Jp. A. Calosse читать онлайн


Whistler

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Whistler taucht zu einem entscheidenden Zeitpunkt der Kunstgeschichte auf und ubernimmt die Rolle eines Vorlaufers. Den Impressionisten gleich hat er den Willen, seine Ideen durchzusetzen. In einer ersten Schaffensphase wird der Kunstler vom Realismus Courbets und vom Japonismus beeinflusst. Whistler findet mit den Nocturnes und der Cremorne Gardens-Serie zu kunstlerischer Eigenstandigkeit, und stellt sich dem Akademismus entgegen. Das Portrait seiner Mutter nennt er Arrangement in Grau und Schwarz, was fur seine asthetischen Theorien sehr bezeichnend ist. Wenn er die Lustgarten von Cremorne darstellt, so nicht, um identifizierbare Personen darauf abzubilden, sondern um eine Stimmung zu erfassen. Die Ufernebel der Themse, bleiche Lichter, Fabrikschlote haben es ihm angetan. Wahrend dieses Zeitabschnitts schockiert er seine Zeitgenossen mit seinen abstrakt anmutenden Bildern. Die Portraits (Ganzfiguren) beherrschen seine nachste Phase, in der er Beruhmtheit erlangt. Die portraitierten Personen werden in ihrer naturlichen Umgebung dargestellt, was ihnen eine merkwurdige Prasenz verleiht. Oscar Wilde (1854 bis 1900) lasst sich von den Portraits zur Niederschrift des Bildnis des Dorian Gray inspirieren. Seine Launen, seine Eleganz und seine Personlichkeit geben Anlass zu Neugierde und Bewunderung. Enger Freund von Mallarme (1842 bis 1898), bewundert von Marcel Proust (1871 bis 1922), provozierender Dandy, empfindlicher Weltmann, anspruchsvoller Kunstler: Whistler war ein wagemutiger Erneuerer.

Mondrian

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Der insgesamt der Kunstrichtung der Klassischen Moderne zuzurechnende Piet Mondrian (1872-1944) wurde im niederlandischen Amersfort geboren. Nach seinem Studium in Amsterdam begann ers eine Kunstlerkarriere im impressionistischen Stil als Figuren- und Landschaftsmaler. Seine Arbeiten aus jenen Jahren zeigen den Einfluss Vincent van Goghs (1853-1890) und des Fauvismus, einer franzosischen Stilrichtung aus dem Anfang des 20. Jahrhunderts. Auf seiner Reise des Jahres 1911 nach Paris entdeckte er Pablo Picassos (1881-1973) Arbeiten, damit fur sich den Kubismus und wurde aufgrund dessen nach seiner Ruckkehr zum Pionier der abstrakten Malereiin den Niederlanden. Seine Gemalde weisen ab den 1920er Jahren – er lebte zu dieser Zeit und fur etwa zwanzig Jahre wieder in Paris - einen auf das Senkrechte und Waagerechte zuruckgehenden Aufbau und damit strenge geometrische Formen auf, die, zusammen mit den Gegensatzen blauer, gelber, roter und nichtfarbiger Flachen, zu seinem Markenzeichen wurden. In New York, wo er seine letzten Jahre verbrachte, fand seine Kunst gro?en Anklang. Mondrian war nicht nur Maler, sondern auch Kunsttheoretiker und Mitbegrunder der Kunstrichtung De Stijl.

Van Gogh

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Jenseits der Sonnenblumen, der Schwertlilien und des Portrats von Doktor Gachet befindet sich ein Mensch, Vincent van Gogh (geboren 1853; gestorben 1890) mit all seiner Begabung und Zerbrechlichkeit. Der Post-Impressionist van Gogh ubte mit seiner Kreativitat und seiner Technik einen enormen Einfluss auf das Verstandnis der Malerei des 19. Jahrhunderts aus. Er war Vorlaufer der Expressionisten, der Fauvisten und der modernen Kunst uberhaupt. Heute jedoch wird van Gogh vor allem als das Symbol des von Krankheit, anderen Menschen und vor allem seinen eigenen Damonen gequalten Malers wahrgenommen. Die Autorin dieses Ebooks befasst sich sowohl mit van Goghs Briefen als auch seinen Gemalden, die eine vollig neue Herangehensweise an die Farbe verkorpern. Die Legende steht dabei haufig in unmittelbarer Nachbarschaft mit Banalitaten, und das gro?e kunstlerische Genie wird mit der kleinlichen Wirklichkeit des Lebens konfrontiert. Trotz all seiner Angste spurte van Gogh die Wichtigkeit seiner Arbeit und beharrte auf seinem Recht, anders zu sein. Die Zukunft gab ihm Recht.

Rubens

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Fur seine wohlgeformten, lasziven nackten Frauen beruhmt, war Peter Paul Rubens erstes Anliegen die Darstellung der Sinnenfreuden in all ihren Formen. Ein Barockmaler, der in seinem gesamten kunstlerischen Schaffen die Freuden und Wunder des Korperlichen feierte, die strikten sozialen Vorschriften zugunsten einer emotionalen und sinnlichen Portratierung der Nacktheit aufgebend, um die Schonheit des menschlichen Korpers zu zelebrieren, die fur den Kunstler ebenso naturlich war wie die Landschaften seiner Jugend.

Picasso

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Von Pablo Picasso erzahlt man, er hatte zu zeichnen angefangen, noch bevor er sprechen konnte. Geboren wurde er in Malaga, und hier verbrachte er auch die ersten zehn Jahre seines Lebens. Von seinem Vater lernte Pablo die Grundlagen der akademischen Malkunst. Er besuchte eine Kunstschule in Barcelona und schrieb sich 1897 an der Kunstakademie in Madrid ein. Noch keine 18 Jahre alt, erreichte Picasso den Hohepunkt seiner kunstlerischen Rebellion und verwarf nicht nur die anamische Asthetik der akademischen Kunst, sondern auch den prosaischen Realismus und schloss sich den Modernisten, also den nonkonformistischen Kunstlern und Schriftstellern an, die Sabartes als die “Elite des katalanischen Denkens” bezeichnete. Picasso beschrankte sich 1899 und 1900 zunachst auf Motive, die fur ihn die “endgultige Wahrheit” bedeuteten: die Verganglichkeit des Lebens und die Unvermeidbarkeit des Todes. Seine fruhen Werke, die “blaue Epoche” (1901-1904) waren auf blauen Ton gestimmt und von einer Reise durch Spanien sowie den Tod seines Freundes Casagemas beeinflusst. Er ubersiedelte 1904 nach Paris, wo sich 1905 bis 1907 eine neue Phase abzeichnet, die periode rose, erkennbar an einem frohlicheren Stil mit reicherer Farbskala,?vor allem Orange und Rosa. Wahrend eines Sommeraufenthalts 1906 in Gosol (Spanien) nahm der weibliche Akt eine uberragende Bedeutung fur ihn ein. Er reduzierte die Formen radikal auf geometrische Strukturen und zeigte den weiblichen Korper auf unpersonliche Art: die “Frau” als Konzept. Exemplarisch fur diesen Stilwandel ist das “skandalose” im Winter und Fruhling 1907 geschaffene Werk Les Demoiselles d’Avignon. Wahrend sich Picassos asthetischer Wandel 1907 auf die afrikanische Kunst zuruckfuhren lasst, wird danach der Einfluss Cezannes entscheidend. Dies bezieht sich in erster Linie auf die einem konstruktiven System unterworfene raumliche Gestaltung der Leinwand als einer komponierten Einheit. Nach der Bombardierung von Guernica im Jahr 1937 schuf Picasso sein gleichnamiges Gemalde als Symbol gegen den Terror des Krieges. Sein Spatwerk zeigt eine Vielfalt von Stilen, seine Werke sind bunter, ausdrucksstarker und optimistischer. In einer Folge von Radierungen nimmt er die zentralen Themen seines Werks noch einmal auf: Akte, Zirkus, Stierkampf. Neben Bildern schafft er Unmengen von figurlichen Keramiken und auch plastische Werke. Er stirbt 1973 in seiner Villa in Mougins.

Leonard de Vinci

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Автор: Jp. A. Calosse
Leonard de Vinci (Vinci, 1452 – Le Clos-Luce, 1519) Leonard passa la premiere partie de sa vie a Florence, la seconde a Milan et ses trois dernieres annees en France. Le professeur de Leonard fut Verrocchio, dabord orfevre, puis peintre et sculpteur. En tant que peintre, Verrocchio etait representatif de la tres scientifique ecole de dessin ; plus celebre comme sculpteur, il crea la statue de Colleoni a Venise. Leonard de Vinci etait un homme extremement attirant physiquement, dote de manieres charmantes, dagreable conversation et de grandes capacites intellectuelles. Il etait tres verse dans les sciences et les mathematiques, et possedait aussi un vrai talent de musicien. Sa maitrise du dessin etait extraordinaire, manifeste dans ses nombreux dessins, comme dans ses peintures relativement rares. Ladresse de ses mains etait au service de la plus minutieuse observation, et de lexploration analytique du caractere et de la structure de la forme. Leonard fut le premier des grands hommes a desirer creer dans un tableau une sorte dunite mystique issue de la fusion entre la matiere et lesprit. Maintenant que les Primitifs avaient conclu leurs experiences, poursuivies sans relache deux siecles durant, il pouvait prononcer les mots qui serviraient de sesame a tous les artistes du futur dignes de ce nom : peindre est un acte intellectuel, une cosa mentale. Il enrichit le dessin florentin en intensifiant la perspective de champ par un modelage de lombre et de la lumiere que ses predecesseurs navaient utilise que pour donner une plus grande precision aux contours. Cette technique est appelee sfumato. Cette merveilleuse maitrise du dessin, ce modele et ce clair-obscur, il les utilisa non seulement pour peindre laspect exterieur du corps, mais aussi, comme personne avant lui, pour explorer une part du mystere de sa vie interieure. Dans sa Mona Lisa, sa Sainte Anne et ses autres chefs-doeuvre, il ne se contente pas dutiliser le paysage comme un ornement plus ou moins pittoresque, mais bien comme une sorte decho de cette vie interieure, un element constitutif de cette harmonie parfaite. Se fiant aux lois toujours assez recentes de la perspective, ce docteur en sagesse academique, qui, a cette meme epoque, posait les bases de la pensee moderne, substitua a la maniere discursive des Primitifs le principe de concentration qui est le fondement de lart classique. Le tableau ne nous est plus presente comme un agregat presque fortuit de details et depisodes. Cest un organisme dont tous les elements, lignes et couleurs, ombres et lumieres, composent un subtil entrelacs convergeant vers un noyau spirituel, voire sensuel. Dans Mona Lisa, Leonard de Vinci depeignit la quintessence de lunivers et de la femme, eternelle idee de lhomme et symbole de la beaute parfaite auquel il aspire. La nature est evoquee ici par un magicien dans tout son mystere et sa puissance. Derriere le charmant visage, calme, derriere le front, juvenile et pourtant meditatif, pparaissent des montagnes, des glaciers, de leau et des rochers. Dans cette tres petite portion de surface peinte, se devoile une vaste revelation, a cote de leternel feminin, de notre planete, notre mere la Terre. Leonard de Vinci ne se preoccupait pas de laspect exterieur des objets, mais bien de leur signification interieure et spirituelle.

Whistler

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Whistler (Lowell, 1834 – Londres 1903) Whistler surgit a un moment crucial de lhistoire de lart et il joue un role de precurseur. Il a, comme les Impressionnistes, la volonte dimposer ses idees. Son oeuvre se deroule en quatre periodes. Dans une premiere periode de recherche, lartiste est influence par le realisme de Courbet et par le japonisme. Puis Whistler trouve son originalite avec les Nocturnes et la serie des Cremorne Gardens en sopposant a lacademisme qui veut quune oeuvre dart raconte une histoire. Lorsquil peint le portrait de sa mere, Whistler lintitule Arrangement en gris et noir (p.31), ce qui est significatif de ses theories esthetiques. Sil depeint les jardins de plaisir de Cremorne, ce nest pas pour y figurer, comme Renoir, des personnages identifiables, mais pour saisir une atmosphere. Il aime les brumes des bords de la Tamise, les lumieres blafardes, les cheminees dusine. Cest la periode au cours de laquelle il fera figure de precurseur et daventurier de lart ; au bord de labstraction, il choque ses contemporains. La troisieme periode est surtout dominee par ses portraits en pied : cest elle qui lui apportera la gloire. Mais il saura insuffler a un genre pourtant classique sa profonde originalite. Il restitue les personnes dans leur environnement : cela donne une etrange presence aux modeles. Il cree des portraits qualifies de mediums par ses contemporains et dont Oscar Wilde sinspirera pour ecrire son Portrait de Dorian Gray. Enfin, vers la fin de sa vie, lartiste realise des paysages et des portraits dans la grande tradition, tres influence par Velazquez. Whistler fera preuve dune impressionnante rigueur en faisant sans cesse coincider son oeuvre avec ses theories. Il nhesitera pas a croiser le fer avec les theoriciens de lart les plus celebres. Sa personnalite, ses foucades, son elegance, en font un sujet ideal de curiosite et dadmiration. Ami proche de Mallarme, admire par Marcel Proust, dandy provocateur, mondain ombrageux, artiste exigeant, il fut un novateur audacieux.

Van Gogh

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Vincent van Gogh (Groot-Zundert, Brabant, 1853 – Auvers-sur-Oise, 1890) La vie et loeuvre de Vincent van Gogh sont si etroitement liees quil est quasiment impossible de voir ses toiles sans y lire le recit de sa vie : van Gogh est en effet devenu lincarnation du martyr souffrant et incompris de lart moderne, lembleme de lartiste marginal. Le premier article, publie en 1890, donnait des details sur la maladie de van Gogh. Lauteur de larticle voyait le peintre comme un «genie terrible et dement, souvent sublime, parfois grotesque, toujours a la limite du cas pathologique ». On sait tres peu de choses sur lenfance de Vincent. A lage de 11 ans, il dut quitter le «nid humain », comme il le nommait lui-meme, pour poursuivre sa scolarite dans divers internats. Le premier portrait nous montre van Gogh comme un jeune homme serieux de dix-neuf ans. A cette epoque, il avait deja travaille trois ans a La Haye et ensuite a Londres, dans la galerie Goupil & Co. En 1874, son amour pour Ursula Loyer sacheva dans un desastre et un an plus tard, il fut transfere a Paris, contre son gre. A lissue dune discussion particulierement violente au moment des fetes de Noel 1881, son pere, pasteur, ordonna a Vincent de partir. Avec cette ultime rupture, il abandonna son nom de famille, signant ses toiles dun simple «Vincent ». Il se rendit a Paris et ne retourna jamais en Hollande. A Paris il fit la connaissance de Paul Gauguin, dont il admirait enormement les peintures. Lautoportrait fut le principal sujet de Vincent de 1886 a 1888. En fevrier 1888, Vincent quitta Paris pour Arles, et essaya de persuader Gauguin de le rejoindre. Les mois passes a attendre Gauguin furent les plus productifs de la vie de van Gogh. Il voulait montrer a son ami autant de toiles que possible et decorer la Maison jaune. Mais Gauguin ne partageait pas sa vision de lart et rentra finalement a Paris. Le 7 janvier 1889, quatorze jours apres son automutilation, Vincent quitta lhopital. Ignorant sa propre folie, il esperait se retablir et oublier, mais en realite, il y retourna deux fois cette annee la. Au cours de son ultime sejour a lhopital, Vincent peignit des paysages dans lesquels il recreait le monde de son enfance. On dit que Vincent van Gogh se tira une balle dans la tempe dans un champ, mais decida de rentrer a lhotel et de se coucher. Le proprietaire informa le Dr Gachet et son frere, Theo ; ce dernier decrivit les derniers instants de sa vie qui prit fin le 29 juillet 1890 : «Je voulais mourir. Mais jetais assis a son chevet, lui promettant que nous allions le guerir. [...] », il repondit : «La tristesse durera toujours. »

Picasso

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Pablo Picasso (Malaga, 1881 – Mougins, 1973) Picasso naquit en Espagne et l’on dit meme qu’il commenca a dessiner avant de savoir parler. Enfant, il fut nstinctivement attire par les instruments de l’artiste. Il pouvait passer des heures de joyeuse concentration a dessiner des spirales pourvues d’un sens qu’il etait seul a connaitre. Fuyant les jeux d’enfants, il traca ses premiers tableaux dans le sable. Cette maniere precoce de s’exprimer contenait la promesse d’un rare talent. Nous nous devons de mentionner Malaga, car c’est la, le 25 Octobre 1881, que Pablo Ruiz Picasso naquit et qu’il passa les dix premieres annees de sa vie. Le pere de Picasso etait lui-meme peintre et professeur a l’ecole des Beaux-Arts de la ville. Picasso apprit aupres de lui les rudiments de la peinture academique. Puis il poursuivit ses etudes a l’academie des Arts de Madrid mais n’obtint jamais son diplome. Picasso, qui n’avait pas encore 18 ans, avait atteint le point culminant de sa rebellion, repudiant l’esthetique anemique de l’academisme et le prosaisme du realisme. Tout naturellement, il se joignit a ceux qui se qualifiaient de modernistes, c’est a dire, les artistes et les ecrivains non-conformistes, ceux que Sabartes appelait «l’elite de la pensee catalane » et qui se retrouvaient au cafe des artistes Els Quatre Gats. Durant les annees 1899 et 1900, les seuls sujets dignes d’etre peints aux yeux de Picasso etaient ceux qui refletaient la verite ultime : le caractere ephemere de la vie humaine et l’ineluctabilite de la mort. Ses premieres oeuvres, cataloguees sous le nom de «periode bleue » (1901-1904), consistent en peintures executees dans des teintes bleues, inspirees par un voyage a travers l’Espagne et la mort de son ami Casagemas. Meme si Picasso lui-meme insistait frequemment sur la nature interieure et subjective de la periode bleue, sa genese et, en particulier, ce monochromatisme bleu, furent des annees durant, expliques comme les resultats de diverses influences esthetiques. Entre 1905 et 1907, Picasso entra dans une nouvelle phase, appelee la «periode rose » caracterisee par un style plus enjoue, domine par l’orange et le rose. A Gosal, au cours de l’ete 1906, le nu feminin prit une importance considerable pour Picasso – une nudite depersonnalisee, aborigene, simple, comme le concept de «femme ». La dimension que les nus feminins allaient prendre chez Picasso dans les mois suivants, precisement durant l’hiver et le printemps 1907, s’imposa lorsqu’il elabora la composition de son impressionnante peinture connue sous le titre des Demoiselles d’Avignon. S’il est vrai que l’art africain est habituellement considere comme le facteur determinant du developpement d’une sthetique classique en 1907, les lecons de Cezanne sont quand a elles percues comme la pierre angulaire de cette nouvelle progression. Ceci est lie tout d’abord a une conception spatiale de la toile comme une entite composee, soumise a un certain systeme de construction. Georges Braque, dont Picasso devint l’ami a l’automne 1908 et avec lequel il mena le cubisme a son apogee en six ans, fut surpris pas les similitudes entre les experiences picturales de Picasso et les siennes. Il expliquait que le «principal objectif du Cubisme etait la materialisation de l’espace. A l’issue de sa periode cubiste, dans les annees 1920, Picasso revint a un style plus figuratif et se rapprocha du ouvement surrealiste. Il representa des corps difformes et monstrueux mais d’une maniere tres personnelle. Apres le bombardement de Guernica en 1937, Picasso realisa l’une de ses oeuvres les plus celebres, symbole des horreurs de la guerre. Dans les annees 1960, son art changea a nouveau et Picasso commenca a regarder de plus pres les grands maitres, s’inspirant dans ses tableaux des oeuvres de Velazquez, Poussin, Goya, Manet, Courbet, Delacroix. Les dernieres oeuvres de Picasso etaient un melange de styles, devenant plus colorees, expressives et optimistes. Picasso mourut en 1973, dans sa villa de Mougins. Le symboliste russe Georgy Chulkov ecrivit : «La mort de Picasso est une chose tragique. Pourtant, combien ceux qui croient pouvoir imiter Picasso ou apprendre de lui sont en verite aveugles et naifs. Apprendre quoi ? Ces formes ne correspondent a aucune emotion existant hors de l’Enfer. Mais etre en Enfer signifie anticiper la mort, et les Cubistes ne s’interessent guere a ce genre de connaissance infinie. »

The Origin of the World

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Автор: Jp. A. Calosse
Lacan, the last owner of Courbet’s The Origin of the World, loved the painting so much that he couldn’t even bring himself to look at it. Instead, he hid it behind a “safer” painting. The Chinese called it the “valley of the roses” (watch out for the thorns!), the Persians, the “honey-pot” (watch out for the bees!), and the Greeks, “the mound of Venus” (mind the steep climb!); to each era its fantasies and its theories about the feminine mystique. Then there are the testimonies of poets, painters, and even of some famous psychiatrists. The Origin of the World is a work of art only suitable for lovers of intrigue.

Whistler

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Автор: Jp. A. Calosse
Whistler suddenly shot to fame like a meteor at a crucial moment in the history of art, a field in which he was a pioneer. Like the impressionists, with whom he sided, he wanted to impose his own ideas. Whistler’s work can be divided into four periods. The first may be called a period of research in which he was influenced by the Realism of Gustave Courbet and by Japanese art. Whistler then discovered his own originality in the Nocturnes and the Cremorne Gardens series, thereby coming into conflict with the academics who wanted a work of art to tell a story. When he painted the portrait of his mother, Whistler entitled it Arrangement in Grey and Black and this is symbolic of his aesthetic theories. When painting the Cremorne Pleasure Gardens it was not to depict identifiable figures, as did Renoir in his work on similar themes, but to capture an atmosphere. He loved the mists that hovered over the banks of the Thames, the pale light, and the factory chimneys which at night turned into magical minarets. Night redrew landscapes, effacing the details. This was the period in which he became an adventurer in art; his work, which verged on abstraction, shocked his contemporaries. The third period is dominated by the full-length portraits that brought him his fame. He was able to imbue this traditional genre with his profound originality. He tried to capture part of the souls of his models and placed the characters in their natural habitats. This gave his models a strange presence so that they seem about to walk out of the picture to physically encounter the viewer. By extracting the poetic substance from individuals he created portraits described as “mediums” by his contemporaries, and which were the inspiration for Oscar Wilde’s The Picture of Dorian Gray. Towards the end of his life, the artist began painting landscapes and portraits in the classical tradition, strongly influenced by Velazquez. Whistler proved to be extremely rigorous in ensuring his paintings coincided with his theories. He never hesitated in crossing swords with the most famous art theoreticians of his day. His personality, his outbursts, and his elegance were a perfect focus for curiosity and admiration. He was a close friend of Stephane Mallarme, and admired by Marcel Proust, who rendered homage to him in A La Recherche du Temps Perdu. He was also a provocative dandy, a prickly socialite, a demanding artist, and a daring innovator.

Mondrian

Жанр: Изобразительное искусство, фотография
Автор: Jp. A. Calosse
Piet Mondrian (1872-1944), who can be assigned to the school of classical modernism, was born in Amersfort, Netherlands. After studying in Amsterdam, he started his artist?s career in the impressionist style as a figure and landscape painter. His works from these years showed the influence of Vincent Van Gogh (1853-1890) and of Fauvism, a French school from the beginning of the 20th century. When he traveled to Paris in 1911, he discovered Pablo Picasso?s works (1881-1973) and, with that, Cubism. He thereafter became a pioneer of abstract painting in the Netherlands. From the 1920s on, his paintings show a vertical and horizontal composition that, combined with the oppositions of blue, yellow, red, and noncolored spaces, turned into his trademark. His art was very appreciated in New York, where he spent his last years. Mondrian was not only a painter but also an art theoretician and cofounder of the art school De Stijl.

Van Gogh

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Автор: Jp. A. Calosse
Vincent van Gogh’s life and work are so intertwined that it is hardly possible to observe one without thinking of the other. Van Gogh has indeed become the incarnation of the suffering, misunderstood martyr of modern art, the emblem of the artist as an outsider. An article, published in 1890, gave details about van Gogh’s illness. The author of the article saw the painter as “a terrible and demented genius, often sublime, sometimes grotesque, always at the brink of the pathological.” Very little is known about Vincent’s childhood. At the age of eleven he had to leave “the human nest”, as he called it himself, for various boarding schools. The first portrait shows us van Gogh as an earnest nineteen year old. At that time he had already been at work for three years in The Hague and, later, in London in the gallery Goupil & Co. In 1874 his love for Ursula Loyer ended in disaster and a year later he was transferred to Paris, against his will. After a particularly heated argument during Christmas holidays in 1881, his father, a pastor, ordered Vincent to leave. With this final break, he abandoned his family name and signed his canvases simply “Vincent”. He left for Paris and never returned to Holland. In Paris he came to know Paul Gauguin, whose paintings he greatly admired. The self-portrait was the main subject of Vincent’s work from 1886c88. In February 1888 Vincent left Paris for Arles and tried to persuade Gauguin to join him. The months of waiting for Gauguin were the most productive time in van Gogh’s life. He wanted to show his friend as many pictures as possible and decorate the Yellow House. But Gauguin did not share his views on art and finally returned to Paris. On 7 January, 1889, fourteen days after his famous self-mutilation, Vincent left the hospital where he was convalescing. Although he hoped to recover from and to forget his madness, but he actually came back twice more in the same year. During his last stay in hospital, Vincent painted landscapes in which he recreated the world of his childhood. It is said that Vincent van Gogh shot himself in the side in a field but decided to return to the inn and went to bed. The landlord informed Dr Gachet and his brother Theo, who described the last moments of his life which ended on 29 July, 1890: “I wanted to die. While I was sitting next to him promising that we would try to heal him. [...], he answered, ‘La tristesse durera toujours (The sadness will last forever).’”

Rubens

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Автор: Jp. A. Calosse
The eclectic art of which the Carracci family dreamed was realised by Rubens with the ease of genius. However, the problem was much more complicated for a man of the north, who wished to add to it a fusion of the Flemish and Latin spirits, of which the rather pedantic attempts of Romanism had illustrated the difficulties. He achieved it without losing anything of his overflowing personality, his questing imagination, and the enchanting discoveries of the greatest colourist known to painting. Rubens, the greatest master of Baroque painting’s exuberance, took from the Italian Renaissance what could be of use to him, and then built upon it a style of his own. It is distinguished by a wonderful mastery of the human form and an amazing wealth of splendidly lighted colour. He was a man of much intellectual poise and was accustomed to court life, travelling from court to court, with pomp, as a trusted envoy. Rubens was one of those rare mortals who do real honour to humanity. He was handsome, good and generous, and he loved virtue. His laborious life was well ordered. The creator of so many delightful pagan feasts went each morning to mass before proceeding to his studio. He was the most illustrious type of happy and perfectly balanced genius, and combined in his personage passion and science, ardour and reflection. Rubens expressed drama as well as joy, since nothing human was foreign to him, and he could command at will the pathos of colour and expression which he required in his religious masterpieces. It might be said that he was as prolific in the representation of the joy and exuberance of life as Michelangelo was in the representation of passionate emotions.

Picasso

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Автор: Jp. A. Calosse
Picasso was born a Spaniard and, so they say, began to draw before he could speak. As an infant he was instinctively attracted to artist’s tools. In early childhood he could spend hours in happy concentration drawing spirals with a sense and meaning known only to himself. At other times, shunning children’s games, he traced his first pictures in the sand. This early self-expression held out promise of a rare gift. Malaga must be mentioned, for it was there, on 25 October 1881, that Pablo Ruiz Picasso was born and it was there that he spent the first ten years of his life. Picasso’s father was a painter and professor at the School of Fine Arts and Crafts. Picasso learnt from him the basics of formal academic art training. Then he studied at the Academy of Arts in Madrid but never finished his degree. Picasso, who was not yet eighteen, had reached the point of his greatest rebelliousness; he repudiated academia’s anemic aesthetics along with realism’s pedestrian prose and, quite naturally, joined those who called themselves modernists, the non-conformist artists and writers, those whom Sabartes called “the elite of Catalan thought” and who were grouped around the artists’ cafe Els Quatre Gats. During 1899 and 1900 the only subjects Picasso deemed worthy of painting were those which reflected the “final truth”; the transience of human life and the inevitability of death. His early works, ranged under the name of “Blue Period” (1901-1904), consist in blue-tinted paintings influenced by a trip through Spain and the death of his friend, Casagemas. Even though Picasso himself repeatedly insisted on the inner, subjective nature of the Blue Period, its genesis and, especially, the monochromatic blue were for many years explained as merely the results of various aesthetic influences. Between 1905 and 1907, Picasso entered a new phase, called “Rose Period” characterised by a more cheerful style with orange and pink colours. In Gosol, in the summer of 1906 the nude female form assumed an extraordinary importance for Picasso; he equated a depersonalised, aboriginal, simple nakedness with the concept of “woman”. The importance that female nudes were to assume as subjects for Picasso in the next few months (in the winter and spring of 1907) came when he developed the composition of the large painting, Les Demoiselles d’Avignon. Just as African art is usually considered the factor leading to the development of Picasso’s classic aesthetics in 1907, the lessons of Cezanne are perceived as the cornerstone of this new progression. This relates, first of all, to a spatial conception of the canvas as a composed entity, subjected to a certain constructive system. Georges Braque, with whom Picasso became friends in the autumn of 1908 and together with whom he led Cubism during the six years of its apogee, was amazed by the similarity of Picasso’s pictorial experiments to his own. He explained that: “Cubism’s main direction was the materialisation of space.” After his Cubist period, in the 1920s, Picasso returned to a more figurative style and got closer to the surrealist movement. He represented distorted and monstrous bodies but in a very personal style. After the bombing of Guernica during 1937, Picasso made one of his most famous works which starkly symbolises the horrors of that war and, indeed, all wars. In the 1960s, his art changed again and Picasso began looking at the art of great masters and based his paintings on ones by Velazquez, Poussin, Goya, Manet, Courbet and Delacroix. Picasso’s final works were a mixture of style, becoming more colourful, expressive and optimistic. Picasso died in 1973, in his villa in Mougins. The Russian Symbolist Georgy Chulkov wrote: “Picasso’s death is tragic. Yet how blind and naive are those who believe in imitating Picasso and learning from him. Learning what? For these forms have no corresponding emotions outside of Hell. But to be in Hell means to anticipate death. The Cubists are hardly privy to such unlimited knowledge”.


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