol des von Krankheit, anderen Menschen und vor allem seinen eigenen Damonen gequalten Malers wahrgenommen. Die Autorin dieses Ebooks befasst sich sowohl mit van Goghs Briefen als auch seinen Gemalden, die eine vollig neue Herangehensweise an die Farbe verkorpern. Die Legende steht dabei haufig in unmittelbarer Nachbarschaft mit Banalitaten, und das gro?e kunstlerische Genie wird mit der kleinlichen Wirklichkeit des Lebens konfrontiert. Trotz all seiner Angste spurte van Gogh die Wichtigkeit seiner Arbeit und beharrte auf seinem Recht, anders zu sein. Die Zukunft gab ihm Recht.

Rubens

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Fur seine wohlgeformten, lasziven nackten Frauen beruhmt, war Peter Paul Rubens erstes Anliegen die Darstellung der Sinnenfreuden in all ihren Formen. Ein Barockmaler, der in seinem gesamten kunstlerischen Schaffen die Freuden und Wunder des Korperlichen feierte, die strikten sozialen Vorschriften zugunsten einer emotionalen und sinnlichen Portratierung der Nacktheit aufgebend, um die Schonheit des menschlichen Korpers zu zelebrieren, die fur den Kunstler ebenso naturlich war wie die Landschaften seiner Jugend.

Renoir

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Pierre-Auguste Renoir war Augenzeuge vieler bedeutender Ereignisse. Sein jungerer Bruder Edmond erzahlte: “Seine Kohlezeichnungen an den Mauern brachten die Eltern auf den Gedanken, dass er ein malerisches Talent besitze, und sie schickten ihn in die Lehre zu einem Porzellanmaler. Er hat also Gluck gehabt, was nicht so oft vorkommt.” Bald darauf entstand das erste Bild des kunftigen Impressionisten. Er bestand 1862 die Aufnahmeprufungen an der Ecole des Beaux-Arts und nahm sein Studium in der Werkstatt von Charles Gleyre auf. Viel spater, als bereits ausgereifter Kunstler, erhielt Renoir die Moglichkeit, das Schaffen von Rembrandt direkt in Holland, die Werke von Velazquez, Goya und El Greco in Spanien und die Raphaels in Italien kennen zu lernen. Aber die erste Ausstellung der Impressionisten war fur Renoir der erste Schritt zur Behauptung seiner eigenen kunstlerischen Sicht. Ab 1873 lie? er sich auf dem Montmartre nieder, wo er bis 1884 lebte. Dort fand er auch seine Familie und lernte in den 1870er Jahren seine treuesten Freunde kennen. Auf der dritten Impressionisten-Ausstellung im Jahr 1877 zeigte Renoir ein ganzes Panorama von Bildern (uber 20 Arbeiten). Darunter waren viele Landschaften, die in Paris an der Seine, in der Umgebung der Stadt und im Garten Monets gemalt worden waren, Studien von Frauenkopfen und Blumenstrau?en, Portraits, aber auch Die Schaukel und Ball im Moulin de la Galette. Durand-Ruel veranstaltete 1883 auf dem Boulevard de la Madeleine in Paris die erste Einzelausstellung Renoirs, auf der 70 Werke gezeigt wurden. Damit begann fur Renoir eine Glucksstrahne. Seine Bilder wurden in London, Brussel und auf der Siebten Internationalen Ausstellung bei Georges Petit im Jahre 1886 ausgestellt. In einem Brief schrieb der Maler: “Die Ausstellung von Petit ist eroffnet und soll Erfolg haben. Es ist ja so schwer, uber sich selbst zu urteilen. Ich glaube, es ist mir gelungen, einen Schritt auf dem Weg zur Achtung des Publikums zu tun, einen kleinen Schritt. Aber immerhin.”

Picasso

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Von Pablo Picasso erzahlt man, er hatte zu zeichnen angefangen, noch bevor er sprechen konnte. Geboren wurde er in Malaga, und hier verbrachte er auch die ersten zehn Jahre seines Lebens. Von seinem Vater lernte Pablo die Grundlagen der akademischen Malkunst. Er besuchte eine Kunstschule in Barcelona und schrieb sich 1897 an der Kunstakademie in Madrid ein. Noch keine 18 Jahre alt, erreichte Picasso den Hohepunkt seiner kunstlerischen Rebellion und verwarf nicht nur die anamische Asthetik der akademischen Kunst, sondern auch den prosaischen Realismus und schloss sich den Modernisten, also den nonkonformistischen Kunstlern und Schriftstellern an, die Sabartes als die “Elite des katalanischen Denkens” bezeichnete. Picasso beschrankte sich 1899 und 1900 zunachst auf Motive, die fur ihn die “endgultige Wahrheit” bedeuteten: die Verganglichkeit des Lebens und die Unvermeidbarkeit des Todes. Seine fruhen Werke, die “blaue Epoche” (1901-1904) waren auf blauen Ton gestimmt und von einer Reise durch Spanien sowie den Tod seines Freundes Casagemas beeinflusst. Er ubersiedelte 1904 nach Paris, wo sich 1905 bis 1907 eine neue Phase abzeichnet, die periode rose, erkennbar an einem frohlicheren Stil mit reicherer Farbskala,?vor allem Orange und Rosa. Wahrend eines Sommeraufenthalts 1906 in Gosol (Spanien) nahm der weibliche Akt eine uberragende Bedeutung fur ihn ein. Er reduzierte die Formen radikal auf geometrische Strukturen und zeigte den weiblichen Korper auf unpersonliche Art: die “Frau” als Konzept. Exemplarisch fur diesen Stilwandel ist das “skandalose” im Winter und Fruhling 1907 geschaffene Werk Les Demoiselles d’Avignon. Wahrend sich Picassos asthetischer Wandel 1907 auf die afrikanische Kunst zuruckfuhren lasst, wird danach der Einfluss Cezannes entscheidend. Dies bezieht sich in erster Linie auf die einem konstruktiven System unterworfene raumliche Gestaltung der Leinwand als einer komponierten Einheit. Nach der Bombardierung von Guernica im Jahr 1937 schuf Picasso sein gleichnamiges Gemalde als Symbol gegen den Terror des Krieges. Sein Spatwerk zeigt eine Vielfalt von Stilen, seine Werke sind bunter, ausdrucksstarker und optimistischer. In einer Folge von Radierungen nimmt er die zentralen Themen seines Werks noch einmal auf: Akte, Zirkus, Stierkampf. Neben Bildern schafft er Unmengen von figurlichen Keramiken und auch plastische Werke. Er stirbt 1973 in seiner Villa in Mougins.

Monet

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Als Impressionist zu gelten war fur Monet eine Auszeichnung. Er war es aus tiefer Uberzeugung und blieb es bis an das Ende seines langen Lebens. Er begnugte sich mit einem einzigen Genre, dem der Landschaftsmalerei. Hier aber brachte er es zu einer Vollkommenheit, an die keiner seiner Zeitgenossen heranreichte. Im Sommer jenes Jahres kam es zu gemeinsamen Malubungen mit Boudin (1824 bis 1898) am Meeresstrand. “Mit der Zeit gingen mir die Augen auf und ich begann, die Natur zu verstehen; zugleich lernte ich, sie zu lieben” – so erinnert sich Monet spater an diese gemeinsamen Exerzitien. Er besucht nicht die Ecole des Beaux-Arts, sondern zieht die von Monsieur Suisse, einem ehemaligen Modell Davids, gegrundete freie “Academie Suisse” vor. Hier war es moglich, fur einen geringen Beitrag lebende Modelle zu malen und zu zeichnen. Die Farbskala der Bilder, die Monet 1871 und 1872 malte, ist nicht sehr breit; sie erinnert an die der Barbizon-Schule und an die Seestucke Boudins. Die Grundtone sind braungelb und blaugrau. Im Jahr 1877 wurde die dritte Ausstellung der Impressionisten eroffnet, bei der Monet zum ersten Mal eine Bilderserie zeigte. Mit seinem Motiv, dem Bahnhof Saint-Lazare, setzte Monet nicht nur Manets Die Eisenbahn und seine eigenen Landschaftsbilder aus Argenteuil fort, er schloss sich daruber hinaus der bei den Kunstlern wachsenden Tendenz an, sich von diesem Transportmittel faszinieren zu lassen. In seinem Wohnort Giverny wurden die Bilderserien Monets wichtigste Arbeitsmethode. In den 1890er Jahren entdeckte Monet London. Zwar begann er die Bilder allesamt in London, beendete viele von ihnen aber in Giverny. Fur den Schriftsteller Octave Mirbeau (1848 bis 1917) war Monet ein Mensch, der Wunder vollbrachte: Mit Hilfe der Farben habe er auf der Leinwand das Sonnenlicht, etwas nahezu Unfassbares, nachgebildet und es um eine Unzahl prismatischer Facetten bereichert. Tatsachlich hat Monet das Potenzial der Farbe mit nahezu wissenschaftlicher Strenge bis zu seinen au?ersten Konsequenzen getrieben; kein anderer Impressionist ist darin so weit gegangen wie er, und es ist wenig wahrscheinlich, dass man in dieser Richtung hatte noch weitergehen konnen.

Dali

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Eric Shanes
Maler, Designer, Hersteller von seltsamen Gegenstanden, Autor und Filmemacher: Dali wurde der Beruhmteste der Surrealisten. Bunuel, Lorca, Picasso und Breton hatten einen gro?en Einfluss auf seine Karriere. Dalis und Bunuels Film "Ein andalusischer Hund" markierte seinen offiziellen Einstieg in die festgefugte Gruppe der Pariser Surrealisten, wo er Gala kennen lernte, seine lebenslange Gefahrtin und die Quelle seiner Inspiration. Aber seine Beziehung verfiel bald bis zu ihrem endgultigen Ende mit Andre Breton im Jahr 1939. Trotz allem blieb Dalis Kunst in ihrer Philosophie und Ausdrucksweise surrealistisch, und ein Schulbeispiel fur Humor, Reinheit und Erforschung des Unbewussten. Wahrend seines ganzen Lebens war Dali ein Genie der Selbstvermarktung, indem er seinem Ruf eine mystische Note zufugte und immer beibehielt.

Chagall

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
Chagall wurde in einer strengglaubigen judischen Familie geboren, in der das Verbot, den Menschen bildlich darzustellen, zum religiosen Dogma gehorte. Zwar lebte Chagalls Familie in armlichen Verhaltnissen, litt jedoch keine Not. Nachdem er zunachst bei der Aufnahmeprufung fur die Kunstschule des Barons Stieglitz durchgefallen war, gelang es ihm, in die von Nikolai Roerich geleitete Schule der Kaiserlichen Gesellschaft zur Forderung der Kunste aufgenommen zu werden. Chagall wahlte spater als Wohnsitz Paris. In dem Kunstlerviertel La Ruche traf er viele Landsleute – u.a. Lipschitz, Zadkine, Soutine und Archipenko –, die, angezogen vom Ruhm der Weltstadt, ebenfalls nach Paris gekommen waren. Bereits in den ersten Schriften uber Chagall, die in den 1920er Jahren erschienen, wurde mit Recht behauptet, dass Paris seiner Malkunst den notigen Schliff gegeben habe, eine sensible Sprodigkeit und Bestimmtheit der Linien, die nun eine sichere und genaue Stimmigkeit mit dem Farbklang bekamen, so dass die Linie gegenuber der Farbe oft zum beherrschenden Element wurde. Chagall besa? von Natur aus eine “stilistische Immunitat”, er lie? sich in seinem Schaffen anregen und bereichern, jedoch ohne seinem eigenen Stil untreu zu werden. Er begeisterte sich fur das Werk anderer Kunstler, lernte von ihnen und streifte seine jugendliche Unbeholfenheit ab, seinen “Archimedespunkt” aber verlor er nie. Bezeichnend ist, dass Kritiker und Forscher in ihren Abhandlungen uber Chagalls Kunst haufig zur musikalischen Terminologie greifen. Chagalls Motive und Gestalten verfugen uber eine klangliche Wirkung. So erscheint die Farbe als Rhythmus, die Linie als Melodie. Diese Metaphorik entspricht einer Malkunst, die gleich der Musik auf den Begriff der Zeit bezogen ist.

Cezanne

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Cezannes glucklichste Zeit war seine fruhe Jugend in der Provence, wo er zusammen mit Zola und einem anderen Freund in der Natur umherstreifte. Ermutigt durch Renoir, stellte er 1874 und 1877 zusammen mit den Impressionisten aus. Doch die ablehnende Haltung, mit der man seiner Kunst begegnete, verletzte ihn tief. Er malte gern Fruchte, weil sie gehorsame Modelle waren, was seiner langsamen Arbeitsweise entgegenkam, dabei behielt er die dominante Farbe und den Charakter der Frucht bei, verstarkte aber den emotionalen Reiz der Form durch ein Spiel von reichen, fein aufeinander abgestimmten Farbwerten. Seine eigentliche Meisterschaft entfaltete er in den Stillleben. Cezanne verstand es, seine Malkunst mit Wissen zu bereichern, dem Wissen um die Dinge – dieser unabdingbaren Voraussetzung fur alles schopferische Bemuhen. Kurz nach dem Tod seines Vaters zog er sich fur immer auf sein Gut in der Provence zuruck und war vermutlich dort der einsamste Maler seiner Zeit. Von Zeit zu Zeit uberfiel ihn eine seltsame Melancholie, ja sogar eine dustere Hoffnungslosigkeit. Er konnte unberechenbar und schwierig sein, seine Leinwande zerstoren oder sie zum Fenster seines Studios hinauswerfen, sie ganz einfach auf einer Wiese stehen lassen oder sie seinem Sohn geben, der sie zerschnitt und wie ein Puzzle wieder zusammensetzte. Zu Beginn des neuen Jahrhunderts holten die Bauern aus ihren Scheunen eine gro?ere Menge von Stillleben und Landschaften, als sie horten, dass ein Narr aus Paris dafur mit gutem Geld zahlte. Doch leider kam die Anerkennung zu spat. Er starb 1906 an einem Fieber, das er sich zugezogen hatte, als er beim Malen vom Regen uberrascht wurde.

Paul Signac

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Paul Signac
Paul Signac (1863-1935), in jungen Jahren von den Werken Monets inspiriert, war ein Freund und Kollege Georges Seurats, der die wissenschaftliche Prazision des Pointillismus mit der lebendigen Farbe und Emotion des Impressionismus verband. Auch war er ein enger Freund van Goghs, der seine Technik bewunderte, und immer auf der Suche nach neuen Inspirationen fur seine monumentalen Bildkompositionen, bereiste Signac die Welt. In dem vorliegenden Buch wird nicht nur die Komplexitat von Signacs herausragender, auf wissenschaftlicher Farbzerlegung beruhender Technik untersucht, sondern auch viele Details seiner beruhmtesten Werke gezeigt.

Der Ursprung der Welt

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse, Hans-Jurgen Dopp
Der Psychoanalytiker Jacques Lacan war nicht nur letzter Besitzer von Courbets Der Ursprung der Welt, sondern war sich auch dessen anzuglichem Inhalt bewusst. Und so tat der Liebhaber erotischer Kunst es seinen Vorbesitzern gleich und verhullte beziehungsweise versteckte das Bild hinter einem „weniger obszonen“ Kunstwerk. Die Genealogie des weiblichen Geschlechts ist lang und jedes Zeitalter hatte seine ganz eigene, die Fantasie anregende Bezeichnung: Die Chinesen nannten es „Tal der Rosen“ (Vorsicht mit den Dornen!), die Perser „Honigtopf“ (Nimm dich in Acht vor den Bienen!) und die Griechen „Venushugel“ (Beachte den steilen Aufstieg!). Und so hinterlassen uns Dichter, Maler und sogar einige bekannte Psychologen immer wieder ihre Zeugnisse. Ganz unverhullt zeigt sich Der Ursprung der Welt in vielen Abbildungen und Details in diesem fur Liebhaber gemachten Buch.

Van Dyck

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Natalia Gritsai
Bereits mit der Eroffnung seines ersten Ateliers im Alter von 16 Jahren war Anthonis van Dyck (1599-1641) eine Legende der Kunstwelt. Er hatte Rubens schon als Kind studiert, wurde sein talentiertester Schuler und als gefeierter Hofmaler in England und Spanien zu seinem Konkurrenten. Heute ist van Dyck vor allem als Meister der Portratkunst bekannt, der die Eleganz und opulente Schonheit des europaischen hofischen Lebens des 17. Jahrhunderts ebenso produktiv wie begabt einfing. In diesem faszinierenden Abriss uber den flamischen Maler und seinen Werdegang markiert Natalia Gritsai die bedeutendsten Lebensabschnitte und Werke des Kunstlers.

Franz Marc

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Klaus H. Carl, Franz Marc
Franz Marc (1880-1916), bedeutender Kunstler des deutschen Expressionismus und spater von den Nationalsozialisten als entartet gebrandmarkt, war nicht nur ein enger Freund Wassily Kandinskys, sondern auch Mitbegrunder des Kunstleralmanachs Der Blaue Reiter„. In der Uberwindung einer auf die Naturwahrnehmung begrenzten Kunst entwickelte Marc eine ihm einzigartige, emotionale Farb- und Formensprache, in der er die traumatischen und schmerzhaften Erinnerungen des Krieges verarbeitete. Der Ausdruck primitiver Gewalt in seinen Werken wie Tierschicksal erscheint ruckblickend fur Marc wie eine Vorahnung dieses Krieges„, der schlie?lich sein Leben bereits im Alter von 36 Jahren beenden sollte. Entdecken Sie zusammen mit Klaus H. Carl das Leben und Werk eines der herausragendsten deutschen Kunstler des 20. Jahrhunderts.

Arcimboldo

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Liana De Girolami Cheney
Ganz dem Sprichwort zufolge: Du bist, was du isst„, setzte Arcimboldo seine Zeitgenossen, Manner wie Frauen, in Szene. Arrangements verschiedener Gemusearten, Fruchte, Blumen oder sogar Fische bildeten die Grundlage der au?ergewohnlichen Bildnisse dieses gefeierten Malers. Arcimboldo war ein Meister der Komposition und seine filigran gearbeiteten Werke fingen schlie?lich die Fantasie seiner Generation ein. In diesem faszinierenden Buch wirft Liana De Girolami einen kritischen Blick auf das Leben des Kunstlers, von seinen ersten Erfolgen bis zur Vergessenheit, die auf seinen Tod folgte hin zur triumphalen Wiederentdeckung seiner Kunst und seiner Visionen durch die Surrealisten in den 1920er Jahren.

August Macke

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Walter Cohen, August Macke
August Macke (1887-1914) war einer der herausragendsten Kunstler des deutschen Expressionismus, einer Kunstrichtung, die sich im fruhen 20. Jahrhundert entwickelte und es sich zur Aufgabe gemacht hatte, die unmittelbaren emotionalen Erlebnisse zur Darstellung zu bringen. Als ein Virtuose im Umgang mit Farben und Formen gelang es Macke, beeindruckende Leinwande zu kreieren, die den Betrachter bis heute bewegen. Er war ebenso vertraut mit der Darstellung sonnendurchfluteter Stra?en Tunesiens wie mit dem wolkenverhangenen Himmel um die Bonner Kathedrale und der gesichtslosen Menschenmenge auf dem Bahndamm. In einem fesselnden Text erforscht Walter Cohen das kurze Leben eines Kunstlers, dessen anscheinend unbegrenztes kunstlerisches Potenzial auf tragische Weise nur durch seinen fruhen Tod verkurzt wurde.

Seurat

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Lucie Cousturier
Georges Seurat (1859-1891) ist beruhmt fur seine au?erordentliche Technik des Pointillismus. Er war ein Maler, dessen einzigartige Zusammenfuhrung von Kunst und Wissenschaft atemberaubende Kunstwerke hervorbrachte. Wenngleich Seurats komplexe Bildkompositionen Jahre fur die Fertigstellung in Anspruch nehmen konnten, sollten die vollendeten Werke den Betrachter in ihrer wissenschaftlichen Genauigkeit und kunstlerischen Komplexitat beeindrucken. Und so gehort sein Un Dimanche Apres-Midi a l’Ile de la Grande Jatte(Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte) zu den bekanntesten Kunstwerke des 20. Jahrhunderts.

Rubens

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Maria Varshavskaya, Xenia Egorova
Fur seine wohlgeformten, lasziven nackten Frauen beruhmt, war Peter Paul Rubens erstes Anliegen die Darstellung der Sinnenfreuden in all ihren Formen. Ein Barockmaler, der in seinem gesamten kunstlerischen Schaffen die Freuden und Wunder des Korperlichen feierte, die strikten sozialen Vorschriften zugunsten einer emotionalen und sinnlichen Portratierung der Nacktheit aufgebend, um die Schonheit des menschlichen Korpers zu zelebrieren, die fur den Kunstler ebenso naturlich war wie die Landschaften seiner Jugend. In einem uppig illustrierten Bildband entdecken Maria Varshavskaya und Xenia Egorova diesen flamischen Kunstler und setzen einen einzigartigen Fokus auf sein Werk.

Caillebotte

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles, Nathalia Brodskaya
Bei seinen Zeitgenossen vor allem als Mazen und Sammler bekannt, nimmt Caillebotte heute seinen rechtma?igen Platz im Pantheon der Kunstler ein – als Maler, der in seinen bahnbrechenden Werken in einzigartiger Weise den Realismus mit dem Impressionismus verbindet. Bemerkenswert ist die Verbindung von fotografischen Techniken, von der Perspektive und der akkuraten Abbildung der Realitat mit der poetischen Freilichtmalerei des Impressionismus. Diese Monografie eroffnet dem Leser einen neuen Blick auf diesen faszinierenden Kunstler, der Kunst und Realitat in einer eigenen kunstlerischen Sprache verband, wahrend er die au?erordentlichen Talente seiner Zeit forderte.

Felix Vallotton

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Felix Vallotton (1865-1925) war ein franzosischer Kunstler der Jahrhundertwende, dessen Werke burgerliche Konventionen hinterfragten und den Geschlechterkampf thematisierten. In kuhl konstruierten Kulissen findet sich eine asthetische Provokation, die sich die Moderne zum Vorbild nehmen sollte. Die Aufmerksamkeit seiner Zeitgenossen hatte Vallotton jedoch seinen von der japanischen Kunst inspirierten, bemerkenswert elegant komponierten Holzschnitten zu verdanken.

Edward Hopper

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Gerry Souter
Edward Hopper exprime avec poesie la solitude de l’homme face a cet american way of life qui se developpe dans les annees 1920. S’inspirant du cinema par les prises de vue ou les attitudes des personnages, ses peintures refletent et denoncent l’alienation de la culture de masse. Avec ses toiles aux couleurs froides, peuplees de personnages anonymes, l’?uvre d’Hopper symbolise aussi le reflet de la Grande Depression. A travers des reproductions variees (gravures, aquarelles, huiles sur toile), l’auteur, par une analyse tant artistique que thematique, nous apporte un eclairage nouveau sur l’univers enigmatique et torture de ce peintre majeur.

Antoni Gaudi

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jeremy Roe
Architecte et designer barcelonais, Antoni Gaudi (1852-1926) occupe une large place dans l’histoire de l’art espagnol. L’usage de la couleur, l’emploi de differents materiaux et l’introduction du mouvement dans ses constructions furent une innovation dans le domaine de l’architecture. Il laissa dans ses carnets de nombreuses reflexions a propos de son art telles que : « La couleur dans l’architecture doit etre intense, logique et fertile. » Appuyee par de nombreuses photographies et de nombreux details architecturaux, l’etude que mene l’auteur, Jeremy Roe, permet une approche du contexte de l’art barcelonais et introduit une minutieuse etude critique des constructions, objets et ecrits du plus celebre architecte barcelonais.

Eugene Delacroix

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Eugene de Mirecourt
Ferdinand Victor Eugene Delacroix (Saint-Maurice, 1798 – Paris, 1863) Delacroix fut lun des plus grands coloristes du XIXe siecle. La couleur etait pour lui un moyen dexpression determinant, qui avait la preseance sur la forme et les details. Il parlait a loeil, moins a la raison. Il se nourrissait des oeuvres des coloristes du Louvre, en particulier de Rubens. Spirituellement, Delacroix sinscrivait au coeur du mouvement romantique qui setait repandu en Europe, se nourrissant de Goethe, Scott, Byron et Victor Hugo. Sa propre nature romantique senflammait au contact des leurs ; il etait possede par leurs ames et devint le premier peintre romantique. Il tira nombre de ses sujets de ses poetes preferes, non pour les transposer dans des illustrations litterales, mais pour faire sexprimer a travers son propre langage pictural les emotions les plus vives du coeur humain. Par ailleurs, cest generalement dans les rapports entre plusieurs personnages, en dautres termes dans le drame, que Delacroix trouvait lexpression naturelle et saisissante de ses idees. Son oeuvre nest quun immense poeme polymorphe, a la fois lyrique et dramatique, sur les passions violentes et meurtrieres, qui fascinent, dominent et dechirent lhumanite. Dans lelaboration et lexecution des pages de ce poeme, Delacroix ne renonce a aucune de ses facultes dhomme ou dartiste, dont la vaste intelligence rejoint les pensees des plus grands de lhistoire, des legendes et de la poesie. Au contraire, il se sert de son imagination fievreuse, toujours sous le controle dun raisonnement lucide et du sang froid, de son dessin expressif et vivant, de ses couleurs fortes et subtiles, parfois dans une harmonie apre, parfois eclipsees par cette note «sulfureuse » deja observee par ses contemporains, pour produire une atmosphere dorage, de supplication et dangoisse. La passion, le mouvement et le drame ne doivent pas forcement engendrer le desordre. Avec Delacroix comme avec Rubens, il plane au-dessus de ses representations les plus tristes, au-dessus du tumulte, des horreurs et des massacres, une espece de serenite qui est le signe de lart et la marque dun grand esprit.

Pieter Bruegel

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles, Emile Michel
Pieter Bruegel, lAncien (pres de Breda, 1525 – Bruxelles, 1569) Pieter Bruegel fut le premier membre important dune famille dartistes, actifs durant quatre generations. Dabord dessinateur avant de devenir peintre, il peignit des themes religieux, comme la Tour de Babel, avec des couleurs extremement vives. Influence par Jerome Bosch, il sattela a de vastes scenes complexes decrivant la vie paysanne et des allegories bibliques ou spirituelles, souvent peuplees de sujets plonges dans des actions tres variees. Pourtant, ces scenes ont en commun une integrite informelle et un certain humour. A travers son oeuvre, il introduisit un nouvel esprit dhumanite. Ami des humanistes, Bruegel composa de veritables paysages philosophiques au coeur desquels lHomme accepte passivement son destin, prisonnier du temps qui passe.

Le Douanier Rousseau

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Le Douanier Rousseau (Henri Rousseau) (Laval, 1844 – Paris, 1910) Les galeries marchandes a Paris fleurissant, on crea en 1884, le Salon des Independants. Cette exposition sans jury fut organisee pour ceux qui etaient ou se consideraient professionnels - alors tres nombreux -, mais qui ne pouvaient satisfaire les criteres des salons officiels. C’est lors d’un des Salons des Independants qu’ Henri Rousseau crea la surprise. Rousseau occupait un poste a l’octroi de Paris, a Vanves. A ses moments libres, il peignait des toiles, tantot sur la commande de ses voisins, tantot en guise de paiement pour de la nourriture. Chaque annee, de 1886 a sa mort en 1901, il exposa ses toiles au Salon des Independants. La, il se presentait sans savoir-faire professionnel, mais avec le fier sentiment d’etre peintre et d’avoir le droit de rivaliser avec n’importe quelle autorite. Rousseau est un des premiers de sa generation a s’etre rendu compte de l’arrivee d’une nouvelle epoque de liberte dans l’art, y compris celle de pouvoir acceder au rang de peintre, et ce, independamment de la maniere de peindre et du niveau de formation artistique. Les ?uvres du Douanier Rousseau aiderent d’autres peintres, peut-etre moins talentueux mais tout aussi originaux, a etre remarques et apprecies d’un public qui apprit a voir l’art d’une facon nouvelle. Avec lui, apparait toute une serie de decouvertes. Desormais, qu’elles soient naives ou primitives, les ?uvres d’art etaient partout et il y aurait toujours un regard d’artiste pour les reveler.

Diego Rivera

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Gerry Souter
« Je connaissais Diego Rivera, le muraliste mexicain, bien avant de decouvrir les nombreux autres « Diego Rivera » qui hanterent le monde du debut du XXe siecle a la fin des annees 1950. […] Si ses peintures de chevalet et ses dessins forment une grande part de ses ?uvres de jeunesse comme de la maturite, ses peintures murales uniques font exploser les murs par la virtuosite de leur composition epoustouflante. Sur ces murs s’exposent tout a la fois l’homme, sa legende et ses mythes, son talent technique, son intensite narrative et les convictions ideologiques qu’il aimait afficher. » (Gerry Souter) Depassant son admiration, Gerry Souter, auteur du remarquable Frida Kahlo, n’hesite pas a ramener Diego Rivera a une dimension humaine, en constatant ses choix politiques, ses amours, et « qu’au fond de lui bouillonnait le Mexique, langue de ses pensees, sang de ses veines, azur du ciel au-dessus de sa tombe. »

Kasimir Malevitch

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Gerry Souter
Kasimir Malevitch (Kiev, 1878 — Saint-Petersbourg, 1935) etait un peintre, un grand theoricien d’art, et surtout le pere fondateur du suprematisme, style base sur les formes geometriques et la recherche de l’abstraction pure. « Le suprematisme, ecrivit-il, m’a conduit a decouvrir quelque chose qui n’avait pas encore ete compris jusqu’alors… Il y a dans la conscience humaine un desir imperieux d’espace et la volonte de s’echapper du globe terrestre. » Cette publication presente les ?uvres etincelantes de Malevitch, cet artiste original qui, jusqu’a l’age de vingt-sept ans, ne suivit aucune formation professionnelle de peintre et apprit a dessiner uniquement par curiosite et soif de connaissance. Une fois encore, Gerry Souter nous propose de decouvrir les ?uvres d’un artiste fascinant a travers une nouvelle approche de sa personnalite.

Nicolas de Stael

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Tom Parsons
Nicolas de Stael, peintre francais de famille russe, est ne le 5 janvier 1914 a Saint-Petersbourg et mort le 16 mars 1955 a Antibes. Son ?uvre fut tres fortement influencee par Cezanne, Van Gogh, Braque, Matisse et certains grands maitres comme Rembrandt et Vermeer. Nicolas de Stael est surtout reconnu pour l’usage de couleurs telles que l’orange et le bleu. Il se suicide en 1955, comme Van Gogh, l’un de ses maitres.

Giuseppe Arcimboldo

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Liana De Girolami Cheney
Giuseppe Arcimboldo (Milan, 1530 environ –1593) A ses debuts, les contemporains dArcimboldo nauraient pas pu imaginer quil allait realiser ce qui le rend celebre aujourdhui. Ses oeuvres juveniles etaient habituellement destinees aux cathedrales de Milan ou de Monza, mais cest a partir de 1562, quand il fut convoque a la cour imperiale de Prague, que son style et ses sujets changerent. Pour la cour, il imagina des fantaisies originales et grotesques faites de fleurs, de fruits, danimaux et dobjets assembles pour former un portrait humain. Certains etaient de nature satyrique, et dautres des personnifications allegoriques. Si son travail est aujourdhui considere comme une curiosite du XVIe siecle, il puise en realite ses racines dans le contexte de la fin de la Renaissance. A cette epoque, les collectionneurs et les scientifiques commencerent a preter plus dattention a la nature, recherchant des curiosites naturelles a exposer dans leurs cabinets de curiosite.

William Morris

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Arthur Clutton-Brock
William Morris (1834-1896), par son eclectisme, fut l’une des personnalites emblematiques du XIXe siecle. Peintre, architecte, poete et ingenieur, maniant avec autant de talent la plume que le pinceau, il bouleversa la societe victorienne en refusant les standards instaures par l’industrie conquerante. Son engagement dans la redaction du manifeste socialiste fut la suite naturelle de cette revolution qu’il incarna dans l’habitat, les formes et les couleurs. Precurseur des designers du XXe siecle, il fut le co-fondateur, avec John Ruskin, du mouvement des Arts and Crafts. En homme libre, William Morris ouvrit les chemins qui conduisirent a l’Art nouveau et, plus tard, au Bauhaus. Cet ouvrage decrypte les rapports etroits entre ideaux et creation, entre evolution et revolution, en s’appuyant sur l’essentiel de son ?uvre ecrit et visuel.

Johannes Vermeer

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Philip L. Hale
Johannes Vermeer (Delft, 1632 – 1675) Vermeer est le seul peintre correspondant a lidee que lon se fait habituellement de la placidite hollandaise. Peutetre incarne-t-il un genre heroique de placidite, car aucune de ses peintures ne laisse percer le moindre souffle dinquietude. Partout, nous avons limpression que son coup de pinceau nest quun lent effleurement, dune assurance consommee, et quun reflet dans une bouteille, un rideau sur un mur, ou la texture dun tapis ou dune robe, linteressaient autant que les visages des hommes et des femmes. Ici, aucune virtuosite apparente, aucune prouesse du pinceau, rien de superflu, pourtant tout est la pour atteindre la perfection et le maximum deffets exprimables par la simple rigueur : rigueur de la composition, du dessin, de la coloration, qui, par sa gamme de tons clairs et plutot froids, sous une lumiere argentee, fut une creation rare et originale. Contrairement a ses predecesseurs, il utilisa une camera scura afin de rendre la perspective avec le plus de soin possible. Il revolutionna la facon de faire et dutiliser la peinture. Sa technique dapplication des couleurs prefigurait certaines methodes employees par les impressionnistes presque deux siecles plus tard.

Jean-Auguste-Dominique Ingres

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Theophile Silvestre
Jean-Auguste-Dominique Ingres (Montauban, 1780 – Paris, 1867) Ingres sembla dabord destine a reprendre le flambeau de son maitre David, dans lart a la fois du portrait et de la peinture historique. Il gagna le Prix de Rome en 1801, ou il ne se rendit que 6 ans plus tard a cause de la situation economique francaise. Mais Ingres semancipa tres vite. Il navait que 25 ans lorsquil peignit les portraits de la famille Riviere. Ils revelent un talent original et un gout pour la composition non depourvu dun certain manierisme, mais celui-ci est plein de charme, et le raffinement des lignes ondulantes est aussi eloigne que possible du realisme simple et legerement brutal qui fait la force des portraits de David. Ses rivaux ne se laisserent pas abuser : ils tournerent en derision son style archaique et singulier en le surnommant «Le Gothique » ou «Le Chinois ». Cependant, durant le Salon de 1824 qui suivit son retour dItalie, Ingres fut promu chef de file du style academique, par opposition au nouveau courant romantique mene par Delacroix. En 1834, il fut nomme directeur de lEcole francaise de Rome, ou il demeura 7 ans. Puis, a peine rentre au pays, il fut a nouveau acclame comme le maitre des valeurs traditionnelles, et sen alla finir ses jours dans sa ville natale du Sud de la France. La plus grande contradiction dans la carriere dIngres est son titre de gardien des regles et des preceptes classiques, alors quune certaine excentricite est bien perceptible dans les plus belles de ses oeuvres. Un cuistre, observant le dos de la Grande Odalisque et diverses exagerations de forme dans Le Bain turc, fit remarquer les indignes erreurs commises par le dessinateur. Mais ne sont-elles pas simplement le moyen par lequel un grand artiste, dote dune sensibilite extreme, interprete sa passion pour le corps magnifique de la femme ? Lorsquil voulut reunir un grand nombre de personnages dans une oeuvre monumentale telle que LApotheose dHomere, Ingres natteignit jamais laisance, la souplesse, la vie ni lunite que nous admirons dans les magnifiques compositions de Delacroix. Il procede par accumulation et juxtaposition. Pourtant, il sait faire preuve dune grande assurance, dun gout original et dune imagination fertile lorsquil sagit de tableaux nimpliquant que deux ou trois personnages, et mieux encore dans ceux ou il glorifie un corps feminin, debout ou allonge, qui fut lenchantement et le doux tourment de toute sa vie.

Hans Holbein

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jeanette Zwingenberger
Hans Holbein le Jeune (Augsburg, 1497 – Londres, 1543) Le genie de Holbein sepanouit tres tot. Sa ville natale dAugsburg etait alors a son zenith. Situee sur le grand axe reliant lItalie au nord de lEurope, cetait la ville commercante la plus riche dAllemagne, une halte frequente pour lempereur Maximilien. Son pere, Hans Holbein lAncien, etait lui-meme un peintre de merite, et le prit dans son atelier. En 1515, a lage de dix-huit ans, Holbein sinstalla a Bale, le centre du savoir, dont la fierte reposait sur le fait que chaque maison recelait au moins un erudit. Envoye a Londres avec une lettre dintroduction pour Sir Thomas More, le chancelier du roi, «Master Haunce », ainsi que lappelaient les Anglais, arriva a peu pres au moment du blocus de 1526. Holbein fut bien accueilli et sinstalla, des sa premiere visite, en Angleterre. Il peignit des portraits de nombreux hommes influents de lepoque, et realisa des dessins pour un tableau de la famille de son bienfaiteur. Il devint bientot le celebre portraitiste de la Renaissance nordique au service des figures contemporaines. De facon tout a fait typique, son travail incluait detonnants details comme des reflets naturels a travers le verre ou la trame enchevetree des elegantes tapisseries. En 1531, Holbein retourna en Angleterre. Mais la aussi, les choses avaient change. En 1536, remarque par Henry VIII, Holbein devient le peintre officiel de la cour, position quil conservera jusqua sa mort.

Hokusai

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: C. J. Holmes
Katsushika Hokusai est sans doute l’artiste japonais le plus connu en Occident, et ce, depuis le milieu du XIXe siecle. Reflet de l’expression artistique d’une civilisation isolee, les ?uvres de Hokusai, qui furent parmi les premieres en provenance du Japon a emerger en Europe, influencerent particulierement les peintres impressionnistes et post-impressionnistes, tels que Vincent van Gogh. Considere de son vivant comme un maitre de l’estampe Ukiyo-e, Hokusai fascine par la variete et l’etendue de son ?uvre. Son travail, de pres de quatre-vingt-dix ans, est presente ici dans toute son importance et sa diversite.

Le Greco

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Maurice Barres
El Greco (Domenikos Theotokopoulos) (Crete, 1541 – Tolede, 1614) «Le Grec » etait un peintre dicones qui emigra a Venise en 1567. La, il commenca a meler ses influences byzantines avec celles des maitres de la Haute Renaissance italienne. Il etudia aupres de Titien et fut influence par le Tintoret. Trois ans plus tard, il sinstalla a Rome pour environ deux ans, puis se rendit a Madrid et, par la suite, etablit sa residence definitive a Tolede, ou il mourut. Ce fut en Espagne quil manifesta un interet pour les sujets specifiquement catholiques. Les corps etires et les agencements de couleurs inhabituels devinrent ses traits distinctifs.

Caravage

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: M.L. Patrizi
Le Caravage (Michelangelo Merisi) (Caravaggio, 1571 – Porto Ercole, 1610) Apres avoir sejourne a Milan durant son apprentissage, Michelangelo Merisi arriva a Rome en 1592. La, il commenca a peindre en faisant preuve de realisme et de psychologie dans la representation de ses modeles. Le Caravage etait aussi versatile dans sa peinture que dans sa vie. Lorsquil repondait a de prestigieuses commandes de lEglise, son style dramatique et son realisme etaient consideres comme inacceptables. Le clair-obscur existait bien avant que le Caravage narrive sur scene, mais ce fut lui qui etablit definitivement cette technique, obscurcissant les ombres et rivant son sujet a la toile par un rayon de lumiere aveuglant. Son influence fut immense, et se propagea dabord grace a ses disciples plus ou moins directs. Celebre de son vivant, le Caravage exerca une immense influence sur lart baroque. Les ecoles genoise et napolitaine sinspirerent de son style, et le grand developpement de la peinture espagnole au XVIIe siecle etait en liaison directe avec ces ecoles. Dans les generations ulterieures, les peintres les plus doues oscillerent toujours entre la vision du Caravage et celle de Carracci.

Camille Claudel

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Janet Souter
Camille Claudel (8 decembre 1864-19 octobre 1943), s?ur de l’ecrivain Paul Claudel, fut l’eleve de Rodin avec qui elle eut une relation passionnelle et tumultueuse. Cet amour impossible la mena a la paranoia et l’enfermement psychiatrique en 1913. Camille Claudel fut l’une des plus grandes sculpteuses de son temps, toujours en rivalite avec Rodin. De sa vie fut realise un film qui remit l’artiste dans la lumiere de la posterite.

Burne-Jones

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Patrick Bade
Edward Coley Burne–Jones (Birmingham, 1833 – Londres, 1898) Toute loeuvre de Burne-Jones peut etre comprise comme une tentative de creer par la peinture un monde de beaute parfaite, aussi different du Birmingham de son enfance que possible, un conglomerat industriel, mugissant, dune laideur et dune misere inimaginables. Les deux grands peintres symbolistes francais, Gustave Moreau et Pierre Puvis de Chavannes, reconnurent immediatement Burne-Jones comme lun de leurs compagnons de route artistique. Mais il est tres invraisemblable que Burne-Jones ait accepte ou peut-etre meme compris letiquette de «symboliste ». Pourtant, il semble avoir ete lun des membres les plus representatifs du mouvement symboliste et de cet esprit «fin de siecle » si largement repandu. Burne-Jones est generalement catalogue comme preraphaelite. En realite, il ne fut jamais membre de la confrerie formee en 1848. La branche du preraphaelisme dont releve Burne-Jones nest pas celle dun Hunt ou dun Millais mais de Dante Gabriel Rossetti. Le travail de Burne-Jones de la fin des annees 1850 est dailleurs tres proche du style de Rossetti. Son ideal feminin est egalement inspire de celui de Rossetti, caracterise par des chevelures abondantes, des mentons affirmes, des cous longs et des corps androgynes caches par damples robes medievales. Les mentons affirmes demeurent un trait frappant que les deux artistes utiliserent dans leurs tableaux de femmes. A partir des annees 1860, leurs canons de beaute divergent. Celles de Burne-Jones se font de plus en plus virginales et etherees, au point que dans certaines de ses oeuvres ultimes les jeunes femmes ont lair anorexique. Au debut des annees 1870, Burne-Jones a peint de nombreux tableaux illustrant des mythes ou des legendes dans lesquels il semble avoir tente dexorciser le traumatisme de son histoire avec Mary Zambaco. De Constable a Francis Bacon, aucun peintre anglais vivant ne jouit dune reconnaissance internationale aussi importante que celle dont Burne-Jones fit lobjet au debut des annees 1890. Sa grande reputation commenca a decliner des la seconde moitie de la decennie et seffondra apres 1900 avec le triomphe du Modernisme. A posteriori, nous pouvons interpreter cette absence de relief et ce detournement de la narration comme les caracteristiques dun modernisme precoce, les premiers pas hesitants vers labstraction. Il nest donc pas etrange que Kandinsky mentionne Rossetti et Burne-Jones comme les precurseurs de labstraction dans son livre Du spirituel dans lart et dans la peinture en particulier.

Camille Pissarro

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
« Le pere Pissarro », comme aimaient a l’appeler ses amis, etait le plus sage des artistes impressionnistes. Peut etre son age, plus avance que celui de ses camarades Monet, Sisley, Bazille et Renoir, ou plutot sa maturite, lui firent creer des ?uvres sereines et sobres tant dans leur sujet que dans leur composition. Homme au gouts simples, il se plut a peindre des paysans sur les chemins, bien qu’il dut sa tardive notoriete a ses paysages urbains, traites avec la meme passion que celle que faisaient jaillir en lui les ciels orageux et les matins blanchis par le givre.

Velazquez

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Klaus H. Carl
Diego Velazquez (Seville, 1599 – Madrid, 1660) Diego Velazquez etait un artiste anticonformiste de lere baroque. A lage de vingt-quatre ans, Velazquez fit son premier voyage a Madrid avec son professeur, Francisco Pacheco, rencontre a Seville. Rapidement, il se qualifia comme maitre peintre. Le roi Philippe IV remarqua son genie et le nomma peintre de cour en 1627. Peu apres, lartiste se lia damitie avec Rubens a Madrid. Il developpa une approche plus realiste de lart religieux, ou les personnages sont representes de facon naturaliste et non pas idealisee. Son usage du clair-obscur rappelle les oeuvres du Caravage. Il fit au moins deux voyages a Rome pour acheter de lart Renaissance et neo-classique pour le roi. A Rome, il adhera a lAcademie de Saint-Luc en 1650, et fut elu chevalier de lordre de Santiago en 1658. Son imposante oeuvre de commande, La Reddition de Breda (vers 1634), montrait la defaite des Hollandais devant les Espagnols, et celebrait le triomphe militaire du regne de Philippe. Lartiste peignit le Pape Innocent X (1650) au cours de son second sejour a Rome, rappelant des oeuvres similaires de Raphael et de Titien. Ses dernieres oeuvres etaient plus spontanees, mais toujours disciplinees. Le point culminant de sa carriere fut le chef-doeuvre intitule Les Menines (1656), lun des plus complexes portraits de groupe de lhistoire. Velazquez est reconnu comme le plus grand peintre espagnol de son siecle. Il influenca des peintres majeurs comme Goya et Manet.

Sisley

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Alfred Sisley (Paris, 1839 – Moret-Sur-Loing, 1899) Alfred Sisley naquit a Paris le 30 octobre 1839 dans une famille anglaise. Ayant atteint ses dix-huit ans, ses parents lenvoyerent en Angleterre. Cest alors, probablement, quil pressentit, devant la facture libre des paysages, a lapparence desquisses, de Turner et Constable, sa vocation pour la peinture. Le destin amena Sisley, en octobre 1862, dans le meme atelier libre de Charles Gleyre, ou etaient venus etudier Claude Monet, Auguste Renoir et Frederic Bazille. Cest Sisley qui avait incite ses amis a en finir avec lapprentissage chez Gleyre et a partir peindre dans la nature. Il etait indigne, beaucoup plus que ses amis, par lattitude hautaine de Gleyre envers le paysage. Pour Sisley, le paysage fut, des le debut, non seulement un genre pictural essentiel, mais, en fait, le seul et unique auquel il travaillat toute sa vie. Apres avoir quitte Gleyre, Sisley peignit souvent en compagnie de Monet, Renoir et Bazille dans les environs de Paris. A partir de 1870, dans la peinture de Sisley commencerent a apparaitre les premieres caracteristiques de la maniere qui sera plus tard celle de la peinture impressionniste. A partir de ce moment, le coloris des tableaux de Sisley devient nettement plus clair. Cette nouvelle technique cree une impression de vibration de leau, de moirures colorees a sa surface et de transparence de latmosphere. Dans la peinture de Sisley, la lumiere etait nee. Sisley peignit une quantite de paysages des bords de la Seine. Il decouvrit Argenteuil et la petite ville de Villeneuve-la-Garenne, qui resta dans son oeuvre comme limage du silence et de la tranquillite, dun monde que la civilisation et lindustrie navaient pas encore defigure. Contrairement a Pissarro, il ne recherchait pas lexactitude prosaique. Ses paysages se colorent toujours de son attitude emotionnelle a leur egard. Comme chez Monet, les ponts chez Sisley se fondent dans le paysage dune facon toute naturelle. Un ciel bleu serein se reflete sur la surface a peine fremissante du fleuve. Apres la premiere exposition impressionniste, Sisley passa plusieurs mois en Angleterre. A son retour dAngleterre, Sisley demenagea de Louveciennes a Marly-le-Roi. Vers cette epoque, Sisley etait veritablement devenu le peintre de leau. Elle lensorcelait, lobligeait a scruter sa surface changeante et a etudier les nuances de sa couleur, comme le faisait Monet dans les pres de Giverny. Les paysages consacres a linondation de Port-Marly sont une apotheose. Le peintre joue avec lespace et la perspective, et finalement trouve la seule solution : la maison rose est figee dans un monde ou le ciel se confond avec la terre, ou le reflet frissonne a peine et les nuages glissent lentement. Sisley est le seul impressionniste dont les paysages ne se limitent pas a la beaute changeante de la nature, mais se prolongent dans le domaine tantot du reve, tantot de la reflexion philosophique.

Pollock

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Donald Wigal
Jackson Pollock (Cody, Wyoming, 1912 – New York, 1956) Pollock fut le representant le plus important et le plus influent de l’expressionnisme abstrait. Il avait etudie aupres du regionaliste Thomas Hart Benton, et etait egalement marie au peintre abstrait Lee Krasner (etudiante de Hans Hofmann). Il comptait parmi ses collegues Aschile Gorky, Willem de Kooning, Franz Kline, Robert Motherwell, et d’autres issus de l’ecole dite de New York. En 1947, il developpa l’action painting ou, en termes moins precis, le dripping. Il s’interessait a un processus de creation et d’expression du moment, impliquant le moins de references possibles a la realite visuelle. Abandonnant les pinceaux, le chevalet et la palette, il controlait lui-meme les quantites de peinture qu’il faisait couler ou projetait sur une toile generalement tres grande qu’il avait l’habitude d’etaler sur le sol. Bien que son obsession premiere fut l’expression de sa propre vie interieure (subconscient) a travers son art, sa vie emotionnelle etait sans conteste tres instable, son approche du processus creatif et la plupart de ses oeuvres bouleverserent de facon definitive l’evolution de l’art en Amerique.

Leonard de Vinci

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Leonard de Vinci (Vinci, 1452 – Le Clos-Luce, 1519) Leonard passa la premiere partie de sa vie a Florence, la seconde a Milan et ses trois dernieres annees en France. Le professeur de Leonard fut Verrocchio, dabord orfevre, puis peintre et sculpteur. En tant que peintre, Verrocchio etait representatif de la tres scientifique ecole de dessin ; plus celebre comme sculpteur, il crea la statue de Colleoni a Venise. Leonard de Vinci etait un homme extremement attirant physiquement, dote de manieres charmantes, dagreable conversation et de grandes capacites intellectuelles. Il etait tres verse dans les sciences et les mathematiques, et possedait aussi un vrai talent de musicien. Sa maitrise du dessin etait extraordinaire, manifeste dans ses nombreux dessins, comme dans ses peintures relativement rares. Ladresse de ses mains etait au service de la plus minutieuse observation, et de lexploration analytique du caractere et de la structure de la forme. Leonard fut le premier des grands hommes a desirer creer dans un tableau une sorte dunite mystique issue de la fusion entre la matiere et lesprit. Maintenant que les Primitifs avaient conclu leurs experiences, poursuivies sans relache deux siecles durant, il pouvait prononcer les mots qui serviraient de sesame a tous les artistes du futur dignes de ce nom : peindre est un acte intellectuel, une cosa mentale. Il enrichit le dessin florentin en intensifiant la perspective de champ par un modelage de lombre et de la lumiere que ses predecesseurs navaient utilise que pour donner une plus grande precision aux contours. Cette technique est appelee sfumato. Cette merveilleuse maitrise du dessin, ce modele et ce clair-obscur, il les utilisa non seulement pour peindre laspect exterieur du corps, mais aussi, comme personne avant lui, pour explorer une part du mystere de sa vie interieure. Dans sa Mona Lisa, sa Sainte Anne et ses autres chefs-doeuvre, il ne se contente pas dutiliser le paysage comme un ornement plus ou moins pittoresque, mais bien comme une sorte decho de cette vie interieure, un element constitutif de cette harmonie parfaite. Se fiant aux lois toujours assez recentes de la perspective, ce docteur en sagesse academique, qui, a cette meme epoque, posait les bases de la pensee moderne, substitua a la maniere discursive des Primitifs le principe de concentration qui est le fondement de lart classique. Le tableau ne nous est plus presente comme un agregat presque fortuit de details et depisodes. Cest un organisme dont tous les elements, lignes et couleurs, ombres et lumieres, composent un subtil entrelacs convergeant vers un noyau spirituel, voire sensuel. Dans Mona Lisa, Leonard de Vinci depeignit la quintessence de lunivers et de la femme, eternelle idee de lhomme et symbole de la beaute parfaite auquel il aspire. La nature est evoquee ici par un magicien dans tout son mystere et sa puissance. Derriere le charmant visage, calme, derriere le front, juvenile et pourtant meditatif, pparaissent des montagnes, des glaciers, de leau et des rochers. Dans cette tres petite portion de surface peinte, se devoile une vaste revelation, a cote de leternel feminin, de notre planete, notre mere la Terre. Leonard de Vinci ne se preoccupait pas de laspect exterieur des objets, mais bien de leur signification interieure et spirituelle.

Klee

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Donald Wigal
Paul Klee (Munchenbuchsee, 1879 – Muralto, 1940) La reputation de Klee etait celle d’un artiste introverti et reveur. C’est une image qu’il cultivait en partie lui-meme. En 1911, Klee fut presente a August Macke. Peu apres, il rencontra Marc et Kandinsky. Ils l’accueillirent dans le groupe exposant sous le nom de Blaue Reiter et il contribua a leur almanach. En avril 1912, Klee se rendit a Paris et fut profondement impressionne par «l’Orphisme » abstrait de Robert Delaunay. L’art de Klee se distingue par sa diversite extraordinaire et son innovation technique. L’une de ses techniques les plus efficaces etait en realite tres simple – le transfert a l’huile (le dessin avec une pointe affutee au verso d’une feuille couverte de peinture a l’huile et couchee sur une autre feuille). Les effets collateraux du procede entrainaient l’apparition de taches de couleur dues au hasard. De cette facon, Klee parvint dans plusieurs oeuvres a ehiculer une impression «spectrale ». De nos jours, l’un des plus celebres tableaux de Klee est Der Goldfisch (Le Poisson rouge) de 1925. Un poisson lumineux brille vivement, en suspension dans un enfer aquatique. Klee fut xtremement productif pendant les annees du Bauhaus, mais en fin de compte, la prise du pouvoir par les Nationaux-Socialistes le poussa a quitter l’Allemagne avec sa femme pour sa Suisse natale. Les dernieres oeuvres de Klee, dans lesquelles dominent les formes simplifiees et archaiques, montrent sa preoccupation pour la mortalite. Klee mourut en 1940, au terme d’une longue maladie.

Durer

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Klaus H. Carl
Albrecht Durer (Nuremberg, 1471–1528) Durer est le plus grand artiste allemand et le plus representatif de lesprit germanique. Comme Leonard, cetait un homme extremement attirant physiquement, dote de manieres charmantes, de conversations agreables et de grandes capacites intellectuelles. Il etait tres verse dans les sciences et les mathematiques, et son don pour le dessin etait extraordinaire. Durer est plus repute pour ses gravures sur bois et sur cuivre que pour ses peintures. Dans les deux pourtant, ladresse de la main est au service de lobservation la plus minutieuse et de letude analytique du personnage et de la structure de la forme. Durer ne possedait cependant pas la sensibilite de Leonard pour la beaute abstraite et la grace ideale ; au lieu de cela, il etait habite par une profonde gravite, un interet manifeste pour lhumanite et une inventivite plus dramatique. Durer admirait beaucoup Luther et, dans son oeuvre, on retrouve les aspects les plus puissants de la doctrine du reformateur. Celle-ci est tres serieuse et sincere ; tres humaine, elle sadresse aux coeurs et a lentendement des masses. Nuremberg, sa ville natale, etait devenu le point nevralgique de limpression en Europe et le principal distributeur de livres du continent. Par consequent, lart de la gravure sur bois et sur cuivre, que lon peut ualifier de branche picturale de limpression, etait tres encourage. Durer sut tirer tous les avantages de cette situation. La Renaissance en Allemagne etait un mouvement plus moral et intellectuel quartistique, en partie a cause du climat et de la situation sociale. En effet, la sensibilite envers la grace et la beaute ideales se nourrit de letude de la forme humaine, et celle-ci sest bien plus souvent epanouie dans les pays meridionaux. Mais Albrecht Durer possedait un genie trop puissant pour se laisser conquerir. Il demeura aussi rofondement germanique que letait, avec son sens tumultueux du tragique, son contemporain Mathias Grunewald, un visionnaire fantastique, hostile a toutes les seductions italiennes. Comme Leonard, Durer se situait aux confins entre deux mondes, celui de lere gothique et celui de lage moderne, et a la frontiere entre deux formes dart, etant graveur et dessinateur plus que peintre.

Sandro Botticelli

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
Sandro Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) (Florence, 1445 – 1510) Botticelli etait le fils dun citoyen jouissant dune situation confortable, et avait ete «instruit dans toutes les choses que les enfants doivent habituellement savoir avant de choisir une vocation ». Mais il refusa de consacrer son attention a la lecture, lecriture et le calcul, poursuit Vasari, de sorte que son pere, desesperant de le voir un jour a lecole, le placa en apprentissage aupres de lorfevre Botticello, dou le nom qui est passe a la posterite. Mais Sandro, jeune garcon a lair entete, dote de grands yeux calmes et scrutateurs et dune tignasse blonde – il sest represente lui-meme sur le cote gauche de LAdoration des Mages – voulait bien devenir peintre, et il fut donc place aupres du moine carmelite Fra Filippo Lippi. Comme de nombreux artistes de son temps, satisfait de la joie que lui procurait la peinture, il se tourna vers letude de la beaute et du caractere de lhomme, plutot que vers les themes religieux. Ainsi, Sandro fit des progres rapides, aimant son professeur et, plus tard, le fils de celui-ci, Filippino Lippi, auquel il apprit a peindre. Mais le realisme du maitre le toucha a peine, car Sandro etait un reveur et un poete. Botticelli nest pas un peintre de faits, mais didees ; ses tableaux ne sont pas tant des representations dobjets que des agencements de motifs et de formes. Ses couleurs ne sont pas riches et proches de la vie, mais subordonnees a la forme, et elles sont souvent des nuances plus que de vraies couleurs. En realite, il sinteresse aux possibilites abstraites de son art, et ses personnages noccupent pas de place bien definie dans lespace : ils nattirent pas notre oeil par leur volume, mais suggerent plutot un motif ornemental plat. De meme, les lignes qui entourent les personnages sont choisies pour leur fonction premiere, decorative. On a dit que Botticelli, «bien quetant un pietre anatomiste, etait lun des plus grands dessinateurs de la Renaissance ». Comme exemple danatomie erronee, nous pouvons citer la maniere improbable dont la tete de la Madone est reliee a son cou, ou encore toutes les articulations approximatives et les membres difformes que lon trouve dans les tableaux de Botticelli. Pourtant, son talent de dessinateur fut reconnu, car il donna a la «ligne » non seulement une beaute intrinseque, mais egalement un sens. Autrement dit, en langage mathematique, il reduisit le mouvement de la figure a la somme de ses facteurs elementaires, a ses plus simples formes dexpression. Il combina ensuite ces diverses formes en une figure qui, a travers ses lignes rythmiques et harmoniques, projette sur notre imagination les sentiments poetiques qui animaient lartiste lui-meme. Ce pouvoir de faire compter chaque ligne, a la fois par son sens et par sa beaute, distingue les grands maitres du dessin de la grande majorite des artistes, utilisant la ligne avant tout comme un outil necessaire a la representation des objets concrets.

OKeeffe

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Gerry Souter
Georgia O’Keeffe (Sun Prarie, Wisconsin, 1887 – Santa Fe, 1986) En 1905, Georgia O’Keeffe suivit des cours a l’ Art Institute de Chicago et debuta serieusement sa carriere artistique. Elle s’installa ensuite a New York et s’inscrivit a l’Art Students League School. Georgia adorait les cours de nature morte dispenses par le fringant William Merritt Chase, un des professeurs qui l’influencerent durant cette periode. Elle frequenta la galerie 291 et y rencontra son futur mari, le photographe, Alfred Stieglitz. Durant l’ete 1912, elle suivit des cours a l’universite de Virginie aupres d’Alon Bement qui recourait a une methode revolutionnaire pour enseigner l’art, imaginee par Arthur Wesley Dow. Les eleves ne copiaient pas mecaniquement la nature, mais se voyaient enseigner les principes du dessin base sur les formes geometriques. Ils s’exercaient a diviser un carre, dessiner au coeur d’un cercle ou encore placer un rectangle autour d’un dessin, puis organiser la composition en l’agencant par l’ajout ou l’elimination d’elements. Georgia trouva que cette methode conferait une structure a l’art et l’aidait a comprendre les bases de l’abstraction. Au debut de l’annee 1925, Stieglitz exposa les artistes encourages a l’epoque du 291. C’est au cours de cette exposition que les peintures geantes de fleurs de Georgia O’Keeffe, destinees a faire prendre conscience de la nature, furent presentees pour la premiere fois. Les critiques acclamerent cette nouvelle maniere de voir. Elle detestait cependant les connotations sexuelles que les gens associaient a ses toiles, en particulier a ce moment des annees 1920 ou les theories freudiennes commencaient a ressembler a ce que nous appellerions aujourd’hui de la «psychologie de bazar ». L’heritage que Georgia laisse derriere elle est une vision unique qui traduit la complexite de la nature en formes simples. Elle nous enseigne qu’il y a de la poesie dans la nature et de la beaute dans la geometrie.

Munch

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Patrick Bade
Edvard Munch (Loten, 1863 – Ekely, 1944) Munch peut etre considere comme le pionnier de lexpressionnisme dans la peinture moderne. Il a beneficie tot de la reputation dun artiste dune nouvelle epoque marquante en Allemagne et en Europe centrale, et aujourdhui son oeuvre et son statut sont depuis longtemps reconnus dans toute lEurope et le monde. Les oeuvres de Munch les plus connues sont celles des annees 1890, notamment Le Cri. La frequentation dans la deuxieme moitie des annees 1880 de J?ger (auteur norvegien) et de son cercle danarchistes radicaux marque un tournant decisif dans la vie de Munch et est la source dune mutation et dun conflit interne. A lautomne 1889 Munch a droit a une grande exposition de ses oeuvres a Christiana, ou lEtat lui accorde une bourse dartiste pour 3 ans. Paris, ou il devient pour un moment leleve de Leon Bonnat, est une destination logique. Mais limpulsion la plus importante, il la ressent en sorientant dans la vie artistique de la ville. Cest a cette epoque que perce un mouvement post-impressionniste avec plusieurs experiences anti- aturalistes. Dans ses tableaux dominent les grandes lignes courbes et les zones de couleurs homogenes, une implification et une stylisation utilisee par Paul Gauguin et les synthetistes francais. «Symbolisme - la nature a ete formee dans une ambiance morale » ecrit Munch. A lautomne 1892 Munch presente les fruits de son sejour francais. A la suite de cette exposition il est invite par le «club dart de Berlin » (Berlines Kunstverein), ou ces memes oeuvres doivent etre exposees. Mais cela finit par un cauchemardesque «succes de scandale ». Le public et les vieux peintres comprennent Munch comme une provocation anarchiste, et lexposition est fermee a cause de la protestation.

Mucha

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Patrick Bade
Entre courbes et contre-courbes, Mucha crea, a la fin du XIXe siecle, une egerie nouvelle qui devait hanter les rues de Paris. Au fil des representations de Sarah Bernhard, cette muse voluptueuse devint un veritable embleme de lArt nouveau et offrit a laffichiste succes et renommee. Neanmoins, le talent de lartiste ne se limita jamais a la lithographie. Nourri par cette passion dexalter, au mieux, la sensualite du monde qui lentourait, lart de Mucha, sexprima indifferemment tant sur les monumentaux panneaux decoratifs des salles a manger que sur les petites pieces delicates de porcelaine. Cest toute la richesse et la variete de cet artiste fin-de-siecle que nous fait redecouvrir ici lauteur.

Michel-Ange

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Eugene Muntz
Michel-Ange (Michelangelo Buonarroti) (Caprese, 1475 – Rome, 1564) Michel-Ange, comme Leonard de Vinci, avait plusieurs cordes a son arc et etait a la fois sculpteur, architecte, peintre et poete. Il porta a leur apotheose le mouvement musculaire et leffort, equivalents plastiques de la passion, a ses yeux. Il faconna son dessin, le poussant jusquaux limites extremes des possibilites de son ame tourmentee. Il ny a aucun paysage dans la peinture de Michel-Ange. Toutes les emotions, toutes les passions, toutes les pensees de lhumanite furent personnifiees dans les corps nus des hommes et des femmes. Il ne les concut presque jamais dans limmobilite ou le repos. Michel-Ange devint peintre pour exprimer a travers un materiau plus malleable ce qui animait sa nature titanesque, ce que son imagination de sculpteur voyait, mais que la sculpture lui refusait. Ainsi cet admirable sculpteur devint le reateur des decorations les plus lyriques et les plus epiques jamais vues dans lhistoire de la peinture : les fresques de la chapelle Sixtine au Vatican. La profusion des inventions disseminees sur cette vaste surface est merveilleuse. Ce sont en tout 343 personnages principaux qui sont representes avec une variete dexpressions prodigieuse, plusieurs de taille colossale, a cote de figures plus secondaires introduites pour leur effet decoratif. Le createur de ce vaste plan navait que trente-quatre ans lorsquil sattela au projet. Michel-Ange nous oblige a elargir notre conception du beau. Pour les Grecs, le critere etait la beaute physique, mais Michel-Ange, sauf dans quelques exceptions, comme sa peinture dAdam sur le plafond de la chapelle Sixtine, et ses sculptures de la Pieta, ne pretait que peu dattention a la beaute. Bien que maitrisant parfaitement lanatomie et les lois de la composition, il osait les ignorer toutes deux, si necessaire, afin de suivre son idee : exagerer les muscles de ses personnages, et meme les placer dans des positions inappropriees au corps humain. Dans son ultime fresque, celle du Jugement dernier sur le mur de lautel de la chapelle, il laissa se deverser le torrent de son ame. Quetaient les regles en comparaison dune souffrance interieure qui devait sepancher ? Cest a juste titre que les Italiens de son temps parlaient de la terribilita de son style. Michel-Ange fut le premier a donner a la forme humaine la possibilite dexprimer toute une variete demotions psychiques. Dans ses mains, elle devint un instrument duquel il jouait, comme un musicien sur son orgue, en tirant des themes et des harmonies dune diversite infinie. Ses personnages transportent notre imagination bien au-dela de la signification personnelle des noms qui leur sont attaches.

Kahlo

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Gerry Souter
Frida Kahlo est devenue plus familiere aux amateurs d’art apres la sortie d’un film sur sa vie. Son OEuvre n’en reste pas moins complique dans son approche et sa comprehension. L’auteur, Gerry Souter, avec delicatesse et talent, explore les aspects les plus intimes de l’artiste et de ses oeuvres en alternant vie et creation, danger et exaltation. Un livre d’art qui se lit comme un roman.

Constable

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
John Constable (East Bergholt, 1776 – Hampstead, 1837) John Constable fut le premier peintre de paysage anglais qui ne tira pas son enseignement des peintres hollandais. Assez proche de la vision de Rubens, cest a Gainsborough quil doit tout : ses paysages, avec leurs grands massifs darbres bien repartis a travers le decor vallonne, possedent un rythme souvent present chez Rubens. Son originalite ne repose pas sur le choix de ses sujets, qui se contentent parfois de reprendre les themes affectionnes par Gainsborough. Neanmoins, Constable semble vraiment appartenir a un autre siecle : il introduit une ere nouvelle et cette difference provient a la fois de sa technique et de sa sensibilite. A lencontre des francais, Constable fut le premier peintre de paysage qui considera comme primordiale et essentielle la realisation des esquisses directement dapres nature et dun point de vue unique, une idee contenant le germe de nombreuses destinees du paysage moderne, et meme peut-etre, de facon plus generale, de la peinture moderne. Cest limpression instantanee – la chose la plus irreductible et la plus individuelle entre toutes, celle quon ne peut reproduire a son gre – qui forme le coeur de la future peinture. Travaillant a loisir sur ses grandes toiles, le but de lartiste est denrichir et de completer lebauche, tout en conservant sa fraicheur virginale. Ce sont la les deux techniques quemploya Constable, decouvrant lexuberante abondance de vie dans le plus humble coin de campagne. Il possede la palette dun coloriste creatif et une technique faite de hachures energiques prefigurant celle des impressionnistes francais. Avec audace et franchise, il introduisit le vert dans la peinture, le vert des gras paturages, le vert des feuillages dete, tous les verts que, jusque la, les peintres avaient deliberement omis, sauf peut-etre a travers des verres de lunettes bleus, jaunes et plus souvent encore marrons. Parmi les grands paysagistes qui occuperent une place aussi importante dans lart du XIXe siecle, Corot fut probablement le seul a echapper a linfluence de Constable. Tous les autres sont les descendants plus ou moins directs du maitre dEast Bergholt.

Whistler

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Whistler (Lowell, 1834 – Londres 1903) Whistler surgit a un moment crucial de lhistoire de lart et il joue un role de precurseur. Il a, comme les Impressionnistes, la volonte dimposer ses idees. Son oeuvre se deroule en quatre periodes. Dans une premiere periode de recherche, lartiste est influence par le realisme de Courbet et par le japonisme. Puis Whistler trouve son originalite avec les Nocturnes et la serie des Cremorne Gardens en sopposant a lacademisme qui veut quune oeuvre dart raconte une histoire. Lorsquil peint le portrait de sa mere, Whistler lintitule Arrangement en gris et noir (p.31), ce qui est significatif de ses theories esthetiques. Sil depeint les jardins de plaisir de Cremorne, ce nest pas pour y figurer, comme Renoir, des personnages identifiables, mais pour saisir une atmosphere. Il aime les brumes des bords de la Tamise, les lumieres blafardes, les cheminees dusine. Cest la periode au cours de laquelle il fera figure de precurseur et daventurier de lart ; au bord de labstraction, il choque ses contemporains. La troisieme periode est surtout dominee par ses portraits en pied : cest elle qui lui apportera la gloire. Mais il saura insuffler a un genre pourtant classique sa profonde originalite. Il restitue les personnes dans leur environnement : cela donne une etrange presence aux modeles. Il cree des portraits qualifies de mediums par ses contemporains et dont Oscar Wilde sinspirera pour ecrire son Portrait de Dorian Gray. Enfin, vers la fin de sa vie, lartiste realise des paysages et des portraits dans la grande tradition, tres influence par Velazquez. Whistler fera preuve dune impressionnante rigueur en faisant sans cesse coincider son oeuvre avec ses theories. Il nhesitera pas a croiser le fer avec les theoriciens de lart les plus celebres. Sa personnalite, ses foucades, son elegance, en font un sujet ideal de curiosite et dadmiration. Ami proche de Mallarme, admire par Marcel Proust, dandy provocateur, mondain ombrageux, artiste exigeant, il fut un novateur audacieux.

Turner

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Eric Shanes
Joseph Mallord William Turner (Londres, 1775 – 1851) A 15 ans, Turner exposait deja une Vue de Lambeth. Il acquit tres tot la reputation dun aquarelliste extremement habile. Disciple de Girtin et de Cozens, il montra par son choix et la facon de presenter ses themes une imagination pittoresque qui semblait le destiner a une brillante carriere dillustrateur. Il voyagea, dabord dans son pays natal et puis, a plusieurs occasions, en France, dans la vallee du Rhin, en Suisse et en Italie. Son interet commenca toutefois a depasser le cadre de lillustration : lideal du paysage lyrique, dominant et inspirateur, se faisait jour, meme dans des oeuvres ou nous sommes tentes de ne voir rien dautre quune imagination pittoresque. Son choix dun unique maitre du passe est eloquent, etudiant en profondeur toutes les toiles du Lorrain quil put trouver en Angleterre, les copiant et les imitant avec une extraordinaire perfection. Il ne se departit jamais de son culte pour le grand peintre. Il voulut que son Lever du soleil a travers la vapeur soit place a la National Gallery aux cotes de deux chefs-doeuvre du Lorrain ; et cest la que nous pouvons les y voir et juger du bien-fonde de ce fier et splendide hommage. Ce nest quen 1819 que Turner se rendit en Italie, pour y retourner en 1829 et 1840. Sans aucun doute, Turner y ressentit des emotions et y trouva des sujets de reverie quil transcrivit plus tard, dans les termes de son propre genie, en symphonies de lumiere et de couleurs. La logique de la raison ne compte pas aux yeux de cette imagination nordique. Mais aucun Latin naurait possede cette autre logique, monstrueuse a son gout, propre a lAnglais consume par un reve solitaire et royal, indefinissable et plein de merveilles, qui lui permettait dabolir les frontieres entre la vie (meme la sienne) et les images quil creait. Le reve du Latin, quil soit venitien ou francais, est un reve de bonheur, a la fois heroique et humain. Lardeur y est temperee par la melancolie, et lombre y lutte avec la lumiere. La melancolie, meme sous la forme ou elle apparait dans la creation enigmatique et profonde dAlbrecht Durer, na pas sa place dans le monde feerique et changeant de Turner : quelle place aurait-elle dans un reve cosmique ? Lhumanite est absente, sauf peut-etre sous la forme de personnages de theatre que nous regardons a peine. Une peinture de Turner nous fascine, et pourtant nous ne pensons a rien de precis, rien dhumain ; seulement a des couleurs inoubliables et aux spectres qui hantent nos imaginations. En realite, lhumanite ne linspire que lorsquelle est liee a lidee de mort, mais dune mort etrange, une dissolution lyrique – comme le finale dun opera.

Schiele

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Patrick Bade
Egon Schiele (Tulln, 1890 – Vienne,1918) L’oeuvre d’Egon Schiele est tellement singuliere qu’elle resiste a toute categorisation. Admis a l’Academie des Beaux-Arts de Vienne des l’age de seize ans, ce fut un artiste extraordinairement precoce, dont le talent consomme pour le maniement de la ligne, plus que tout autre chose, conferait une tension expressive a toute son oeuvre. Profondement convaincu de sa propre importance en tant qu’artiste, Schiele realisa plus de choses dans sa jeunesse, brutalement abregee, que beaucoup d’artistes dans toute leur existence. Ses racines puisaient dans le Jugendstil du mouvement de la Secession Viennoise. Comme toute sa generation, il tomba sous l’influence ecrasante de l’artiste le plus illustre et charismatique de Vienne, Gustav Klimt. A son tour, Klimt reconnut le remarquable talent de Schiele et encouragea le jeune artiste, qui au bout de deux ans, rompait deja avec la sensualite decorative de son mentor. Amorcant une intense periode de creativite vers 1910, Schiele entama un intrepide expose de la forme humaine – sans oublier la sienne – si penetrant, qu’il est clair que l’examen auquel il se livrait etait plus psychologique, spirituel et emotionnel, que physique. Il peignit plusieurs vues urbaines, paysages, portraits formels et sujets allegoriques, mais ce sont ses oeuvres sur papier, extremement candides, parfois ouvertement erotiques, et son penchant pour les modeles trop jeunes, qui rendirent Schiele vulnerable a la critique morale. En 1912, il fut soupconne et emprisonne pour une serie d’atteintes aux moeurs incluant le kidnapping, le viol et la debauche publique. Les accusations les plus graves (toutes sauf celle de debauche publique) furent abandonnees, mais Schiele passa environ trois semaines desesperees en prison. En Allemagne, les cercles expressionnistes offrirent un accueil tiede au travail de Schiele. Son compatriote, Kokoschka, reussissait beaucoup mieux dans ce domaine. Tandis qu’il admirait les artistes munichois du Blaue Reiter, par exemple, ceux-ci le repoussaient. Plus tard, pendant la Premiere Guerre mondiale, son oeuvre se fit mieux connaitre et, en 1916, Schiele fut presente dans un numero de magazine expressionniste de gauche, base a Berlin, Die Aktion, et on finit par l’apprecier. Il fut considere tres tot comme un genie. Cela lui valut le soutien d’un petit groupe de collectionneurs et d’admirateurs tres patients. Neanmoins, pendant plusieurs annees, ses finances furent precaires. Il avait souvent des dettes et etait parfois force d’utiliser du materiel bon marche, de peindre sur du papier d’emballage marron ou du carton, au lieu du papier et des toiles reserves aux artistes. Ce n’est qu’en 1918, qu’il connut son premier succes public notable a Vienne. Tragiquement, quelque temps plus tard, il fut emporte avec sa femme, Edith, par l’epidemie massive de grippe de 1918, qui venait de tuer Klimt et des millions d’autres victimes, et ils moururent a quelques jours d’intervalle. Schiele n’avait que vingt-huit ans.

Rodin

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Rainer Maria Rilke
Tout a la fois influence par les maitres de l’Antiquite, le genie de Michel-Ange et la sculpture baroque, Auguste Rodin est l’un des artistes les plus reconnus de l’histoire. Bien qu’il soit considere comme l’un des fondateurs de la sculpture moderne, Rodin n’a jamais critique la tradition classique. Nombre de ses sculptures furent critiquees et controversees en raison de leur sensualite ou de leur realite crue. Ses ?uvres les plus originales se detachaient des traditionnels themes mythologiques ou allegoriques pour etreindre le corps humain, celebrer l’individualisme et la materialite. Ce livre devoile la vie et la carriere de cet artiste en explorant ses ?uvres majeures telles que La Porte de l’Enfer, Le Penseur et le fameux Baiser.

Modigliani

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
Amedeo Modigliani (Livourne, 1884 – Paris, 1920) Amedeo Modigliani naquit en Italie en 1884 et mourut a Paris a l’age de trente-cinq ans. Tres tot il s’interessa a l’etude du nu et a la notion classique de la beaute ideale. En 1900-1901 il visita Naples, Capri, Amalfi et Rome, puis Florence et Venise, et etudia tout d’abord des chefs-d’oeuvre de la Renaissance. Il fut impressionne par les artistes du Trecento (XIVe siecle), parmi lesquels Simone Martini (vers 1284-1344), dont les silhouettes longues et serpentines, representees avec une grande delicatesse de composition et de couleur et impregnees d’une tendre tristesse, annoncaient la sinuosite et la luminosite manifestes dans l’oeuvre de Sandro Botticelli (vers 1445-1510). Ces deux artistes influencerent clairement Modigliani, qui utilisa la pose de la Venus de Botticelli dans La Naissance de Venus pour son Nu debout (Venus) (1917) et sa Femme rousse en chemise (1918), ainsi qu’une inversion de cette pose dans son Nu assis au collier (1917). A la dette de Modigliani a l’art du passe (silhouettes des Cyclades de la Grece antique principalement) fut ajoutee l’influence de l’art d’autres cultures (africaines par exemple) et du cubisme. Les cercles et courbes equilibres, bien que voluptueux, y sont soigneusement traces et non naturalistes. On les retrouve dans l’ondulation des lignes et la geometrie des nus de Modigliani, tels le Nu Allonge. Les dessins des Caryatides lui permirent d’explorer le potentiel ornemental de poses qu’il eut ete incapable de traduire en sculpture. Pour ses series de nus, Modigliani emprunta les compositions de nombreux nus celebres du grand art, dont ceux de Giorgione (vers 1477-1510), Titien (vers 1488-1576), Ingres (1780-1867), et Velazquez (1599-1660), en faisant abstraction toutefois de leur romantisme et de la lourdeur du decor. Modigliani appreciait egalement l’oeuvre de Goya (1746-1828) et d’Edouard Manet (1832-1883), qui avaient fait scandale en peignant des femmes de la vie reelle nues, rompant ainsi les conventions artistiques voulant que les nus soient places dans des cadres mythologiques, allegoriques ou historiques.

Klimt

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Patrick Bade
Gustav Klimt (Baumgarten, 1862 – Vienne, 1918) «Faire un autoportrait ne minteresse pas. Les sujets de peinture qui minteressent ? Les autres et en particulier les femmes… » Aucune reference au monde exterieur ne vient contrarier le charme des allegories, portraits, paysages et autres personnages que lartiste peint. Des couleurs et des motifs dinspiration orientale (Klimt a ete tres influence par le Japon, lancienne Egypte et la Ravenne byzantine), un espace bidimentionnel depourvu de profondeur et une qualite souvent stylisee de limage, autant delements utilises par le peintre pour creer une oeuvre seduisante, ou le corps de la femme sexpose dans toute sa volupte. A 14 ans, il obtient une bourse dEtat pour entrer a la Kunstgewerbeschule (lEcole viennoise des Arts et Metiers). Tres vite, ses talents de peintre et de dessinateur saffirment. Ses toutes remieres oeuvres lui valent un succes inhabituellement precoce. Sa premiere grande initiative date de 1879 : il cree cette annee-la la Kunstlerkompagnie (la compagnie des artistes) avec son frere Ernst, et Franz Matsch. A Vienne, la fin du XIXe siecle est une periode deffervescence architecturale. Lempereur Francois- Joseph decide, en 1857, de detruire les remparts entourant le coeur medieval de la ville. Le Ring, finance par largent du contribuable, est alors construit : de magnifiques residences y cotoient de superbes parcs. Ces changements profitent a Klimt et a ses associes, leur fournissant de multiples occasions de faire montre de leur talent. En 1897, Klimt, accompagne de quelques amis proches, quitte la tres conservatrice Kunstlerhausgenossenschaft (Societe cooperative des artistes autrichiens) ; il fonde le mouvement Secession et en prend la presidence. La reconnaissance est immediate. Au-dessus du porche dentree de ledifice, concu par Jose Maria Olbrich est inscrite la devise du mouvement : «A chaque age son art, a lart sa liberte. » A partir de 1897, Klimt passa pratiquement tous ses etes sur lAttersee, en compagnie de la famille Floge. Durant ces periodes de paix et de tranquillite, il eut loccasion de peindre de nombreux paysages qui constituent un quart de son oeuvre complete. Klimt execute des croquis preparatoires a la plus grande partie de ses realisations. Parfois, il execute plus de cent etudes pour un seul tableau. Le caractere exceptionnel de loeuvre de Klimt tient peut-etre a labsence de predecesseurs et de reels disciples. Il admirait Rodin et Whistler sans les copier servilement. En retour, il fut admire par les peintres viennois de la jeune generation, tels Egon Schiele et Oskar Kokoschka.

Van Gogh

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Vincent van Gogh (Groot-Zundert, Brabant, 1853 – Auvers-sur-Oise, 1890) La vie et loeuvre de Vincent van Gogh sont si etroitement liees quil est quasiment impossible de voir ses toiles sans y lire le recit de sa vie : van Gogh est en effet devenu lincarnation du martyr souffrant et incompris de lart moderne, lembleme de lartiste marginal. Le premier article, publie en 1890, donnait des details sur la maladie de van Gogh. Lauteur de larticle voyait le peintre comme un «genie terrible et dement, souvent sublime, parfois grotesque, toujours a la limite du cas pathologique ». On sait tres peu de choses sur lenfance de Vincent. A lage de 11 ans, il dut quitter le «nid humain », comme il le nommait lui-meme, pour poursuivre sa scolarite dans divers internats. Le premier portrait nous montre van Gogh comme un jeune homme serieux de dix-neuf ans. A cette epoque, il avait deja travaille trois ans a La Haye et ensuite a Londres, dans la galerie Goupil & Co. En 1874, son amour pour Ursula Loyer sacheva dans un desastre et un an plus tard, il fut transfere a Paris, contre son gre. A lissue dune discussion particulierement violente au moment des fetes de Noel 1881, son pere, pasteur, ordonna a Vincent de partir. Avec cette ultime rupture, il abandonna son nom de famille, signant ses toiles dun simple «Vincent ». Il se rendit a Paris et ne retourna jamais en Hollande. A Paris il fit la connaissance de Paul Gauguin, dont il admirait enormement les peintures. Lautoportrait fut le principal sujet de Vincent de 1886 a 1888. En fevrier 1888, Vincent quitta Paris pour Arles, et essaya de persuader Gauguin de le rejoindre. Les mois passes a attendre Gauguin furent les plus productifs de la vie de van Gogh. Il voulait montrer a son ami autant de toiles que possible et decorer la Maison jaune. Mais Gauguin ne partageait pas sa vision de lart et rentra finalement a Paris. Le 7 janvier 1889, quatorze jours apres son automutilation, Vincent quitta lhopital. Ignorant sa propre folie, il esperait se retablir et oublier, mais en realite, il y retourna deux fois cette annee la. Au cours de son ultime sejour a lhopital, Vincent peignit des paysages dans lesquels il recreait le monde de son enfance. On dit que Vincent van Gogh se tira une balle dans la tempe dans un champ, mais decida de rentrer a lhotel et de se coucher. Le proprietaire informa le Dr Gachet et son frere, Theo ; ce dernier decrivit les derniers instants de sa vie qui prit fin le 29 juillet 1890 : «Je voulais mourir. Mais jetais assis a son chevet, lui promettant que nous allions le guerir. [...] », il repondit : «La tristesse durera toujours. »

Renoir

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Pierre–Auguste Renoir (Limoges, 1841 – Cagnes-Sur-Mer, 1919) Pierre-Auguste Renoir naquit le 25 fevrier 1841 a Limoges. En 1854, ses parents retirerent lenfant de lecole et le placerent dans latelier des freres Levy afin quil apprenne la peinture sur porcelaine. Son frere cadet, Edmond Renoir,racontait : «De ce quil usait des bouts de charbon sur les murs, on en conclut quil aurait du gout pour une profession artistique. Nos parents le placerent donc chez un peintre en porcelaine. » Un des ouvriers de Levy, Emile Laporte, pratiquait la peinture a lhuile pour son plaisir. Il proposa a Renoir dutiliser ses toiles et ses couleurs. Et cest recisement ainsi que naquit le premier tableau du futur impressionniste, qui fut montre tres solennellement a Laporte dans la maison des Renoir. En 1862, Auguste Renoir reussit son examen dentree a lEcole des Beaux-Arts. Il frequente en meme temps un atelier libre ou enseigne le professeur Charles Gleyre. Le deuxieme evenement important de cette periode de la vie de Renoir fut la rencontre, dans latelier Gleyre, de ceux qui devinrent ses meilleurs amis tout au long de sa vie et ses compagnons dans lart. A un age plus avance, lartiste deja mur eut la possibilite de voir des Rembrandt en Hollande, des Velazquez, Goya et le Greco en Espagne, et des Raphael en Italie. A lepoque ou les amis se retrouvaient a la Closerie des Lilas, Renoir continuait de puiser son inspiration au Louvre : «Et pour moi, au moment de Gleyre, le Louvre cetait Delacroix. » La premiere exposition des impressionnistes devint, pour Renoir, le moment dassertion de sa propre vision du peintre. Dans la vie de lartiste, cette periode fut marquee encore par un evenement significatif : en 1873, il emmenagea a Montmartre au numero 35 de la rue Saint-Georges, ou il vecut jusquen 1884. Il resta fidele a Montmartre jusqua la fin de sa vie. La, il trouva ses motifs de plein air, ses modeles et meme sa famille. Cest justement dans les annees 1870 que Renoir se fit des amis qui laccompagnerent jusqua la fin de ses jours. Le marchand Durand-Ruel devint lun deux. Il commenca a lui acheter des tableaux en 1872. Lete, comme toujours, Renoir peignait beaucoup, avec Monet, en plein air. Il venait a Argenteuil ou Monet louait une maison pour sa famille. Avec eux travaillait parfois Edouard Manet. En 1877, a la troisieme exposition des impressionnistes, Renoir presenta plus de vingt peintures. Cetaient des paysages executes a Paris, sur la Seine, en dehors de la ville et dans le jardin de Claude Monet ; des etudes de visages de femmes et des bouquets de fleurs ; les portraits de Sisley, de lactrice Jeanne Samary, de lecrivain Alphonse Daudet et de lhomme politique Spuller ; il y avait aussi La Balancoire et le Bal au Moulin de la Galette. Dans les annees 1880, Renoir connut enfin le veritable succes. Il travaillait sur des commandes de riches financiers, de la proprietaire des Grands Magasins du Louvre, du senateur Goujon. Ses peintures furent exposees a Londres, a Bruxelles, a la septieme exposition internationale chez Georges Petit (1886). Dans sa lettre adressee a Durand-Ruel, a New York, il ecrit : «Lexposition de Petit est ouverte et elle a pas mal de succes, diton. Car cest difficile de savoir soi-meme ce qui se passe. Je crois avoir fait un pas dans lestime publique, petit pas. Mais cest toujours ca ».

Rembrandt

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Klaus H. Carl
Harmensz van Rijn Rembrandt (Leyde, 1606 – Amsterdam, 1669) Tout chez Rembrandt est un mystere complet, son esprit, son caractere, sa vie, son ?uvre et sa methode de peinture. Mais ce que nous pouvons deviner de sa nature profonde a travers sa peinture et les incidents triviaux ou tragiques de sa vie malheureuse (son penchant pour le faste le poussa a la faillite), dont les infortunes ne sexpliquent pas completement, revele une effervescence de ses idees et de ses sentiments, des impulsions contradictoires emergeant des profondeurs de son etre comme la lumiere et lombre de ses toiles. Malgre cela, rien dans lhistoire de lart ne nous donne une plus profonde impression dunite que ses peintures, bien que composees delements tres heteroclites aux significations les plus complexes. On a le sentiment que son esprit, genial, brillant et libre, audacieux et ignorant toute servitude, qui le mena aux plus nobles considerations et aux plus sublimes reveries, jaillissait de la meme source que ses emotions. Cest de la que provient cette composante tragique quil imprima a tout ce quil peignait, quel que fut le sujet. Son ?uvre etait donc inegale, car le sublime, qui etait le propre dun homme tel que lui, nest pas une chose quotidienne. Cest comme si cette personnalite singuliere, etrange, attirante et presque enigmatique a la fois avait ete lente a se developper, ou du moins a connaitre sa pleine dimension. Que Rembrandt ait possede un talent precoce et une vision originale du monde, ses dessins de jeunesse et ses premiers autoportraits des annees 1630 le prouvent assez. En peinture, cependant, il ne trouva pas immediatement la methode pour exprimer les choses encore incomprehensibles quil avait a dire, la technique audacieuse, globale et personnelle que nous admirons dans ses chefs-d?uvre de la maturite et de la vieillesse, mais qui, en depit de sa subtilite, fut jugee brutale et contribua certainement a leloigner de son public. Il adopta dabord un style sophistique tres similaire a la maniere des «Petits Maitres » de son pays. Toutefois, a ses debuts et au temps de ses premiers succes, leclairage joua un role majeur dans sa conception de la peinture et il en fit le principal instrument dinvestigation des arcanes de sa vie interieure. Il lui revela la poesie de la physionomie humaine lorsquil peignit le Philosophe en meditation, ou La Sainte Famille, si delicieusement absorbee dans sa modeste intimite, ou lange Raphael quittant Tobias. Mais bientot il exigea plus, et La Ronde de nuit marqua immediatement lapotheose de sa reputation. Peu a peu, il evolua en seloignant du naturalisme des premieres heures et des clairs-obscurs abrupts, arrondissant les angles et se tournant vers un monde plus colore. Il songea aux grands venitiens et emprunta leurs sujets pour produire une forme dart ne dune vie interieure et dune emotion profonde. Les sujets mythologiques et religieux etaient traites comme ses portraits. Car tout ce quil puisait dans la realite et meme dans les ?uvres des autres, il le transmutait immediatement en sa propre substance.

Picasso

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Pablo Picasso (Malaga, 1881 – Mougins, 1973) Picasso naquit en Espagne et l’on dit meme qu’il commenca a dessiner avant de savoir parler. Enfant, il fut nstinctivement attire par les instruments de l’artiste. Il pouvait passer des heures de joyeuse concentration a dessiner des spirales pourvues d’un sens qu’il etait seul a connaitre. Fuyant les jeux d’enfants, il traca ses premiers tableaux dans le sable. Cette maniere precoce de s’exprimer contenait la promesse d’un rare talent. Nous nous devons de mentionner Malaga, car c’est la, le 25 Octobre 1881, que Pablo Ruiz Picasso naquit et qu’il passa les dix premieres annees de sa vie. Le pere de Picasso etait lui-meme peintre et professeur a l’ecole des Beaux-Arts de la ville. Picasso apprit aupres de lui les rudiments de la peinture academique. Puis il poursuivit ses etudes a l’academie des Arts de Madrid mais n’obtint jamais son diplome. Picasso, qui n’avait pas encore 18 ans, avait atteint le point culminant de sa rebellion, repudiant l’esthetique anemique de l’academisme et le prosaisme du realisme. Tout naturellement, il se joignit a ceux qui se qualifiaient de modernistes, c’est a dire, les artistes et les ecrivains non-conformistes, ceux que Sabartes appelait «l’elite de la pensee catalane » et qui se retrouvaient au cafe des artistes Els Quatre Gats. Durant les annees 1899 et 1900, les seuls sujets dignes d’etre peints aux yeux de Picasso etaient ceux qui refletaient la verite ultime : le caractere ephemere de la vie humaine et l’ineluctabilite de la mort. Ses premieres oeuvres, cataloguees sous le nom de «periode bleue » (1901-1904), consistent en peintures executees dans des teintes bleues, inspirees par un voyage a travers l’Espagne et la mort de son ami Casagemas. Meme si Picasso lui-meme insistait frequemment sur la nature interieure et subjective de la periode bleue, sa genese et, en particulier, ce monochromatisme bleu, furent des annees durant, expliques comme les resultats de diverses influences esthetiques. Entre 1905 et 1907, Picasso entra dans une nouvelle phase, appelee la «periode rose » caracterisee par un style plus enjoue, domine par l’orange et le rose. A Gosal, au cours de l’ete 1906, le nu feminin prit une importance considerable pour Picasso – une nudite depersonnalisee, aborigene, simple, comme le concept de «femme ». La dimension que les nus feminins allaient prendre chez Picasso dans les mois suivants, precisement durant l’hiver et le printemps 1907, s’imposa lorsqu’il elabora la composition de son impressionnante peinture connue sous le titre des Demoiselles d’Avignon. S’il est vrai que l’art africain est habituellement considere comme le facteur determinant du developpement d’une sthetique classique en 1907, les lecons de Cezanne sont quand a elles percues comme la pierre angulaire de cette nouvelle progression. Ceci est lie tout d’abord a une conception spatiale de la toile comme une entite composee, soumise a un certain systeme de construction. Georges Braque, dont Picasso devint l’ami a l’automne 1908 et avec lequel il mena le cubisme a son apogee en six ans, fut surpris pas les similitudes entre les experiences picturales de Picasso et les siennes. Il expliquait que le «principal objectif du Cubisme etait la materialisation de l’espace. A l’issue de sa periode cubiste, dans les annees 1920, Picasso revint a un style plus figuratif et se rapprocha du ouvement surrealiste. Il representa des corps difformes et monstrueux mais d’une maniere tres personnelle. Apres le bombardement de Guernica en 1937, Picasso realisa l’une de ses oeuvres les plus celebres, symbole des horreurs de la guerre. Dans les annees 1960, son art changea a nouveau et Picasso commenca a regarder de plus pres les grands maitres, s’inspirant dans ses tableaux des oeuvres de Velazquez, Poussin, Goya, Manet, Courbet, Delacroix. Les dernieres oeuvres de Picasso etaient un melange de styles, devenant plus colorees, expressives et optimistes. Picasso mourut en 1973, dans sa villa de Mougins. Le symboliste russe Georgy Chulkov ecrivit : «La mort de Picasso est une chose tragique. Pourtant, combien ceux qui croient pouvoir imiter Picasso ou apprendre de lui sont en verite aveugles et naifs. Apprendre quoi ? Ces formes ne correspondent a aucune emotion existant hors de l’Enfer. Mais etre en Enfer signifie anticiper la mort, et les Cubistes ne s’interessent guere a ce genre de connaissance infinie. »

Monet

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Claude Monet (Paris, 1840 – Giverny, 1926) Pour Claude Monet, le qualificatif dimpressionniste est toujours reste un sujet de fierte. Malgre tout ce que les critiques ont pu ecrire sur son oeuvre, Monet na cesse detre veritablement impressionniste jusqua la fin de sa tres longue vie. Il la ete par conviction profonde, et peut-etre a-t-il sacrifie a son impressionnisme beaucoup dautres possibilites que lui offrait son immense talent. Monet na pas peint de compositions classiques avec des personnages, il nest pas devenu portraitiste, bien que tout cela fut compris dans sa formation professionnelle. Il sest choisi, en fait, un seul genre, celui du paysage, et il y a atteint un degre de perfection auquel aucun de ses contemporains na pu parvenir. Pourtant, le garconnet avait commence par dessiner des caricatures. Puis Boudin lui conseilla dabandonner la caricature et dopter pour le paysage : cest que la mer et le ciel, les animaux, les gens et les arbres sont beaux justement dans letat ou les a crees la nature, cest-a-dire entoures dair et de lumiere. Cest en effet de Boudin que Monet herita la conviction de limportance du travail en plein air, conviction quil transmit plus tard a ses amis impressionnistes. Monet ne voulut pas entrer a lEcole des Beaux-Arts. Il prefera frequenter une ecole privee, lAcademie Suisse, fondee par un ancien modele, quai des Orfevres, pres du pont Saint-Michel. On pouvait y dessiner et peindre un modele vivant pour une somme modique. Cest la que Monet rencontra le futur impressionniste Camille Pissarro. Cest ensuite dans latelier de Gleyre, que Monet rencontra Auguste Renoir, Alfred Sisley et Frederic Bazille. Il parlait aussi a ses amis dun autre peintre quil avait egalement trouve en Normandie. Il sagissait de letonnant Hollandais Jongkind. «Il fut a partir de ce moment mon vrai maitre », disait Monet. «Cest a lui que je dois leducation definitive de mon oeil ». Ces paysagistes normands, Boudin et Jongkind, se rangent au nombre des maitres directs des impressionnistes. En 1871-1872, les paysages de Monet ne se distinguaient pas encore par une grande richesse de coloris ; ils rappelaient plutot les tonalites de la peinture des artistes de Barbizon ou les marines de Boudin. Il composait une gamme de coloris sur la base de tons marron-jaune et bleu-gris. En 1877, lors de la troisieme exposition des impressionnistes, Monet presenta, pour la premiere fois, une serie de tableaux : sept vues de la gare Saint-Lazare. Il les choisit parmi les douze toiles peintes dans la gare. Ce motif, dans loeuvre de Monet, est dans la ligne non seulement du Chemin de fer de Manet et de ses propres paysages, avec trains et gare, a Argenteuil, mais aussi de la tendance qui commenca a se manifester avec lapparition des chemins de fer. Un beau matin, il reveilla Renoir avec un cri de victoire : «Jai trouve, la gare Saint-Lazare ! Au moment des departs, les fumees des locomotives y sont tellement epaisses quon ny distingue a peu pres rien. Cest un enchantement, une veritable feerie ». Il navait pas lintention de peindre la gare Saint-Lazare de memoire ; il voulait saisir les jeux de lumiere du soleil sur les nuages de vapeur qui sechappaient des locomotives. En 1883, Monet avait achete une maison dans le village de Giverny, a proximite de la petite ville de Vernon. A Giverny, les series devinrent une des principales methodes de travail en plein air de Monet. Quand un journaliste, venu de Vetheuil pour interviewer Monet, lui demanda ou se trouvait son atelier, le peintre repondit : «Mon atelier ! Mais je nai jamais eu datelier, moi, et je ne comprends pas quon senferme dans une chambre. Pour dessiner, oui, pour peindre, non ». Montrant dun geste large la Seine, les collines et la silhouette de la petite ville, il declara : «Voila mon atelier, a moi » Des la derniere decennie du XIXe siecle, Monet commenca a aller a Londres. Il commencait tous les tableaux a Londres, dapres nature, mais en terminait beaucoup, ensuite, a Giverny. Un ami de Monet, lecrivain Octave Mirbeau, ecrit que Monet avait accompli un miracle : a laide de couleurs, il avait reussi a reconstituer sur la toile une matiere quasi insaisissable, a reproduire la lumiere solaire, en lenrichissant dune quantite infinie de reflets. Claude Monet fut le seul parmi les impressionnistes a avoir mene jusquau bout une etude presque scientifique des possibilites de la couleur ; il est peu probable quon eut pu aller plus loin dans cette direction.

Dali

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Eric Shanes
Dali, Salvador (Figueras, 1904 – Torre-Galatea, 1989) Peintre, artiste, createur d’objets, ecrivain et cineaste, il est connu du public comme un des representants majeur du surrealisme. Bunuel, Lorca, Picasso, Breton… : ces rencontres constituent autant d’etapes dans la carriere de Dali. Realise avec Bunuel, le film Un chien andalou marque son entree officielle dans le groupe des surrealistes parisiens ou il rencontre Gala, la femme d’Eluard, qui deviendra sa compagne et son inspiratrice. Entre cet artiste eclectique et provocateur et les surrealistes parisiens, les relations se tendront progressivement a partir de 1934 jusqu’a la rupture avec Breton, cinq ans plus tard. Pourtant, l’art de Dali releve bien de l’esthetique surrealiste dont il a conserve le gout pour le depaysement, l’humour et l’imagination.

Chagall

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
Marc Chagall (Vitebsk, 1887 – Saint-Paul-de-Vence, 1985) Chagall est ne dans une famille juive de stricte obedience pour laquelle l’interdit de representation de la figure humaine avait valeur de dogme. Apres un echec a l’examen d’entree a l’ecole des Arts et Metiers du baron Stieglitz, Chagall integre plus tard celle fondee par la Societe imperiale d’encouragement des Beaux-Arts dirigee par Nicolas Roerich. En 1910, il s’installe a Paris qui sera son «second Vitebsk ». Chagall retrouve a la Ruche de nombreux compatriotes attires, eux aussi, par le prestige de Paris. Lipchitz, Zadkine, Archipenko, Soutine qui maintiendront, autour du jeune peintre, le parfum de sa terre natale. Les auteurs des premieres etudes sur Chagall relevaient deja que Paris avait influence sa maniere picturale, avait apporte une nervosite frele et une nettete aux lignes qui repondent avec assurance et justesse a la couleur et pour beaucoup, la commandent. L’observateur le plus attentif, le plus passionne, se revele parfois incapable de distinguer le Chagall «de Paris » du Chagall «de Vitebsk ». L’artiste n’est pas contradictoire ni «dedouble », mais il demeurait constamment ouverts, regardant en lui et autour de lui, considerant le monde environnant, les idees de son epoque, les souvenirs du passe. Chagall est doue d’une sorte «d’immunite stylistique », il s’enrichit sans rien detruire de sa propre structure. Il s’enthousiasme, apprend en toute ingenuite, se defait de la maladresse juvenile, mais sans perdre son «authenticite ». Parfois, c’est comme s’il regardait le monde a travers le prisme magique de l’ecole de Paris. Alors il engage un jeu tout en finesse et en serieux avec les decouvertes du tournant du siecle, alors l’adolescent se considere, ironique et songeur, dans un miroir ou s’unissent tout naturellement les acquis picturaux de Cezanne, la spiritualisation fragile de Modigliani, les rythmes complexes des plans qui rappellent les experiences des premiers cubistes (Autoportrait devant le chevalet, 1914). Cependant, au-dela des analyses qui, aujourd’hui, eclairent les sources judeo-russes du peintre, les filiations formelles heritees ou empruntees, mais toujours sublimees, une part de mystere demeure dans l’art de Chagall. Ce mystere tient peut-etre a la nature meme de cet art qui puise dans le souvenir.

Cezanne

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Paul Cezanne (Aix-en-Provence, 1839 – 1906) Depuis sa mort il y a deux siecles, Cezanne est devenu le peintre le plus celebre du XIXe siecle. Il naquit a Aix-en-Provence en 1839, et la plus belle periode de sa vie fut sa prime jeunesse en Provence, quil passa en compagnie de Zola, egalement dorigine italienne. Suivant lexemple de ce dernier, Cezanne partit pour Paris a lage de 21 ans. Il fut deserteur pendant la guerre franco-prussienne, partageant son temps entre la peinture en plein air et son atelier. Il declara a Vollard, un marchand dart : «Je ne suis quun peintre. Lhumour parisien me donne du mal. Peindre des nus sur les rives de lArc [une riviere pres dAix] cest tout ce que je demande ». Encourage par Renoir, lun des premiers a lapprecier, il exposa avec les impressionnistes en 1874 et en 1877. Il fut recu avec une derision qui le blessa. Lambition de Cezanne, selon ses propres paroles, etait «de faire de limpressionnisme quelque chose daussi solide et de durable que les peintures des musees ». Son but etait datteindre au monumental par un langage moderne de tons incandescents et vibrants. Cezanne voulait reproduire la couleur naturelle dun objet et lharmoniser avec les variations de lumiere et dombre qui tendent habituellement a le detruire ; il desirait elaborer une echelle de tons capables dexprimer la masse et le caractere de la forme. Cezanne aimait peindre des fruits, parce que cetaient des modeles dociles et quil travaillait lentement. Il ne cherchait pas a reproduire la pomme. Il gardait la couleur dominante et le caractere du fruit, mais amplifiait lattrait emotionnel de sa forme par un agencement de tons riches et harmonieux. Cetait un maitre de la nature morte. Ses compositions de fruits et legumes sont veritablement impressionnantes : elles ont le poids, la noblesse, le style des formes immortelles. Aucun autre peintre na jamais accorde a une pomme de conviction aussi ardente, de sympathie aussi authentique, ni dinteret aussi prolonge. Aucun autre peintre de ce talent na jamais reserve dans ses natures mortes ses impulsions les plus fortes a la creation de choses nouvelles et vivantes. Cezanne rendit a la peinture la preeminence du savoir - de la connaissance des choses - une qualite essentielle a tout effort creatif. A la mort de son pere, en 1886, il devint riche, mais ne changea rien a son train de vie frugal. Peu apres, Cezanne se retira definitivement dans sa propriete en Provence. Il fut sans doute le peintre le plus solitaire de son temps. Parfois, il etait saisi dune curieuse melancolie, dun noir desespoir. Avec le temps, il devint plus sauvage et exigeant, detruisant des toiles, les jetant dans les arbres par la fenetre de son atelier, les abandonnant dans les champs, les donnant a son fils pour quil en fasse des puzzles, ou aux gens dAix. Au debut du XXe siecle, quand Vollard debarqua en Provence avec lintention de speculer en achetant tous les Cezanne quil pouvait emporter, les paysans des environs, apprenant quun guignol de Paris cherchait a gagner de largent avec des vieilles toiles, se mirent a produire dans leurs granges tout un tas de natures mortes et de paysages. Le vieux Maitre dAix fut submerge par la joie. Mais la reconnaissance vint trop tard. En 1906, il succomba a une fievre contractee alors quil peignait sous une pluie diluvienne.

Felix Vallotton

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Felix Vallotton, ne a Lausanne le 28 decembre 1865 et mort a Paris le 29 decembre 1925, est un artiste peintre, sculpteur et graveur sur bois Suisse, naturalise Francais en 1900. En une dizaine d’annees, Vallotton parvient a se faire un nom aupres de lavant-garde parisienne. Sa renommee devient internationale grace a ses gravures sur bois et a ses illustrations en noir et blanc qui font sensation. Il expose regulierement a Paris, et dans le reste de l’Europe. Il epouse en secondes noces Gabrielle Rodrigues-Henrique, filles et s?ur des Bernheim-Jeune, marchands dart parisiens reputes. Il parvient a simposer en beneficiant de laide efficace de son frere Paul, qui dirige a Lausanne la succursale de la galerie Bernheim-Jeune. Vallotton est un formidable peintre, de la femme et en particulier ; ses nus sont aussi sensuels que ceux d’Amedeo Modigliani. Il a ete inhume au cimetiere du Montparnasse en 1925.

Paul Signac

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Paul Signac
Inspire des son jeune age par le travail de Monet, Paul Signac (1863-1935) etait l’ami et le disciple de Georges Seurat qui a melange la precision scientifique du pointillisme aux couleurs vivantes et a l’emotion de l’impressionnisme. Ce livre examine la complexite de la technique reconnue de Signac, et presente les details de certaines de ses peintures les plus celebres.

LOrigine du monde

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse, Hans-Jurgen Dopp
Lacan, dernier proprietaire de L’Origine du monde de Courbet, aimait le tableau si fort qu’il ne pouvait le regarder. Alors il le cacha derriere un tableau anodin. Les Chinois l’appelaient la « vallee des roses » (attention aux epines !), les Perses « la source du miel » (attention aux abeilles !), les Grecs « le mont de Venus » (attention a l’escalade !). A chaque epoque ses fantasmes et son explication du mystere de la femme. Il nous reste le temoignage des poetes, des peintres et meme de quelques psychiatres celebres. L’Origine du monde, un ouvrage a mettre seulement entre les mains des amoureux du mystere.

Van Dyck

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Natalia Gritsai
A partir de la creation de son premier atelier a l’age de seize ans, sir Anthony van Dyck (1599-1641) devint celebre dans le monde de l’art. Rubens, son professeur lorsqu’il etait enfant, disait de lui qu’il etait son eleve le plus talentueux. Il confirma cette remarque par une carriere d’artiste de cour en Angleterre et en Espagne. De nos jours, il est reconnu comme peintre de portraits, capturant l’elegance et la beaute opulente de la vie des cours europeennes au XVIIe siecle. Dans cette presentation fascinante de la longue carriere de Van Dyck, Natalia Gritsai met en relief le meilleur des chefs-d’?uvre de l’artiste.

Franz Marc

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Klaus H. Carl, Franz Marc
Condamne par les Nazis comme etant un artiste « degenere », Franz Marc (1880-1916) est un peintre allemand dont l’utilisation des lignes seches et de la couleur exprime de maniere eloquente la douleur et le traumatisme de la guerre. Dans des toiles telles que La Mort des animaux, Marc a cree l’emotion brute d’une violence primitive, qu’il a qualifiee de premonition de la guerre, guerre qui allait etre la cause de sa mort a l’age de trente-six ans.

Arcimboldo

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Liana De Girolami Cheney
Si, selon l’expression connue, vous etes ce que vous mangez, alors Giuseppe Arcimboldo (1527-1593) fut le peintre parfait de l’ame humaine. Cet artiste etait un dessinateur de talent. Dans cet ouvrage fascinant, Liana de Girolami Cheney se penche sur la critique historique du travail d’Arcimboldo, a partir des debuts de son succes et de l’obscurite tragique qui entoure sa mort, jusqu’a la redecouverte de son travail, en particulier par les surrealistes des annees 1920.

Федор Александрович Васильев. Жизнь и творчество

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Людмила Князева, Александр Ермолаев
Произведения великого русского художника Федора Александровича Васильева пользуются большой и заслуженной любовью нашего народа, но в искусствоведческой науке до настоящего времени его творчество еще не получило полной и исчерпывающей оценки. Цель данной работы – показать значение творчества Федора Васильева для русской художественной культуры и доказать, что его необходимо продолжать изучать.

August Macke

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Walter Cohen, August Macke
Auguste Macke (1887-1914) est un maitre de l’expressionnisme allemand, un mouvement qui s’est developpe au debut des annees 1900. Les expressionnistes voulaient utiliser l’art pour depeindre les emotions davantage que les choses materielles et la realite, en insistant particulierement sur les idees noires, la tragedie et l’« Angst », l’angoisse. Macke maitrisait les formes et les couleurs, produisant des toiles captivantes qui provoquent encore de nos jours un sentiment de sympathie chez le spectateur. Il etait aussi a l’aise en depeignant les rues ensoleillees de Tunisie, que le ciel nuageux autour de la cathedrale de Bonn et la foule sans visage d’une gare pleine de monde. Dans ce texte complet, Walter Cohen se penche sur la courte vie d’un artiste dont le potentiel sans limites a tragiquement ete stoppe par sa mort prematuree.

Seurat

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Lucie Cousturier
Connu pour la subtilite de ses toiles pointillistes, Georges Seurat (1859-1891) etait un peintre unifiant l’art et la science, qui obtenait des resultats exceptionnels. Il pouvait prendre des annees pour terminer ses peintures qui impressionnaient alors le spectateur par leur complexite scientifique et leur impact visuel. Klaus H. Carl offre aux lecteurs un apercu fascinant de la technique scientifique se cachant derriere les chefs-d’?uvre pointillistes de Seurat.

Felix Vallotton

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Felix Vallotton, ne a Lausanne le 28 decembre 1865 et mort a Paris le 29 decembre 1925, est un artiste peintre, sculpteur et graveur sur bois Suisse, naturalise Francais en 1900. En une dizaine d’annees, Vallotton parvient a se faire un nom aupres de lavant-garde parisienne. Sa renommee devient internationale grace a ses gravures sur bois et a ses illustrations en noir et blanc qui font sensation. Il expose regulierement a Paris, et dans le reste de l’Europe. Il epouse en secondes noces Gabrielle Rodrigues-Henrique, filles et s?ur des Bernheim-Jeune, marchands dart parisiens reputes. Il parvient a simposer en beneficiant de laide efficace de son frere Paul, qui dirige a Lausanne la succursale de la galerie Bernheim-Jeune. Vallotton est un formidable peintre, de la femme et en particulier; ses nus sont aussi sensuels que ceux d’Amedeo Modigliani. Il a ete inhume au cimetiere du Montparnasse en 1925.

Felix Vallotton

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaia

Seurat

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Klaus H. Carl
Universally celebrated for the intricacy of his pointillist canvases, Georges Seurat (1859-1891) was a painter whose stunning union of art and science produced uniquely compelling results. Seurat’s intricate paintings could take years to complete, with the magnificent results impressing the viewer with both their scientific complexity and visual impact. His Un Dimanche Apres-Midi a l’Ile de la Grande Jatte (Sunday Afternoon on the Island of Grand Jatte) has held its place among the most treasured and distinguished pieces of 20th-century art. Klaus H. Carl offers readers an intriguing glimpse into the detailed scientific technique behind Seurat’s pointillist masterpieces.

Paul Signac

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
Inspired by Monet’s work at a young age, Paul Signac (1863-1935) was a friend and disciple of Georges Seurat who combined the scientific precision of pointillism with the vivid colors and emotional expressivity of Impressionism. A close personal friend of Vincent van Gogh, who was a great admirer of his techniques, Signac traveled the world in search of inspiration for his monumental canvases. This book examines the intricacies of Signac’s celebrated technique, as well as showcasing the details of some of his most celebrated works.

The Origin of the World

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Lacan, the last owner of Courbet’s The Origin of the World, loved the painting so much that he couldn’t even bring himself to look at it. Instead, he hid it behind a “safer” painting. The Chinese called it the “valley of the roses” (watch out for the thorns!), the Persians, the “honey-pot” (watch out for the bees!), and the Greeks, “the mound of Venus” (mind the steep climb!); to each era its fantasies and its theories about the feminine mystique. Then there are the testimonies of poets, painters, and even of some famous psychiatrists. The Origin of the World is a work of art only suitable for lovers of intrigue.

Van Dyck

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Natalia Gritsai
From the time he set up his first studio at the tender age of sixteen, Sir Anthony Van Dyck (1599-1641) was a legend in the art world. Rubens, whom he studied with as a child, said that he was his most talented pupil, and he went on to spectacularly fulfill this promise with a career as a celebrated court painter in England and Spain. Historians, scholars, and art lovers alike continue to recognize the sophistication and timeless beauty of his works. In this fascinating compendium of Van Dyck’s decades-long career, Natalia Gritsai highlights the best of the artist’s many masterpieces.

Franz Marc

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Klaus H. Carl
Condemned by the Nazis as a degenerate artist, Franz Marc (1880-1916) was a German painter whose stark linearity and emotive use of color eloquently expressed the pain and trauma of war. In work such as his celebrated Fate of the Animals, Marc created a raw emotional expression of primitive violence which he called a premonition of the war which would eventually be the cause of his own untimely death at the age of 36.

Arcimboldo

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Liana De Girolami Cheney
If, as the famous saying goes, you really are what you eat, then Giuseppe Arcimboldo (1527-1593) was a consummate painter of the human soul. This artist was a master draftsman whose finely wrought canvases captured the imagination of his generation. In this fascinating book, Liana De Girolami Cheney takes a closer look at the critical history of Arcimboldo’s work, from his initial popularity and the tragic obscurity that followed his death, to the ventual triumphant revival of his work and vision by Surrealist admirers of the 1920s.

August Macke

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Walter Cohen
August Macke (1887-1914) was a master of German Expressionism, a movement which sprang up in the early 1900s with the intent to forego physical reality in search of its emotional counterpart, with a particular emphasis on expressing dark moods of tragedy and angst. Macke was a master of color and form, producing eye-catching canvases that evoke a strong sympathetic reaction in the viewer. He was equally at home portraying the sun drenched streets of Tunisia, the cloudy sky around the Bonn cathedral, and the faceless multitude of a crowded railway station. In this compelling text, Walter Cohen examines the brief life of an artist whose seemingly limitless potential was tragically cut short by his untimely death.

Burne-Jones

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Patrick Bade
Burne-Jones’ oeuvre can be understood as an attempt to create in paint a world of perfect beauty, as far removed from the Birmingham of his youth as possible. At that time Birmingham was a byword for the dire effects of unregulated capitalism – a booming, industrial conglomeration of unimaginable ugliness and squalor. The two great French symbolist painters, Gustave Moreau and Pierre Puvis de Chavannes, immediately recognised Burne-Jones as an artistic fellow traveller. But, it is very unlikely that Burne-Jones would have accepted or even, perhaps, have understood the label of ‘symbolist’. Yet he seems to have been one of the most representative figures of the symbolist movement and of that pervasive mood termed “fin-de-siecle”. Burne-Jones is usually labelled as a Pre-Raphaelite. In fact he was never a member of the Brotherhood formed in 1848. Burne-Jones’ brand of Pre-Raphaelitism derives not from Hunt and Millais but from Dante Gabriel Rossetti. Burne-Jones’ work in the late 1850s is, moreover, closely based on Rossetti’s style. His feminine ideal is also taken from that of Rossetti, with abundant hair, prominent chins, columnar necks and androgynous bodies hidden by copious medieval gowns. The prominent chins remain a striking feature of both artists’ depictions of women. From the 1860s their ideal types diverge. As Rossetti’s women balloon into ever more fleshy opulence, Burne-Jones’ women become more virginal and ethereal to the point where, in some of the last pictures, the women look anorexic. In the early 1870s Burne-Jones painted several mythical or legendary pictures in which he seems to have been trying to exorcise the traumas of his celebrated affair with Mary Zambaco. No living British painter between Constable and Bacon enjoyed the kind of international acclaim that Burne-Jones was accorded in the early 1890s. This great reputation began to slip in the latter half of the decade, however, and it plummeted after 1900 with the triumph of Modernism. With hindsight we can see this flatness and the turning away from narrative as characteristic of early Modernism and the first hesitant steps towards Abstraction. It is not as odd at it seems that Kandinsky cited Rossetti and Burne-Jones as forerunners of Abstraction in his book, “Concerning the Spiritual in Art”.

Velasquez

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Klaus H. Carl
Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (June 1599 – August 6 1660), known as Diego Velasquez, was a painter of the Spanish Golden Age who had considerable influence at the court of King Philip IV. Along with Francisco Goya and Le Greco, he is generally considered to be one of the greatest artists in Spanish history. His style, whilst remaining very personal, belongs firmly in the Baroque movement. Velazquez’s two visits to Italy, evidenced by documents from that time, had a strong effect on the manner in which his work evolved. Besides numerous paintings with historical and cultural value, Diego Velasquez painted numerous portraits of the Spanish Royal Family, other major European figures, and even of commoners. His artistic talent, according to general opinion, reached its peak in 1656 with the completion of Las Meninas, his great masterpiece. In the first quarter of the 19th century, Velazquezs style was taken as a model by Realist and Impressionist painters, in particular by Edouard Manet. Since then, further contemporary artists such as Pablo Picasso and Salvador Dali have paid homage to their famous compatriot by recreating several of his most famous works.

Sisley

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
A painter of the Impressionist movement, Alfred Sisley was born on October 30th 1839 in Paris but was of British origin. He died on January 29th 1899 in Moret-sur-Loing. Growing up in a musical family, he chose to pursue painting rather than the field of business. In 1862 he enrolled in Gleyre’s studio where he encountered Renoir, Monet, and Bazille. The four friends left their master’s studio in March 1863 to work outdoors, setting their easels to paint the forest scenes of Fontainebleau. Sisley tirelessly chose the sky and water as subjects for his paintings, animated as they were by the changing reflections of light, for his landscapes of the regions surrounding Paris, Louveciennes, and Marly-le-Roi. This was in keeping with the painting styles of Constable, Bonington, and Turnet. Even if he had been influenced by Monet’s work at some point, Sisley drew away from his friend’s style due to his own desire for his work to follow the structure of forms. Sensitive to the changing seasons, he liked to portray spring with its blooming orchards, but it was the wintry and snowy countryside which Sisley was particularly attracted to. His reserved temperament preferred mystery and silence to the splendour of Renoir’s sunny landscapes.

Pollock

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Donald Wigal
Born in 1912, in a small town in Wyoming, Jackson Pollock embodied the American dream as the country found itself confronted with the realities of a modern era replacing the fading nineteenth century. Pollock left home in search of fame and fortune in New York City. Thanks to the Federal Art Project he quickly won acclaim, and after the Second World War became the biggest art celebrity in America. For De Kooning, Pollock was the “icebreaker”. For Max Ernst and Masson, Pollock was a fellow member of the European Surrealist movement. And for Motherwell, Pollock was a legitimate candidate for the status of the Master of the American School. During the many upheavals in his life in Nez York in the 1950s and 60s, Pollock lost his bearings - success had simply come too fast and too easily. It was during this period that he turned to alcohol and disintegrated his marriage to Lee Krasner. His life ended like that of 50s film icon James Dean behind the wheel of his Oldsmobile, after a night of drinking.

Pissarro

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
“Father Pissarro”, as his friends liked to call him, was the most restrained of the artists of the Impressionist movement. Perhaps it was his age, being older than his fellow artists Monet, Sisley, Bazille, and Renoir, or rather his maturity, which resulted in his works having such serene and sober subjects and compositions. A man of simple tastes, he enjoyed painting peasants going about their daily lives. However, Pissarro owes his belated fame to his urban landscapes, which he treated with the same passion he used to paint beautiful stormy skies and frost-whitened mornings.

Leonardo Da Vinci

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Gabriel Seailles
Leonardo’s early life was spent in Florence, his maturity in Milan, and the last three years of his life in France. Leonardo’s teacher was Verrocchio. First he was a goldsmith, then a painter and sculptor: as a painter, representative of the very scientific school of draughtsmanship; more famous as a sculptor, being the creator of the Colleoni statue at Venice, Leonardo was a man of striking physical attractiveness, great charm of manner and conversation, and mental accomplishment. He was well grounded in the sciences and mathematics of the day, as well as a gifted musician. His skill in draughtsmanship was extraordinary; shown by his numerous drawings as well as by his comparatively few paintings. His skill of hand is at the service of most minute observation and analytical research into the character and structure of form. Leonardo is the first in date of the great men who had the desire to create in a picture a kind of mystic unity brought about by the fusion of matter and spirit. Now that the Primitives had concluded their experiments, ceaselessly pursued during two centuries, by the conquest of the methods of painting, he was able to pronounce the words which served as a password to all later artists worthy of the name: painting is a spiritual thing, cosa mentale. He completed Florentine draughtsmanship in applying to modelling by light and shade, a sharp subtlety which his predecessors had used only to give greater precision to their contours. This marvellous draughtsmanship, this modelling and chiaroscuro he used not solely to paint the exterior appearance of the body but, as no one before him had done, to cast over it a reflection of the mystery of the inner life. In the Mona Lisa and his other masterpieces he even used landscape not merely as a more or less picturesque decoration, but as a sort of echo of that interior life and an element of a perfect harmony. Relying on the still quite novel laws of perspective this doctor of scholastic wisdom, who was at the same time an initiator of modern thought, substituted for the discursive manner of the Primitives the principle of concentration which is the basis of classical art. The picture is no longer presented to us as an almost fortuitous aggregate of details and episodes. It is an organism in which all the elements, lines and colours, shadows and lights, compose a subtle tracery converging on a spiritual, a sensuous centre. It was not with the external significance of objects, but with their inward and spiritual significance, that Leonardo was occupied.

Klee

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Donald Wigal
An emblematic figure of the early 20th century, Paul Klee participated in the expansive Avant-Garde movements in Germany and Switzerland. From the vibrant Blaue Reiter movement to Surrealism at the end of the 1930s and throughout his teaching years at the Bauhaus, he attempted to capture the organic and harmonic nature of painting by alluding to other artistic mediums such as poetry, literature, and, above all, music. While he collaborated with artists like August Macke and Alexej von Jawlensky, his most famous partnership was with the abstract expressionist, Wassily Kandinsky.

Durer

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Klaus H. Carl
Durer is the greatest of German artists and most representative of the German mind. He, like Leonardo, was a man of striking physical attractiveness, great charm of manner and conversation, and mental accomplishment, being well grounded in the sciences and mathematics of the day. His skill in draughtsmanship was extraordinary; Durer is even more celebrated for his engravings on wood and copper than for his paintings. With both, the skill of his hand was at the service of the most minute observation and analytical research into the character and structure of form. Durer, however, had not the feeling for abstract beauty and ideal grace that Leonardo possessed; but instead, a profound earnestness, a closer interest in humanity, and a more dramatic invention. Durer was a great admirer of Luther; and in his own work is the equivalent of what was mighty in the Reformer. It is very serious and sincere; very human, and addressed the hearts and understanding of the masses. Nuremberg, his hometown, had become a great centre of printing and the chief distributor of books throughout Europe. Consequently, the art of engraving upon wood and copper, which may be called the pictorial branch of printing, was much encouraged. Of this opportunity Durer took full advantage. The Renaissance in Germany was more a moral and intellectual than an artistic movement, partly due to northern conditions. The feeling for ideal grace and beauty is fostered by the study of the human form, and this had been flourishing predominantly in southern Europe. But Albrecht Durer had a genius too powerful to be conquered. He remained profoundly Germanic in his stormy penchant for drama, as was his contemporary Mathias Grunewald, a fantastic visionary and rebel against all Italian seductions. Durer, in spite of all his tense energy, dominated conflicting passions by a sovereign and speculative intelligence comparable with that of Leonardo. He, too, was on the border of two worlds, that of the Gothic age and that of the modern age, and on the border of two arts, being an engraver and draughtsman rather than a painter.

OKeeffe

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Gerry Souter
In 1905 Georgia travelled to Chicago to study painting at the Art Institute of Chicago. In 1907 she enrolled at the Art Students’ League in New York City, where she studied with William Merritt Chase. During her time in New York she became familiar with the 291 Gallery owned by her future husband, photographer Alfred Stieglitz. In 1912, she and her sisters studied at university with Alon Bement, who employed a somewhat revolutionary method in art instruction originally conceived by Arthur Wesley Dow. In Bement’s class, the students did not mechanically copy nature, but instead were taught the principles of design using geometric shapes. They worked at exercises that included dividing a square, working within a circle and placing a rectangle around a drawing, then organising the composition by rearranging, adding or eliminating elements. It sounded dull and to most students it was. But Georgia found that these studies gave art its structure and helped her understand the basics of abstraction. During the 1920s O’Keeffe also produced a huge number of landscapes and botanical studies during annual trips to Lake George. With Stieglitz’s connections in the arts community of New York – from 1923 he organised an O’Keeffe exhibition annually – O’Keeffe’s work received a great deal of attention and commanded high prices. She, however, resented the sexual connotations people attached to her paintings, especially during the 1920s when Freudian theories became a form of what today might be termed “pop psychology”. The legacy she left behind is a unique vision that translates the complexity of nature into simple shapes for us to explore and make our own discoveries. She taught us there is poetry in nature and beauty in geometry. Georgia O’Keeffe’s long lifetime of work shows us new ways to see the world, from her eyes to ours.

Munch

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Patrick Bade
Edvard Munch, born in 1863, was Norways most popular artist. His brooding and anguished paintings, based on personal grief and obsessions, were instrumental in the development of Expressionism. During his childhood, the death of his parents, his brother and sister, and the mental illness of another sister, were of great influence on his convulsed and tortuous art. In his works, Munch turned again and again to the memory of illness, death and grief. During his career, Munch changed his idiom many times. At first, influenced by Impressionism and Post-impressionism, he turned to a highly personal style and content, increasingly concerned with images of illness and death. In the 1892s, his style developed a ‘Synthetist idiom as seen in The Scream (1893) which is regarded as an icon and the portrayal of modern humanitys spiritual and existential anguish. He painted different versions of it. During the 1890s Munch favoured a shallow pictorial space, and used it in his frequently frontal pictures. His work often included the symbolic portrayal of such themes as misery, sickness, and death. and the poses of his figures in many of his portraits were chosen in order to capture their state of mind and psychological condition. It also lends a monumental, static quality to the paintings. In 1892, the Union of Berlin Artists invited Munch to exhibit at its November exhibition. His paintings invoked bitter controversy at the show, and after one week the exhibition closed. In the 1930s and 1940s, the Nazis labeled his work “degenerate art”, and removed his works from German museums. This deeply hurt the anti-fascist Munch, who had come to feel Germany was his second homeland. In 1908 Munchs anxiety became acute and he was hospitalized. He returned to Norway in 1909 and died in Oslo in 1944.

Mucha

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Patrick Bade
Born in 1860 in a small Czech town, Alphonse Mucha (1860-1939) was an artist on the forefront of Art Nouveau, the modernist movement that swept Paris in the 1910s, marking a return to the simplicity of natural forms, and changing the world of art and design forever. In fact, Art Nouveau was known to insiders as the “Mucha style” for the legions of imitators who adapted the master’s celebrated tableaux. Today, his distinctive depictions of lithe young women in classical dress have become a pop cultural touchstone, inspiring album covers, comic books, and everything in between. Patrick Bade and Victoria Charles offer readers an inspiring survey of Mucha’s career, illustrated with over one hundred lustrous images, from early Parisian advertisements and posters for Sandra Bernhardt, to the famous historical murals painted just before his death, at the age of 78, in 1939.

Michelangelo

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Eugene Muntz
Michelangelo, like Leonardo, was a man of many talents; sculptor, architect, painter and poet, he made the apotheosis of muscular movement, which to him was the physical manifestation of passion. He moulded his draughtsmanship, bent it, twisted it, and stretched it to the extreme limits of possibility. There are not any landscapes in Michelangelos painting. All the emotions, all the passions, all the thoughts of humanity were personified in his eyes in the naked bodies of men and women. He rarely conceived his human forms in attitudes of immobility or repose. Michelangelo became a painter so that he could express in a more malleable material what his titanesque soul felt, what his sculptors imagination saw, but what sculpture refused him. Thus this admirable sculptor became the creator, at the Vatican, of the most lyrical and epic decoration ever seen: the Sistine Chapel. The profusion of his invention is spread over this vast area of over 900 square metres. There are 343 principal figures of prodigious variety of expression, many of colossal size, and in addition a great number of subsidiary ones introduced for decorative effect. The creator of this vast scheme was only thirty-four when he began his work. Michelangelo compels us to enlarge our conception of what is beautiful. To the Greeks it was physical perfection; but Michelangelo cared little for physical beauty, except in a few instances, such as his painting of Adam on the Sistine ceiling, and his sculptures of the Pieta. Though a master of anatomy and of the laws of composition, he dared to disregard both if it were necessary to express his concept: to exaggerate the muscles of his figures, and even put them in positions the human body could not naturally assume. In his later painting, The Last Judgment on the end wall of the Sistine, he poured out his soul like a torrent. Michelangelo was the first to make the human form express a variety of emotions. In his hands emotion became an instrument upon which he played, extracting themes and harmonies of infinite variety. His figures carry our imagination far beyond the personal meaning of the names attached to them.

Kahlo

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Gerry Souter
Behind Frida Kahlo’s portraits, lies the story of both her life and work. It is precisely this combination that draws the reader in. Frida’s work is a record of her life, and rarely can we learn so much about an artist from what she records inside the picture frame. Frida Kahlo truly is Mexico’s gift to the history of art. She was just eighteen years old when a terrible bus accident changed her life forever, leaving her handicapped and burdened with constant physical pain. But her explosive character, raw determination and hard work helped to shape her artistic talent. And although he was an obsessive womanizer, the great painter Diego Rivera was by her side. She won him over with her charm, talent and intelligence, and Kahlo learnt to lean on the success of her companion in order to explore the world, thus creating her own legacy whilst finding herself surrounded by a close-knit group of friends. Her personal life was turbulent, as she frequently left her relationship with Diego to one side whilst she cultivated her own bisexual relationships. Despite this, Frida and Diego managed to save their frayed relationship. The story and the paintings that Frida left us display a courageous account of a woman constantly on a search of self discovery.

Constable

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
John Constable was the first English landscape painter to take no lessons from the Dutch. He is rather indebted to the landscapes of Rubens, but his real model was Gainsborough, whose landscapes, with great trees planted in well-balanced masses on land sloping upwards towards the frame, have a rhythm often found in Rubens. Constable’s originality does not lie in his choice of subjects, which frequently repeated themes beloved by Gainsborough. Nevertheless, Constable seems to belong to a new century; he ushered in a new era. The difference in his approach results both from technique and feeling. Excepting the French, Constable was the first landscape painter to consider as a primary and essential task the sketch made direct from nature at a single sitting; an idea which contains in essence the destinies of modern landscape, and perhaps of most modern painting. It is this momentary impression of all things which will be the soul of the future work. Working at leisure upon the large canvas, an artist’s aim is to enrich and complete the sketch while retaining its pristine freshness. These are the two processes to which Constable devoted himself, while discovering the exuberant abundance of life in the simplest of country places. He had the palette of a creative colourist and a technique of vivid hatchings heralding that of the French impressionists. He audaciously and frankly introduced green into painting, the green of lush meadows, the green of summer foliage, all the greens which, until then, painters had refused to see except through bluish, yellow, or more often brown spectacles. Of the great landscape painters who occupied so important a place in nineteenth-century art, Corot was probably the only one to escape the influence of Constable. All the others are more or less direct descendants of the master of East Bergholt.

Whistler

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Whistler suddenly shot to fame like a meteor at a crucial moment in the history of art, a field in which he was a pioneer. Like the impressionists, with whom he sided, he wanted to impose his own ideas. Whistler’s work can be divided into four periods. The first may be called a period of research in which he was influenced by the Realism of Gustave Courbet and by Japanese art. Whistler then discovered his own originality in the Nocturnes and the Cremorne Gardens series, thereby coming into conflict with the academics who wanted a work of art to tell a story. When he painted the portrait of his mother, Whistler entitled it Arrangement in Grey and Black and this is symbolic of his aesthetic theories. When painting the Cremorne Pleasure Gardens it was not to depict identifiable figures, as did Renoir in his work on similar themes, but to capture an atmosphere. He loved the mists that hovered over the banks of the Thames, the pale light, and the factory chimneys which at night turned into magical minarets. Night redrew landscapes, effacing the details. This was the period in which he became an adventurer in art; his work, which verged on abstraction, shocked his contemporaries. The third period is dominated by the full-length portraits that brought him his fame. He was able to imbue this traditional genre with his profound originality. He tried to capture part of the souls of his models and placed the characters in their natural habitats. This gave his models a strange presence so that they seem about to walk out of the picture to physically encounter the viewer. By extracting the poetic substance from individuals he created portraits described as “mediums” by his contemporaries, and which were the inspiration for Oscar Wilde’s The Picture of Dorian Gray. Towards the end of his life, the artist began painting landscapes and portraits in the classical tradition, strongly influenced by Velazquez. Whistler proved to be extremely rigorous in ensuring his paintings coincided with his theories. He never hesitated in crossing swords with the most famous art theoreticians of his day. His personality, his outbursts, and his elegance were a perfect focus for curiosity and admiration. He was a close friend of Stephane Mallarme, and admired by Marcel Proust, who rendered homage to him in A La Recherche du Temps Perdu. He was also a provocative dandy, a prickly socialite, a demanding artist, and a daring innovator.

Turner

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Stephanie Angoh
At fifteen, Turner was already exhibiting View of Lambeth. He soon acquired the reputation of an immensely clever watercolourist. A disciple of Girtin and Cozens, he showed in his choice and presentation of theme a picturesque imagination which seemed to mark him out for a brilliant career as an illustrator. He travelled, first in his native land and then on several occasions in France, the Rhine Valley, Switzerland and Italy. He soon began to look beyond illustration. However, even in works in which we are tempted to see only picturesque imagination, there appears his dominant and guiding ideal of lyric landscape. His choice of a single master from the past is an eloquent witness for he studied profoundly such canvases of Claude as he could find in England, copying and imitating them with a marvellous degree of perfection. His cult for the great painter never failed. He desired his Sun Rising through Vapour and Dido Building Carthage to be placed in the National Gallery side by side with two of Claude’s masterpieces. And, there, we may still see them and judge how legitimate was this proud and splendid homage. It was only in 1819 that Turner went to Italy, to go again in 1829 and 1840. Certainly Turner experienced emotions and found subjects for reverie which he later translated in terms of his own genius into symphonies of light and colour. Ardour is tempered with melancholy, as shadow strives with light. Melancholy, even as it appears in the enigmatic and profound creation of Albrecht Durer, finds no home in Turner’s protean fairyland – what place could it have in a cosmic dream? Humanity does not appear there, except perhaps as stage characters at whom we hardly glance. Turner’s pictures fascinate us and yet we think of nothing precise, nothing human, only unforgettable colours and phantoms that lay hold on our imaginations. Humanity really only inspires him when linked with the idea of death – a strange death, more a lyrical dissolution – like the finale of an opera.

Toulouse-Lautrec

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Lautrec studied with two of the most admired academic painters of the day, Leon Bonnat and Fernand Cormon. Lautrec’s time in the studios of Bonnat and Cormon had the advantage of introducing him to the nude as a subject. At that time life-drawing of the nude was the basis of all academic art training in nineteenth-century Paris. While still a student, Lautrec began to explore Parisian nightlife, which was to provide him with his greatest inspiration, and eventually undermined his health. Lautrec was an artist able to stamp his vision of the age in which he lived upon the imagination of future generations. Just as we see the English court of Charles I through the eyes of van Dyck and the Paris of Louis-Philippe through the eyes of Daumier, so we see the Paris of the 1890s and its most colourful personalities, through the eyes of Lautrec. The first great personality of Parisian nightlife whom Lautrec encountered – and a man who was to play an important role in helping Lautrec develop his artistic vision – was the cabaret singer Aristide Bruant. Bruant stood out as an heroic figure in what was the golden age of Parisian cabaret. Among the many other performers inspiring Lautrec in the 1890s were the dancers La Goulue and Valentin-le-Desosse (who both appear in the famous Moulin Rouge poster), and Jane Avril and Loie Fuller, the singers Yvette Guilbert, May Belfort and Marcelle Lender, and the actress Rejane. Lautrec was, along with Degas, one of the great poets of the brothel. Degas explored the theme in the late 1870s in a series of monotype prints that are among his most remarkable and personal works. He depicts the somewhat ungainly posturing of the prostitutes and their clients with human warmth and a satirical humour that brings these prints closer to the art of Lautrec than anything else by Degas. However, the truthfulness with which Lautrec portrayed those aspects of life that most of his more respectable contemporaries preferred to sweep under the carpet naturally caused offence. The German critic Gensel probably spoke for many when he wrote: “There can of course be no talk of admiration for someone who is the master of the representation of all that is base and perverse. The only explanation as to how such filth – there can be no milder term for it – as Elles can be publicly exhibited without an outcry of indignations being heard is that one half of the general public does not understand the meaning of this cycle at all, and the other is ashamed of admitting that it does understand it.”

Schiele

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Stephanie Angoh
Egon Schiele’s work is so distinctive that it resists categorisation. Admitted to the Vienna Academy of Fine Arts at just sixteen, he was an extraordinarily precocious artist, whose consummate skill in the manipulation of line, above all, lent a taut expressivity to all his work. Profoundly convinced of his own significance as an artist, Schiele achieved more in his abruptly curtailed youth than many other artists achieved in a full lifetime. His roots were in the Jugendstil of the Viennese Secession movement. Like a whole generation, he came under the overwhelming influence of Vienna’s most charismatic and celebrated artist, Gustav Klimt. In turn, Klimt recognised Schiele’s outstanding talent and supported the young artist, who within just a couple of years, was already breaking away from his mentor’s decorative sensuality. Beginning with an intense period of creativity around 1910, Schiele embarked on an unflinching expose of the human form – not the least his own – so penetrating that it is clear he was examining an anatomy more psychological, spiritual and emotional than physical. He painted many townscapes, landscapes, formal portraits and allegorical subjects, but it was his extremely candid works on paper, which are sometimes overtly erotic, together with his penchant for using under-age models that made Schiele vulnerable to censorious morality. In 1912, he was imprisoned on suspicion of a series of offences including kidnapping, rape and public immorality. The most serious charges (all but that of public immorality) were dropped, but Schiele spent around three despairing weeks in prison. Expressionist circles in Germany gave a lukewarm reception to Schiele’s work. His compatriot, Kokoschka, fared much better there. While he admired the Munich artists of Der Blaue Reiter, for example, they rebuffed him. Later, during the First World War, his work became better known and in 1916 he was featured in an issue of the left-wing, Berlin-based Expressionist magazine Die Aktion. Schiele was an acquired taste. From an early stage he was regarded as a genius. This won him the support of a small group of long-suffering collectors and admirers but, nonetheless, for several years of his life his finances were precarious. He was often in debt and sometimes he was forced to use cheap materials, painting on brown wrapping paper or cardboard instead of artists’ paper or canvas. It was only in 1918 that he enjoyed his first substantial public success in Vienna. Tragically, a short time later, he and his wife Edith were struck down by the massive influenza epidemic of 1918 that had just killed Klimt and millions of other victims, and they died within days of one another. Schiele was just twenty-eight years old.

Rodin

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Rainer Maria Rilke
Influenced by the masters of Antiquity, the genius of Michelangelo and Baroque sculpture, particularly of Bernini, Auguste Rodin (1840-1917) is one of the most renowned artists in history. Though Rodin is considered a founder of modern sculpture, he did not set out to critique past classical traditions. Many of his sculptures were criticised and considered controversial because of their sensuality or hyperrealist qualities. His most original works departed from traditional themes of mythology and allegory, and embraced the human body, celebrating individualism and physicality. This book uncovers the life and career of this highly acclaimed artist by exploring his most famous works of art, such as the Gates of Hell, The Thinker and the infamous The Kiss.

Mondrian

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Piet Mondrian (1872-1944), who can be assigned to the school of classical modernism, was born in Amersfort, Netherlands. After studying in Amsterdam, he started his artist?s career in the impressionist style as a figure and landscape painter. His works from these years showed the influence of Vincent Van Gogh (1853-1890) and of Fauvism, a French school from the beginning of the 20th century. When he traveled to Paris in 1911, he discovered Pablo Picasso?s works (1881-1973) and, with that, Cubism. He thereafter became a pioneer of abstract painting in the Netherlands. From the 1920s on, his paintings show a vertical and horizontal composition that, combined with the oppositions of blue, yellow, red, and noncolored spaces, turned into his trademark. His art was very appreciated in New York, where he spent his last years. Mondrian was not only a painter but also an art theoretician and cofounder of the art school De Stijl.

Modigliani

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
Modigliani (1884-1920) was a painter of great unhappiness in his native Italy and felt only sorrow in his adopted country of France. Out of this discontent came forth Modigliani’s original work, which was influenced by African art, the Cubists, and drunken nights in Montparnasse. His portrayal of women—sensual bodies, almost aggressive nudity, and mysterious faces—expresses their suffering and feelings of being unloved and unjustly disregarded. Modigliani died at the age of 36.

Klimt

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Patrick Bade
“I am not interested in myself as a subject for painting, but in others, particularly women…”Beautiful, sensuous and above all erotic, Gustav Klimt’s paintings speak of a world of opulence and leisure, which seems aeons away from the harsh, post-modern environment we live in now. The subjects he treats – allegories, portraits, landscapes and erotic figures – contain virtually no reference to external events, but strive rather to create a world where beauty, above everything else, is dominant. His use of colour and pattern was profoundly influenced by the art of Japan, ancient Egypt, and Byzantium. Ravenne, the flat, two-dimensional perspective of his paintings, and the frequently stylised quality of his images form an oeuvre imbued with a profound sensuality and one where the figure of woman, above all, reigns supreme. Klimt’s very first works brought him success at an unusually young age. Gustav, born in 1862, obtained a state grant to study at Kunstgewerbeschule (the Vienna School of Arts and Crafts) at the age of fourteen. His talents as a draughtsman and painter were quickly noticed, and in 1879 he formed the Kunstlercompagnie (Artists’ Company) with his brother Ernst and another student, Franz Matsch. The latter part of the nineteenth century was a period of great architectural activity in Vienna. In 1857, the Emperor Franz Joseph had ordered the destruction of the fortifications that had surrounded the medieval city centre. The Ringstrasse was the result, a budding new district with magnificent buildings and beautiful parks, all paid for by public expenses. Therefore the young Klimt and his partners had ample opportunities to show off their talents, and they received early commissions to contribute to the decorations for the pageant organised to celebrate the silver wedding anniversary of the Emperor Franz Joseph and the Empress Elisabeth. In 1894, Matsch moved out of their communal studio, and in 1897 Klimt, together with his closest friends, resigned from the Kunstlerhausgenossenschaft (the Cooperative Society of Austrian Artists) to form a new movement known as the Secession, of which he was immediately elected president. The Secession was a great success, holding both a first and second exhibition in 1898. The movement made enough money to commission its very own building, designed for it by the architect Joseph Maria Olbrich. Above the entrance was its motto: “To each age its art, to art its freedom.” From around 1897 onward, Klimt spent almost every summer on the Attersee with the Floge family. These were periods of peace and tranquillity in which he produced the landscape paintings constituting almost a quarter of his entire oeuvre. Klimt made sketches for virtually everything he did. Sometimes there were over a hundred drawings for one painting, each showing a different detail – a piece of clothing or jewellery, or a simple gesture. Just how exceptional Gustav Klimt was is perhaps reflected in the fact that he had no predecessors and no real followers. He admired Rodin and Whistler without slavishly copying them, and was admired in turn by the younger Viennese painters Egon Schiele and Oskar Kokoschka, both of whom were greatly influenced by Klimt.

Goya

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
Goya is perhaps the most approachable of painters. His art, like his life, is an open book. He concealed nothing from his contemporaries, and offered his art to them with the same frankness. The entrance to his world is not barricaded with technical difficulties. He proved that if a man has the capacity to live and multiply his experiences, to fight and work, he can produce great art without classical decorum and traditional respectability. He was born in 1746, in Fuendetodos, a small mountain village of a hundred inhabitants. As a child he worked in the fields with his two brothers and his sister until his talent for drawing put an end to his misery. At fourteen, supported by a wealthy patron, he went to Saragossa to study with a court painter and later, when he was nineteen, on to Madrid. Up to his thirty-seventh year, if we leave out of account the tapestry cartoons of unheralded decorative quality and five small pictures, Goya painted nothing of any significance, but once in control of his refractory powers, he produced masterpieces with the speed of Rubens. His court appointment was followed by a decade of incessant activity – years of painting and scandal, with intervals of bad health. Goya’s etchings demonstrate a draughtsmanship of the first rank. In paint, like Velazquez, he is more or less dependent on the model, but not in the detached fashion of the expert in still-life. If a woman was ugly, he made her a despicable horror; if she was alluring, he dramatised her charm. He preferred to finish his portraits at one sitting and was a tyrant with his models. Like Velazquez, he concentrated on faces, but he drew his heads cunningly, and constructed them out of tones of transparent greys. Monstrous forms inhabit his black-and-white world: these are his most profoundly deliberated productions. His fantastic figures, as he called them, fill us with a sense of ignoble joy, aggravate our devilish instincts and delight us with the uncharitable ecstasies of destruction. His genius attained its highest point in his etchings on the horrors of war. When placed beside the work of Goya, other pictures of war pale into sentimental studies of cruelty. He avoided the scattered action of the battlefield, and confined himself to isolated scenes of butchery. Nowhere else did he display such mastery of form and movement, such dramatic gestures and appalling effects of light and darkness. In all directions Goya renewed and innovated.

Degas

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Degas was closest to Renoir in the impressionist’s circle, for both favoured the animated Parisian life of their day as a motif in their paintings. Degas did not attend Gleyre’s studio; most likely he first met the future impressionists at the Cafe Guerbois. He started his apprenticeship in 1853 at the studio of Louis-Ernest Barrias and, beginning in 1854, studied under Louis Lamothe, who revered Ingres above all others, and transmitted his adoration for this master to Edgar Degas. Starting in 1854 Degas travelled frequently to Italy: first to Naples, where he made the acquaintance of his numerous cousins, and then to Rome and Florence, where he copied tirelessly from the Old Masters. His drawings and sketches already revealed very clear preferences: Raphael, Leonardo da Vinci, Michelangelo, and Mantegna, but also Benozzo Gozzoli, Ghirlandaio, Titian, Fra Angelico, Uccello, and Botticelli. During the 1860s and 1870s he became a painter of racecourses, horses and jockeys. His fabulous painter’s memory retained the particularities of movement of horses wherever he saw them. After his first rather complex compositions depicting racecourses, Degas learned the art of translating the nobility and elegance of horses, their nervous movements, and the formal beauty of their musculature. Around the middle of the 1860s Degas made yet another discovery. In 1866 he painted his first composition with ballet as a subject, Mademoiselle Fiocre dans le ballet de la Source (Mademoiselle Fiocre in the Ballet ‘The Spring’) (New York, Brooklyn Museum). Degas had always been a devotee of the theatre, but from now on it would become more and more the focus of his art. Degas’ first painting devoted solely to the ballet was Le Foyer de la danse a l’Opera de la rue Le Peletier (The Dancing Anteroom at the Opera on Rue Le Peletier) (Paris, Musee d’Orsay). In a carefully constructed composition, with groups of figures balancing one another to the left and the right, each ballet dancer is involved in her own activity, each one is moving in a separate manner from the others. Extended observation and an immense number of sketches were essential to executing such a task. This is why Degas moved from the theatre on to the rehearsal halls, where the dancers practised and took their lessons. This was how Degas arrived at the second sphere of that immediate, everyday life that was to interest him. The ballet would remain his passion until the end of his days.

Bosch

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Virginia Pitts Rembert
Hieronymus Bosch was painting frightening, yet vaguely likable monsters long before computer games were ever invented, often including a touch of humour. His works are assertive statements about the mental illness that befalls any man who abandons the teachings of Christ. With a life that spanned from 1450 to 1516, Bosch experienced the drama of the highly charged Renaissance and its wars of religion. Medieval tradition and values were crumbling, paving the way to thrust man into a new universe where faith lost some of its power and much of its magic. Bosch set out to warn doubters of the perils awaiting any and all who lost their faith in God. His favourite allegories were heaven, hell, and lust. He believed that everyone had to choose between one of two options: heaven or hell. Bosch brilliantly exploited the symbolism of a wide range of fruits and plants to lend sexual overtones to his themes, which author Virginia Pitts Rembert meticulously deciphers to provide readers with new insight into this fascinating artist and his works.

Van Gogh

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Vincent van Gogh’s life and work are so intertwined that it is hardly possible to observe one without thinking of the other. Van Gogh has indeed become the incarnation of the suffering, misunderstood martyr of modern art, the emblem of the artist as an outsider. An article, published in 1890, gave details about van Gogh’s illness. The author of the article saw the painter as “a terrible and demented genius, often sublime, sometimes grotesque, always at the brink of the pathological.” Very little is known about Vincent’s childhood. At the age of eleven he had to leave “the human nest”, as he called it himself, for various boarding schools. The first portrait shows us van Gogh as an earnest nineteen year old. At that time he had already been at work for three years in The Hague and, later, in London in the gallery Goupil & Co. In 1874 his love for Ursula Loyer ended in disaster and a year later he was transferred to Paris, against his will. After a particularly heated argument during Christmas holidays in 1881, his father, a pastor, ordered Vincent to leave. With this final break, he abandoned his family name and signed his canvases simply “Vincent”. He left for Paris and never returned to Holland. In Paris he came to know Paul Gauguin, whose paintings he greatly admired. The self-portrait was the main subject of Vincent’s work from 1886c88. In February 1888 Vincent left Paris for Arles and tried to persuade Gauguin to join him. The months of waiting for Gauguin were the most productive time in van Gogh’s life. He wanted to show his friend as many pictures as possible and decorate the Yellow House. But Gauguin did not share his views on art and finally returned to Paris. On 7 January, 1889, fourteen days after his famous self-mutilation, Vincent left the hospital where he was convalescing. Although he hoped to recover from and to forget his madness, but he actually came back twice more in the same year. During his last stay in hospital, Vincent painted landscapes in which he recreated the world of his childhood. It is said that Vincent van Gogh shot himself in the side in a field but decided to return to the inn and went to bed. The landlord informed Dr Gachet and his brother Theo, who described the last moments of his life which ended on 29 July, 1890: “I wanted to die. While I was sitting next to him promising that we would try to heal him. [...], he answered, ‘La tristesse durera toujours (The sadness will last forever).’”

Rubens

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
The eclectic art of which the Carracci family dreamed was realised by Rubens with the ease of genius. However, the problem was much more complicated for a man of the north, who wished to add to it a fusion of the Flemish and Latin spirits, of which the rather pedantic attempts of Romanism had illustrated the difficulties. He achieved it without losing anything of his overflowing personality, his questing imagination, and the enchanting discoveries of the greatest colourist known to painting. Rubens, the greatest master of Baroque painting’s exuberance, took from the Italian Renaissance what could be of use to him, and then built upon it a style of his own. It is distinguished by a wonderful mastery of the human form and an amazing wealth of splendidly lighted colour. He was a man of much intellectual poise and was accustomed to court life, travelling from court to court, with pomp, as a trusted envoy. Rubens was one of those rare mortals who do real honour to humanity. He was handsome, good and generous, and he loved virtue. His laborious life was well ordered. The creator of so many delightful pagan feasts went each morning to mass before proceeding to his studio. He was the most illustrious type of happy and perfectly balanced genius, and combined in his personage passion and science, ardour and reflection. Rubens expressed drama as well as joy, since nothing human was foreign to him, and he could command at will the pathos of colour and expression which he required in his religious masterpieces. It might be said that he was as prolific in the representation of the joy and exuberance of life as Michelangelo was in the representation of passionate emotions.

Renoir

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Pierre-Auguste Renoir was born in Limoges on 25 February 1841. In 1854, the boy’s parents took him from school and found a place for him in the Levy brothers’ workshop, where he was to learn to paint porcelain. Renoir’s younger brother Edmond had this to say this about the move: “From what he drew in charcoal on the walls, they concluded that he had the ability for an artist’s profession. That was how our parents came to put him to learn the trade of porcelain painter.” One of the Levys’ workers, Emile Laporte, painted in oils in his spare time. He suggested Renoir makes use of his canvases and paints. This offer resulted in the appearance of the first painting by the future impressionist. In 1862 Renoir passed the examinations and entered the Ecole des Beaux-Arts and, simultaneously, one of the independent studios, where instruction was given by Charles Gleyre, a professor at the Ecole des Beaux-Arts. The second, perhaps even the first, great event of this period in Renoir’s life was his meeting, in Gleyre’s studio, with those who were to become his best friends for the rest of his days and who shared his ideas about art. Much later, when he was already a mature artist, Renoir had the opportunity to see works by Rembrandt in Holland, Velazquez, Goya and El Greco in Spain, and Raphael in Italy. However, Renoir lived and breathed ideas of a new kind of art. He always found his inspirations in the Louvre. “For me, in the Gleyre era, the Louvre was Delacroix,” he confessed to Jean. For Renoir, the First Impressionist Exhibition was the moment his vision of art and the artist was affirmed. This period in Renoir’s life was marked by one further significant event. In 1873 he moved to Montmartre, to the house at 35 Rue Saint-Georges, where he lived until 1884. Renoir remained loyal to Montmartre for the rest of his life. Here he found his “plein-air” subjects, his models and even his family. It was in the 1870s that Renoir acquired the friends who would stay with him for the remainder of his days. One of them was the art-dealer Paul Durand-Ruel, who began to buy his paintings in 1872. In summer, Renoir continued to paint a great deal outdoors together with Monet. He would travel out to Argenteuil, where Monet rented a house for his family. Edouard Manet sometimes worked with them too. In 1877, at the Third Impressionist Exhibition, Renoir presented a panorama of over twenty paintings. They included landscapes created in Paris, on the Seine, outside the city and in Claude Monet’s garden; studies of women’s heads and bouquets of flowers; portraits of Sisley, the actress Jeanne Samary, the writer Alphonse Daudet and the politician Spuller; and also The Swing and The Ball at the Moulin de la Galette. Finally, in the 1880s Renoir hit a “winning streak”. He was commissioned by rich financiers, the owner of the Grands Magasins du Louvre and Senator Goujon. His paintings were exhibited in London and Brussels, as well as at the Seventh International Exhibition held at Georges Petit’s in Paris in 1886. In a letter to Durand-Ruel, then in New York, Renoir wrote: “The Petit exhibition has opened and is not doing badly, so they say. After all, it’s so hard to judge about yourself. I think I have managed to take a step forward towards public respect. A small step, but even that is something.”

Rembrandt

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Klaus H. Carl
Rembrandt is completely mysterious in his spirit, his character, his life, his work and his method of painting. What we can divine of his essential nature comes through his painting and the trivial or tragic incidents of his unfortunate life; his penchant for ostentatious living forced him to declare bankruptcy. His misfortunes are not entirely explicable, and his oeuvre reflects disturbing notions and contradictory impulses emerging from the depths of his being, like the light and shade of his pictures. In spite of this, nothing perhaps in the history of art gives a more profound impression of unity than his paintings, composed though they are of such different elements, full of complex significations. One feels as if his intellect, that genial, great, free mind, bold and ignorant of all servitude and which led him to the loftiest meditations and the most sublime reveries, derived from the same source as his emotions. From this comes the tragic element he imprinted on everything he painted, irrespective of subject; there was inequality in his work as well as the sublime, which may be seen as the inevitable consequence of such a tumultuous existence. It seems as though this singular, strange, attractive and almost enigmatic personality was slow in developing, or at least in attaining its complete expansion. Rembrandt showed talent and an original vision of the world early, as evidenced in his youthful etchings and his first self-portraits of about 1630. In painting, however, he did not immediately find the method he needed to express the still incomprehensible things he had to say, that audacious, broad and personal method which we admire in the masterpieces of his maturity and old age. In spite of its subtlety, it was adjudged brutal in his day and certainly contributed to alienate his public. From the time of his beginnings and of his successes, however, lighting played a major part in his conception of painting and he made it the principal instrument of his investigations into the arcana of interior life. It already revealed to him the poetry of human physiognomy when he painted The Philosopher in Meditation or the Holy Family, so deliciously absorbed in its modest intimacy, or, for example, in The Angel Raphael leaving Tobias. Soon he asked for something more. The Night Watch marks at once the apotheosis of his reputation. He had a universal curiosity and he lived, meditated, dreamed and painted thrown back on himself. He thought of the great Venetians, borrowing their subjects and making of them an art out of the inner life of profound emotion. Mythological and religious subjects were treated as he treated his portraits. For all that he took from reality and even from the works of others, he transmuted it instantly into his own substance.

Picasso

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Picasso was born a Spaniard and, so they say, began to draw before he could speak. As an infant he was instinctively attracted to artist’s tools. In early childhood he could spend hours in happy concentration drawing spirals with a sense and meaning known only to himself. At other times, shunning children’s games, he traced his first pictures in the sand. This early self-expression held out promise of a rare gift. Malaga must be mentioned, for it was there, on 25 October 1881, that Pablo Ruiz Picasso was born and it was there that he spent the first ten years of his life. Picasso’s father was a painter and professor at the School of Fine Arts and Crafts. Picasso learnt from him the basics of formal academic art training. Then he studied at the Academy of Arts in Madrid but never finished his degree. Picasso, who was not yet eighteen, had reached the point of his greatest rebelliousness; he repudiated academia’s anemic aesthetics along with realism’s pedestrian prose and, quite naturally, joined those who called themselves modernists, the non-conformist artists and writers, those whom Sabartes called “the elite of Catalan thought” and who were grouped around the artists’ cafe Els Quatre Gats. During 1899 and 1900 the only subjects Picasso deemed worthy of painting were those which reflected the “final truth”; the transience of human life and the inevitability of death. His early works, ranged under the name of “Blue Period” (1901-1904), consist in blue-tinted paintings influenced by a trip through Spain and the death of his friend, Casagemas. Even though Picasso himself repeatedly insisted on the inner, subjective nature of the Blue Period, its genesis and, especially, the monochromatic blue were for many years explained as merely the results of various aesthetic influences. Between 1905 and 1907, Picasso entered a new phase, called “Rose Period” characterised by a more cheerful style with orange and pink colours. In Gosol, in the summer of 1906 the nude female form assumed an extraordinary importance for Picasso; he equated a depersonalised, aboriginal, simple nakedness with the concept of “woman”. The importance that female nudes were to assume as subjects for Picasso in the next few months (in the winter and spring of 1907) came when he developed the composition of the large painting, Les Demoiselles d’Avignon. Just as African art is usually considered the factor leading to the development of Picasso’s classic aesthetics in 1907, the lessons of Cezanne are perceived as the cornerstone of this new progression. This relates, first of all, to a spatial conception of the canvas as a composed entity, subjected to a certain constructive system. Georges Braque, with whom Picasso became friends in the autumn of 1908 and together with whom he led Cubism during the six years of its apogee, was amazed by the similarity of Picasso’s pictorial experiments to his own. He explained that: “Cubism’s main direction was the materialisation of space.” After his Cubist period, in the 1920s, Picasso returned to a more figurative style and got closer to the surrealist movement. He represented distorted and monstrous bodies but in a very personal style. After the bombing of Guernica during 1937, Picasso made one of his most famous works which starkly symbolises the horrors of that war and, indeed, all wars. In the 1960s, his art changed again and Picasso began looking at the art of great masters and based his paintings on ones by Velazquez, Poussin, Goya, Manet, Courbet and Delacroix. Picasso’s final works were a mixture of style, becoming more colourful, expressive and optimistic. Picasso died in 1973, in his villa in Mougins. The Russian Symbolist Georgy Chulkov wrote: “Picasso’s death is tragic. Yet how blind and naive are those who believe in imitating Picasso and learning from him. Learning what? For these forms have no corresponding emotions outside of Hell. But to be in Hell means to anticipate death. The Cubists are hardly privy to such unlimited knowledge”.

Monet

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
For Claude Monet the designation ‘impressionist’ always remained a source of pride. In spite of all the things critics have written about his work, Monet continued to be a true impressionist to the end of his very long life. He was so by deep conviction, and for his Impressionism he may have sacrificed many other opportunities that his enormous talent held out to him. Monet did not paint classical compositions with figures, and he did not become a portraitist, although his professional training included those skills. He chose a single genre for himself, landscape painting, and in that he achieved a degree of perfection none of his contemporaries managed to attain. Yet the little boy began by drawing caricatures. Boudin advised Monet to stop doing caricatures and to take up landscapes instead. The sea, the sky, animals, people, and trees are beautiful in the exact state in which nature created them – surrounded by air and light. Indeed, it was Boudin who passed on to Monet his conviction of the importance of working in the open air, which Monet would in turn transmit to his impressionist friends. Monet did not want to enrol at the Ecole des Beaux-Arts. He chose to attend a private school, L’Academie Suisse, established by an ex-model on the Quai d’Orfevres near the Pont Saint-Michel. One could draw and paint from a live model there for a modest fee. This was where Monet met the future impressionist Camille Pissarro. Later in Gleyre’s studio, Monet met Auguste Renoir Alfred Sisley, and Frederic Bazille. Monet considered it very important that Boudin be introduced to his new friends. He also told his friends of another painter he had found in Normandy. This was the remarkable Dutchman Jongkind. His landscapes were saturated with colour, and their sincerity, at times even their naivete, was combined with subtle observation of the Normandy shore’s variable nature. At this time Monet’s landscapes were not yet characterized by great richness of colour. Rather, they recalled the tonalities of paintings by the Barbizon artists, and Boudin’s seascapes. He composed a range of colour based on yellow-brown or blue-grey. At the Third Impressionist Exhibition in 1877 Monet presented a series of paintings for the first time: seven views of the Saint-Lazare train station. He selected them from among twelve he had painted at the station. This motif in Monet’s work is in line not only with Manet’s Chemin de fer (The Railway) and with his own landscapes featuring trains and stations at Argenteuil, but also with a trend that surfaced after the railways first began to appear. In 1883, Monet had bought a house in the village of Giverny, near the little town of Vernon. At Giverny, series painting became one of his chief working procedures. Meadows became his permanent workplace. When a journalist, who had come from Vetheuil to interview Monet, asked him where his studio was, the painter answered, “My studio! I’ve never had a studio, and I can’t see why one would lock oneself up in a room. To draw, yes – to paint, no”. Then, broadly gesturing towards the Seine, the hills, and the silhouette of the little town, he declared, “There’s my real studio.”Monet began to go to London in the last decade of the nineteenth century. He began all his London paintings working directly from nature, but completed many of them afterwards, at Giverny. The series formed an indivisible whole, and the painter had to work on all his canvases at one time. A friend of Monet’s, the writer Octave Mirbeau, wrote that he had accomplished a miracle. With the help of colours he had succeeded in recreating on the canvas something almost impossible to capture: he was reproducing sunlight, enriching it with an infinite number of reflections. Alone among the impressionists, Claude Monet took an almost scientific study of the possibilities of colour to its limits; it is unlikely that one could have gone any further in that direction.

Gauguin

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Paul Gauguin was first a sailor, then a successful stockbroker in Paris. In 1874 he began to paint at weekends as a Sunday painter. Nine years later, after a stock-market crash, he felt confident of his ability to earn a living for his family by painting and he resigned his position and took up the painter’s brush full time. Following the lead of Cezanne, Gauguin painted still-lifes from the very beginning of his artistic career. He even owned a still-life by Cezanne, which is shown in Gauguin’s painting Portrait of Marie Lagadu. The year 1891 was crucial for Gauguin. In that year he left France for Tahiti, where he stayed till 1893. This stay in Tahiti determined his future life and career, for in 1895, after a sojourn in France, he returned there for good. In Tahiti, Gauguin discovered primitive art, with its flat forms and violent colours, belonging to an untamed nature. With absolute sincerity, he transferred them onto his canvas. His paintings from then on reflected this style: a radical simplification of drawing; brilliant, pure, bright colours; an ornamental type composition; and a deliberate flatness of planes. Gauguin termed this style “synthetic symbolism”.

Dali

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Eric Shanes
Painter, designer, creator of bizarre objects, author and film maker, Dali became the most famous of the Surrealists. Bunuel, Lorca, Picasso and Breton all had a great influence on his career. Dalis film, An Andalusian Dog, produced with Bunuel, marked his official entry into the tightly-knit group of Parisian Surrealists, where he met Gala, the woman who became his lifelong companion and his source of inspiration. But his relationship soon deteriorated until his final rift with Andre Breton in 1939. Nevertheless Dalis art remained surrealist in its philosophy and expression and a prime example of his freshness, humour and exploration of the subconscious mind. Throughout his life, Dali was a genius at self-promotion, creating and maintaining his reputation as a mythical figure.

Chagall

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Victoria Charles
Marc Chagall was born into a strict Jewish family for whom the ban on representations of the human figure had the weight of dogma. A failure in the entrance examination for the Stieglitz School did not stop Chagall from later joining that famous school founded by the Imperial Society for the Encouragement of the Arts and directed by Nicholas Roerich. Chagall moved to Paris in 1910. The city was his “second Vitebsk”. At first, isolated in the little room on the Impasse du Maine at La Ruche, Chagall soon found numerous compatriots also attracted by the prestige of Paris: Lipchitz, Zadkine, Archipenko and Soutine, all of whom were to maintain the “smell” of his native land. From his very arrival Chagall wanted to “discover everything”. And to his dazzled eyes painting did indeed reveal itself. Even the most attentive and partial observer is at times unable to distinguish the “Parisian”, Chagall from the “Vitebskian”. The artist was not full of contradictions, nor was he a split personality, but he always remained different; he looked around and within himself and at the surrounding world, and he used his present thoughts and recollections. He had an utterly poetical mode of thought that enabled him to pursue such a complex course. Chagall was endowed with a sort of stylistic immunity: he enriched himself without destroying anything of his own inner structure. Admiring the works of others he studied them ingenuously, ridding himself of his youthful awkwardness, yet never losing his authenticity for a moment. At times Chagall seemed to look at the world through magic crystal – overloaded with artistic experimentation – of the Ecole de Paris. In such cases he would embark on a subtle and serious play with the various discoveries of the turn of the century and turned his prophetic gaze like that of a biblical youth, to look at himself ironically and thoughtfully in the mirror. Naturally, it totally and uneclectically reflected the painterly discoveries of Cezanne, the delicate inspiration of Modigliani, and the complex surface rhythms recalling the experiments of the early Cubists (See-Portrait at the Easel, 1914). Despite the analyses which nowadays illuminate the painter’s Judaeo-Russian sources, inherited or borrowed but always sublime, and his formal relationships, there is always some share of mystery in Chagall’s art. The mystery perhaps lies in the very nature of his art, in which he uses his experiences and memories. Painting truly is life, and perhaps life is painting.

Cezanne

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Nathalia Brodskaya
Since his death 200 years ago, Cezanne has become the most famous painter of the nineteenth century. He was born in Aix-en-Provence in 1839 and the happiest period of his life was his early youth in Provence, in company with Emile Zola, another Italian. Following Zola’s example, Cezanne went to Paris in his twenty-first year. During the Franco-Prussian war he deserted the military, dividing his time between open-air painting and the studio. He said to Vollard, an art dealer, “I’m only a painter. Parisian wit gives me a pain. Painting nudes on the banks of the Arc [a river near Aix] is all I could ask for.” Encouraged by Renoir, one of the first to appreciate him, he exhibited with the impressionists in 1874 and in 1877. He was received with derision, which deeply hurt him. Cezanne’s ambition, in his own words, was “to make out of Impressionism something as solid and durable as the paintings of the museums.” His aim was to achieve the monumental in a modern language of glowing, vibrating tones. Cezanne wanted to retain the natural colour of an object and to harmonise it with the various influences of light and shade trying to destroy it; to work out a scale of tones expressing the mass and character of the form. Cezanne loved to paint fruit because it afforded him obedient models and he was a slow worker. He did not intend to simply copy an apple. He kept the dominant colour and the character of the fruit, but heightened the emotional appeal of the form by a scheme of rich and concordant tones. In his paintings of still-life he is a master. His fruit and vegetable compositions are truly dramatic; they have the weight, the nobility, the style of immortal forms. No other painter ever brought to a red apple a conviction so heated, sympathy so genuinely spiritual, or an observation so protracted. No other painter of equal ability ever reserved for still-life his strongest impulses. Cezanne restored to painting the pre-eminence of knowledge, the most essential quality to all creative effort. The death of his father in 1886 made him a rich man, but he made no change in his abstemious mode of living. Soon afterwards, Cezanne retired permanently to his estate in Provence. He was probably the loneliest of painters of his day. At times a curious melancholy attacked him, a black hopelessness. He grew more savage and exacting, destroying canvases, throwing them out of his studio into the trees, abandoning them in the fields, and giving them to his son to cut into puzzles, or to the people of Aix. At the beginning of the century, when Vollard arrived in Provence with intentions of buying on speculation all the Cezannes he could get hold of, the peasantry, hearing that a fool from Paris was actually handing out money for old linen, produced from barns a considerable number of still-lifes and landscapes. The old master of Aix was overcome with joy, but recognition came too late. In 1906 he died from a fever contracted while painting in a downpour of rain.

О фотографии

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Сьюзен Сонтаг
Коллекция эссе Сьюзен Сонтаг «О фотографии» впервые увидела свет в виде серии очерков, опубликованных в [i]New York Review of Books[/i] между 1973 и 1977 годами. В книге, сделавшей ее знаменитой, Сонтаг приходит к выводу, что широкое распространение фотографии приводит к установлению между человеком и миром отношений «хронического вуайеризма», в результате чего все происходящее начинает располагаться на одном уровне и приобретает одинаковый смысл. Главный парадокс фотографии заключается, согласно Сонтаг, в том, что человек, который снимает, не может вмешаться в происходящее, и, наоборот, – если он участвует в событии, то оказывается уже не в состоянии зафиксировать его в виде фотоизображения.

Обнаженная натура

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Вадим Нардин
Фотография ню – это искусство на грани. Она должна не просто вызвать желание, но зацепить красотой линий тела, построением кадра, игрой света и тени, оригинальной идеей. Альбом молодого фотографа Вадима Нардина – это изящное сочетание эротических фантазий, красивых женщин и неординарных задумок. Именно то, что не стыдно подарить знакомому или положить на свой журнальный столик в гостиной. Отличная книга для ценителей прекрасного.

Тайные знания коммерческих иллюстраторов

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Яна Франк
В этой книге Яна Франк рассказывает, как стать коммерческим иллюстратором, и раскрывает всю «кухню» этой работы: объясняет, с чего начать и куда стремиться, как составить портфолио, где найти клиентов и как с ними работать, подробно разбирает маленькие картинки и большие проекты, делится техническими хитростями и пошаговыми рецептами создания изображений. А кроме того, раздумывает о неочевидных проблемах профессии иллюстратора. Книга адресована всем, кто планирует зарабатывать на жизнь иллюстрацией или уже встал на этот непростой путь.

Дневник дизайнера-маньяка

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Яна Франк
Это книга о дизайнерах и для дизайнеров – откровенный разговор о наболевшем. Сначала она существовала в виде сетевого дневника, который для издания на бумаге был переписан и снабжен иллюстрациями. Яна Франк делится своими мыслями о профессии, предлагает ответы на «вечные вопросы»: должен ли дизайнер уметь рисовать, существует ли идеальный заказчик, где брать свежие идеи, чем отличается плагиат от работы с материалом. Авторские рецепты спасения проектов от провала можно использовать и в качестве пособия по тому, как загубить любое хорошее начинание. Впервые книга была издана в 2006 году.

В поисках гармонии. Искусствоведческие работы разных лет

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Нина Александровна Дмитриева
В сборник работ Нины Александровны Дмитриевой (1917–2003), выдающегося отечественного искусствоведа, лауреата Государственной премии РФ, включены статьи, мемуарные и публицистические тексты, которые наиболее ярко характеризуют исследовательский и литературный талант автора. Ключевые проблемы теории и истории художественной культуры раскрываются в них через призму творческих поисков крупнейших мастеров зарубежного и русского искусства. Свободные от методологических догм и шаблонов, ее интерпретации художественных произведений найдут живой отклик у широкого круга читателей.


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